¿Aparecerán X-Men en 'Los Vengadores 2'?

La productora de la franquicia mutante de Marvel se muestra favorable a que Lobezno y compañía aparezcan en la secuela del súpergrupo. Por CINEMANÍA / T. F.

Continúan surgiendo nuevos rumores sobre Los Vengadores 2, la pieza fundamental de la Fase II de Marvel, es decir, sus planes inmediatos de producción. El más reciente, que se puede leer esta mañana en nuestra revista hermana Total Film, podría ser sin embargo el más asombroso de todos los aparecidos hasta el momento.
Aunque la franquicia de X-Men, tanto la trilogía original como la precuela X-Men: Primera generación, su próxima secuela X-Men: Days of the Future Past, así como los spin-offs de Lobezno, pertenecen a Fox, su productora Lauren Shuler-Donner ha reconocido en una entrevista el buen trabajo que Marvel y Disney han realizado conjuntamente en Los Vengadores. Es más, ha dejado entrever que estaría más que dispuesta a una posible aparición de los miembros de la Patrulla X en la próxima película de Los Vengadores, para la que Joss Whedon ya ha sido confirmado como director y guionista.
"Me encantaría. Tengo lazos estrechos con Marvel, porque Kevin Feige [presidente de producción de Marvel Studios] trabajó para mí. Coger a nuestros personajes y juntarlos tal y como fueron concebidos, estoy totalmente a favor".

¿Veremos luchando codo con codo Los Vengadores y los mutantes de la Patrulla X contra el poderoso Thanos? Sólo el tiempo lo dirá, pero la simple idea es muy emocionante.

Los Vengadores 2 se estrenará en mayo de 2015.

[Crónica Sitges 2012] Ego-horror: cine de terror que sólo habla de sí mismo

Las películas que se toman al propio género como motivo de homenaje, chanza o reflexión dominaban el festival. Entonces, llegó Rob Zombie. Por DANIEL DE PARTEARROYO

El fenómeno de la sobredosis de referencialidad ni es nuevo ni afecta solo al género de terror, pero estos días se hace palpable en Sitges y en las reacciones de las plateas entregadas que la capacidad del cine para replegarse sobre sí mismo hace mucho que dejó de ser un ejercicio de nostalgia, homenaje o erudicción para convertirse directamente en un resorte crowd pleaser más. O, lo que aquí es decir lo mismo, golosina que dispara la explosión de aplausos entregados en Auditori, Prado o Retiro. Como es lógico, hay distintas formas de presentar tu guiño al aficionado, unas más elegantes y otras más obvias. En las últimas jornadas sitgeras hemos visto varios ejemplos de esta tendencia de ego-horror (negaremos cualquier relación con este neologismo).

Lo más inmediato es referirse a La cabaña del bosque, de Drew Goddard y con Joss Whedon co-escribiendo el guión. La película ha tenido una trayectoria accidentada desde su rodaje en 2009 y posterior sometimiento a diversas zozobras financieras (cambio de distribuidora incluido) hasta su estreno este año, justo antes de que la fama post-Vengadores de Whedon subiera como la espuma. Quienes estén familiarizados con el trabajo televisivo de Whedon y Goddard sabrán detectar de inmediato la semilla de la propuesta en cierto arco de Buffy, la cazavampiros, pero no es ése el background que se pide al espectador para disfrutar al completo de este juguete rubikiano sobre el género terrorífico. La cabaña del bosque es una película ideal para los fans del tipo de cine sobre el que se sustenta la mitología de Sitges, un homenaje de dos connoisseurs socarrones y un análisis sintáctico del lenguaje del susto cinematográfico (¡esa secuencia con la cabeza de lobo!) que no desperdicia la oportunidad para dejar un oportuno mensaje crítico sobre el estado de salud actual del género cuando se encuentra con imposiciones comerciales. Tiene todo lo que se le puede exigir para ser nombrada de forma oficial “la película del festival”, y el público así lo entendió.


Sin embargo, el nivel de deconstrucción de La cabaña del bosque nunca llega al punto de abstracción de otros grandes destripamientos de géneros vistos en anteriores ediciones del certamen. Me refiero a obras maestras del sampleado conceptual como The House of the Devil (Ti West, 2009) o Amer (Hélène Cattet & Bruno Forzani, 2009), en cuya línea habría que situar a Crawl, debut de Paul China y motivo de seguimiento inmediato del resto de su carrera. Pudo verse como colofón a uno de los maratones insomnes con los que el festival adereza sus noches y este cronista castiga sus ritmos circadianos. Quizás las 4 AM no fueran el mejor momento para afrontar la propuesta de China, una recreación estilizada de los mecanismos del suspense a la manera de Hitchcock y Carpenter centrándose en el hueso y desechando la suave dulzura de la pulpa; todo principio activo y nada de excipiente. Esto provocó abucheos e incomprensión entre una audiencia agotada, pero no se dejen engañar: con su minimalismo argumental y dilatación de tensiones, Crawl es la demostración más pura de cinefilia detrás de la cámara de lo que llevamos visto por aquí.

Igual de divididas han sido las reacciones ante The Lords of Salem, la última película de Rob Zombie, que esta misma mañana ha desatado su propia batalla entre abucheos y aplausos al final de su primera proyección en el Auditori. Es curioso cómo el músico convertido en cineasta ha ido evolucionando desde La casa de los 1000 cadávares en el manejo de la puesta en escena y las citas directas a sus fetiches. Como aquella, The Lords of Salem parte de un terreno conocido para devorarse a sí misma con imágenes de absoluta locura y ecos de Eyes Wide Shut y La novia del diablo. Pero acabemos con la dictadura de la cita. Lo importante es cómo Zombie demuestra cada vez mayor madurez autoral y un interés consciente por abandonar complicidades para rebuscar en una metafísica de horror cósmico y global con mucho estilo y facilidad para inquietar con imágenes poderosas y cabezas de becerro. Ni los efectismos de la mano productora de Oren Peli (Paranormal Activity) le restan grandeza.

Ya que mentamos a Kubrick, cerremos con Room 237, el reputado documental de Rodney Ascher sobre las distintas teorías locas que circulan acerca de El resplandor y los mensajes ocultos que supuestamente esconde detrás de sus imágenes (desde confesar que participó en la simulación de la llegada del Apolo XI a la Luna hasta referencias al Holocausto y la matanza de indios durante la conquista de EE UU). Unas más curiosas, divertidas o aburridas que otras, y, la mayoría, dementes, es una pena que Ascher no se haya planteado mayor implicación sobre lo que no dejan de ser declaraciones grabadas y enfrentadas a la película. Una oportunidad perdida para profundizar en técnicas audiovisuales de análisis fílmico, pues las imágenes de Kubrick no son despiezadas visualmente al mismo nivel que lo que los narradores proclaman. Ahora, que si como obra cinematográfica el valor de Room 237 es realmente escaso, su potencia como cristalización de la sobreinterpretación paranoica del cine es innegable. Lo cierto es que, con la tendencia que tenemos a enrocarnos dando vueltas sobre los mismos referentes (pecado que estos días vemos compartido por críticos, creadores y público sediento de identificación de esquemas e iconos), quizás sea el único ejercicio de interpretación de verdad interesante en el futuro próximo.

Cómo NO estirar la pata: 10 muertes de cine que dan mucha risa

Actuaciones incalificables, efectos especiales de juzgado de guardia, giros de guión de baratillo... Estos personajes quisieron salir de escena entre aplausos, pero consiguieron todo lo contrario. Por YAGO GARCÍA

"¡El bicarbonato!".

El thriller, el cine de terror y otros géneros intensos, es lo que tienen: el director, el guionista y los actores se esfuerzan por llevar a los espectadores de sobresalto en sobresalto, acaban cargando las tintas y, muchas veces, lo que consiguen es que la platea se parta de risa ante momentos que deberían asustarla.
En CINEMANÍA ya dedicamos un informe a este respecto, recordando esas escenas de miedo que nos alegraron el día. Y esta vez repetimos la jugada, sólo que centrándonos en esas muertes de cine que, de puro exageradas o inverosímiles, figuran en nuestra lista de vídeos que enseñar a los amigos en las fiestas cuando estas se vuelven sosas. Recordad, lectores: todos estos intérpretes querían salir de escena entre aplausos, pero lo único que consiguieron fue marcharse entre carcajadas.

Karate Girl (1973)

¿Por qué nos da risa? Tras regalarnos perlas como "el Star Wars turco", la filmografía del país euroasiático vuelve a ofrecernos una perla cultivada en la forma de este clip, convertido en objeto de culto internauta y que nos ha inspirado a redactar este informe. Tiroteado por la actriz Filiz Akin, el villano Ediz Hun grita (y grita, y grita, y...) antes de desplomarse aparatosamente sobre una cama. Un tiro en el estómago debe doler, pero ¿de verdad hay que sobreactuarlo tanto?

Troll 2 (1990)

¿Por qué nos da risa? "Se la están comiendo... Y después me van a comer a mí... ¡OH DIOOOOOOOOOS!". Ya lo dijimos en nuestro informe sobre las escenas de miedo más hilarantes: el actor Darren Ewing pronuncia estas líneas con una impasibilidad que no hubiera estado de más en un filme de la Nouvelle Vague, pero que le sienta como a un Cristo dos pistolas a una producción italiana de serie B. La cutrez manifiesta de los efectos especiales y la música tachundera acaban de redondear el conjunto.

Vive y deja morir (1973)

¿Por qué nos da risa? No todo van a ser películas de terror cutres en esta lista, lectores: incluso un villano de James Bond puede renunciar a su malignidad señorial a la hora de dejar este mundo. En su papel del traficante Kananga, el futuro intérprete del mecánico Parker en Alien aparcó su dignidad de príncipe camerunés (que lo es, en la vida real) para dejarse apalizar por el mucho más enteco Roger Moore y servir de merienda a un tiburón. Su oscuro color nos impide decirle aquello de "eres la margarina de lo maligno", eso sí.

La serpiente a la sombra del águila (1978)

¿Por qué nos da risa? En un informe como este no podía faltar un filme de artes marciales de Hong Kong, de esos tan llenos de sangre y acrobacias como faltos de presupuesto. Y ojo, porque aquí ofrecemos calidad de la buena: el ejecutor de este complicadísimo ataque, que incluye una arremetida genital entre otras lindezas, es nada menos que Jackie Chan. A juzgar por sus gesticulaciones, la víctima parece tan sorprendida como nosotros.

Shark Attack 3: Megalodon (2002)

¿Por qué nos da risa? El hecho de que John Barrowman (uno de nuestros ídolos televisivos gracias a la serie Torchwood) participase en este despropósito no atenúa nuestras impresiones: los mockbusters de la productora Asylum son una fuente de risas, y nos daría pena que las grandes empresas acabaran con ellos por vía judicial. Observad detenidamente esta escena y estaréis de acuerdo con nosotros en que, más que el clímax de una peli de terror marítimo, parece el anuncio de un telepizza para tiburones.

La rebelión de las máquinas (1986)

¿Por qué nos da risa? Ya lo dijimos al celebrar su 65 cumpleaños: lo que es escribir, Stephen King lo hace estupendamente, pero como director de cine resulta de juzgado de guardia. Ahora bien, en el único filme a su nombre el escritor de Maine se apuntó un tanto considerable. Porque incluir como monstruo asesino a una máquina de refrescos tiene su mérito, máxime si la víctima muere a base de latazos en la cabeza.

La bestia uccide a sangue fredo (1971)

¿Por qué nos da risa? El giallo (cine italiano policíaco y sangriento) de los 70 es una fuente continua de alegrías para un cinéfilo. En él hallamos obras maestras como las de Mario Bava y Dario Argento... Y momentos tan cutres e hilarantes como este tiroteo, que acusa influencias letales del Nuevo Hollywood en sus cámaras lentas, en su regodeo por la sangre y en los jetos del actor acribillado. Por cierto, en el mismo filme también intervenía Klaus Kinski, pero apostamos a que (comparados con este momento) sus desmelenes debieron resultar contenidos.

La justicia del ninja (1981)

¿Por qué nos da risa? Volvemos al mundo de las artes marciales, esta vez de la mano de un clásico de videoclub que hizo mucho por elevar las ventas de pasamontañas y bragas militares en nuestro colegio. Christopher George, actor nominado al Globo de Oro (pero no por esta película) realiza aquí lo que el usuario que subió el vídeo a YouTube define como "el villano de La justicia del ninja expresando la futilidad humana y la falta de sentido de la existencia en un universo frío e indiferente". Nosotros, más escuetos, preferimos resumir la escena en una palabra: "¡OUAAAARGH!".

King Cobra (1999)

¿Por qué nos da risa? Pasados los fastos de Karate Kid, y retirado al mundo de las producciones directas a vídeo (VHS, como debe ser), Pat Morita no renunció al cine de calidad. Prueba de ello es esta escena, donde detectamos influencias de Peckinpah (la cámara lenta), de Apocalypse Now (el uso persistente de fundidos encadenados), de Spielberg (la música melodramática) y de una cobra gigante probablemente adquirida en un bazar chino.

El mutilador (1985)

¿Por qué nos da risa? Por si su título no diese a entender que estamos ante un slasher muy de saldo (más de saldo aún de lo que solían ser esos clones de Viernes 13 que proliferaron como setas en los 80, queremos decir), este filme muy olvidado nos regala este momento que haría las delicias de un David Cronenberg. Pese a la intensidad de la escena, sospechamos que el gesto orgásmico del actor al ser atravesado por una motosierra tiene más que ver con una rotunda incapacidad interpretativa que con las cosas de la Nueva Carne.

Via:Cinemania

[Crónica Sitges 2012] La hermandad natural de Bayona y Spielberg

El tsunami emocional de J. A. Bayona llega a Sitges y prepara el camino lacrimal para la proyección restaurada de 'E. T., el extraterrestre'. Por TONI VALL

¿Qué mejor lugar para Lo imposible que Sitges? J.A. Bayona estrenó aquí todos sus cortos y su bautizo en el largometraje El orfanato, era pues casi una cuestión de estado que el público de Sitges viera su nueva película, predestinada desde ya a calar hondo en el subconsciente de cualquier calaña de espectador. Los que la vimos en la proyección de San Sebastián presenciamos un par de desmayos –con intervención de litera incluida- y no pocas lloreras durante los 100 minutos largos que Bayona dedica a desmenuzar la odisea de una familia contra el tsunami del Sureste Asiático de 2004. En Sitges están ya curados de espantos y no hubo lipotimias pero el respetable tiene también sus sentimientos: cualquier oído con un mínimo de afinación escuchó la cantidad de sollozos matinales que planearon por la platea del auditorio.
Curiosamente, el día anterior habíamos padecido con Aftershock la inoperancia visual de Nicolás López para filmar las consecuencias del terremoto y tsunami de Chile en 2010. Nada que ver con lo que hoy nos ocupa. Bayona ha parido una película de ejecución perfecta y habilidad milimétrica, una flecha teledirigida para hacer diana en el alma y conmoverla. Es de un efectismo tan diáfano que uno comprende que alguien pueda sentirse molesto. Seamos más concretos. Su regodeo por los sentimientos, su gusto por jugar con la emoción contenida es casi pornográfico pero su altura fílmica es tan contundente que no puede uno sino rendirse a la evidencia: es un peliculón. De hecho, cuando la imagen funde a negro, si el nombre que aparece no fuera el de su director sino el de un tipo llamado Spielberg, me lo hubiera creído igual.

Gatos viejos, los programadores del festival pusieron a renglón seguido de Lo imposible la versión restaurada de E.T. El extraterrestre. Me importa un pimiento si han mejorado el sonido, si han pasado el cepillo sobre el negativo o si -¡manda huevos!- han borrado los rifles de los policías. La eterna fábula de Eliott y su amigo de otro planeta sigue funcionando como el primer día y no necesita que le hagan ningún lifting.
Y el tercer plato fue la agradable (y poco más) Robot & Frank, de Jack Shreier, peli bonista y algo desangelada que parece el remedo de un cuento de Asimov –El hombre bicentenario no anda lejos- sobre un anciano –antiguo ladrón de solera- con Alzheimer que sus hijos dejan al cuidado de un robot. El extraordinario carisma de Frank Langella inyecta vida a un relato emotivo pero tirando a previsible sobre la vejez y la lucha quijotesca contra la decrepitud.

CINEMANÍA en el Festival de Sitges 2012
Día 2: ¿Qué cine nos queda?
Día 1: Otro susto de muerte para Belén Rueda

Gráfico: La menguante carrera de Robert De Niro

Repasamos gráficamente, con las puntuaciones de Filmaffinity e IMDb, cómo la carrera de De Niro ha ido decayendo incesantemente desde los años 70. Por JAVIER SÁNCHEZ NAGORE

Hace un tiempo que tenía una sensación que quería plasmar de alguna manera. ¿No son las películas de Robert De Niro cada vez peores? Últimamente da la impresión de que al que fuera actor referencia de Hollywood ya sólo se le puede ver luciendo cara de pocos amigos en películas de acción de medio pelo o riéndose de sí mismo al lado de Ben Stiller. Un poco de auto-cachondeo está bien, pero usted fue el más grande, señor De Niro, ¿no tiene nada más que ofrecer?
Ya que no se puede medir numéricamente la calidad de las películas para plasmarla en un gráfico (al menos de forma objetiva), hemos recurrido a dos de las webs de referencia en cuanto a valoración cinéfila para poner cifras en el declive de los papeles de De Niro y confirmar esta tesis. A partir de las calificaciones de los usuarios de Filmaffinity e IMDb (Internet Movie Database) hemos podido constatar que, efectivamente, los papeles memorables del protagonista de Taxi driver se han ido diluyendo con el paso de las décadas. Tras hacer sus primeros trabajos en los años 60, su consagración llegó a lo largo de los 70, enganchando un personaje mítico tras otro; una racha que se prolongaría, con una cadencia cada vez más espaciada, a lo largo de los 80 y los 90. Con el cambio de siglo, es complicado encontrar una película de Robert De Niro que supere los 7 puntos de calificación media en una de las dos webs consultadas.
¿A qué se debe esta lenta agonía de la carrera del que diera vida al joven Vito Corleone? ¿Fue mal asesorado, acaso escogió papeles bien pagados sin mirar más allá o simplemente es que perdió su pasión por meterse hasta el fondo en personajes complejos? Sea por el motivo que sea, por favor, señor De Niro, ¡vuelva!


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'James Bond - Colección 50 aniversario' en blu-ray, análisis

Hace unos días os hablaba de la estupenda edición de lujo con una réplica de la máscara de Batman de ‘El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace‘ (The Dark Knight Rises, Christopher Nolan, 2012) que va a aparecer próximamente, pero esta vez vengo a hablaros de un estupendo pack que Fox ha puesto a la venta recientemente en nuestro país. Me refiero a ‘James Bond – Colección 50 aniversario‘ en blu-ray, el cual tengo en mi poder desde hace varios días y ahora quiero ofreceros mis impresiones sobre el mismo.

CALIDAD AUDIOVISUAL

Recordaréis que, aprovechando un post para hablaros de mis películas favoritas de James Bond, os comentaba que había vuelto a ver recientemente ‘Desde Rusia con Amor’ (From Russia with love, Terence Young, 1963), y es que daba por sentado que el aspecto que más interesará a muchos sobre este pack es su calidad audiovisual, por lo que creía necesario ver completa al menos una de las películas. Ya os aviso de que creo que jamás se han visto tan bien las películas protagonizadas por el agente 007, ya que uno puede apreciar con total claridad hasta los poros de la piel de los protagonistas, un detalle en el que hasta se fijó mi novia, no especialmente interesada en estos temas.
He de avisaros de que el grano cinematográfico, asociado por algunos a que algunos blu-rays no se ven tan bien como debiera (un apreciación bastante desacertada), ha sido limpiado casi por completo, pero sin llegar a perder definición u otorgando cierta sensación de irrealidad a lo que vemos en pantalla, algo habitual si se exceden en el realce de contornos, cosa que aquí no sucede. De hecho, la revitalización de los colores en las producciones más antiguas ha sido todo un acierto para complementar el tremendo trabajo en la mejora de la definición de las imágenes. Es obvio que cuanto más moderna la película, más sencillo lo tenían para conseguir la calidad visual que todos deberíamos exigir a cualquier blu-ray, pero es asombroso como todas tienen una calidad tan uniforme que cintas elaboradas en los años 60 puedan colar perfectamente como hechas en la actualidad.
El sonido es otro apartado que se ha cuidado al milímetro, ya que se ha llevado a cabo una remasterización de las pistas sonoras en inglés y español para aprovechar los avances tecnológicos del formato. Como era de esperar, el audio DTSHD en versión original se lleva la palma, pero el 5.1 DTS del doblaje al castellano ha revitalizado las primeras entregas de la franquicia. Obviamente, también se incluyen subtítulos en ambos idiomas, y es que cuenta con hasta 30 subtitulaciones diferentes para que el pack sea accesible a la mayor cantidad de público posible.

CONTENIDOS ADICIONALES

Contracarátula del pack (en España lo han traducido al castellano)

Uno de los aspectos más publicitados del pack es que cuenta con más de 120 horas de extras, todo un oasis para aquellos grandes fans del agente 007. Sin embargo, conviene puntualizar que la gran mayoría de ellos ya estaban presentes en lo que se llamó Ultimate Edition en dvd (actualmente descatalogadas), dándose el hecho de que se ha prescindido de algunos para el lanzamiento de este pack en blu-ray. ¿Se pierde algo realmente vital? No lo creo, pero es algo que todos deberían tener en cuenta antes de comprar ‘James Bond – Colección 50 aniversario’.
Eso sí, el pack cuenta con un disco dedicado por completo a contenidos adicionales inéditos hasta la fecha, una gran idea sobre el papel, pero bastante decepcionante si nos fijamos en profundidad en ellos. El disco en cuestión se divide en cuatro bloques de extras, aunque los tres primeros son tan breves que no sé yo si merecen tal distinción. Empezamos con ‘Ser Bond‘ (3:08), una breve pieza en la que todos los intérpretes que han dado vida al famoso espía comentan las claves para interpretarlo, siendo lo más simpático el comentario de George Lazenby diciendo que durante el rodaje le dijeron que James Bond no lloraba ante la reacción del mismo respecto a cierto dramático suceso de ‘Al Servicio Secreto de su Majestad’ (On her majesty´s service, Peter Hunt, 1969). Por su parte, ‘Diseñando a 007: 50 años de estilo Bond‘ (4:00) no es más que un vídeo sobre una exposición dedicada a las películas de la franquicia, llamando la atención un curiosa anécdota que nos cuentan sobre ‘James Bond contra Goldfinger’ (Goldfinger, Guy Hamilton, 1964). El tercer extra de los que apuntaba está dedicado a recopilar varios videoblogs de ‘Skyfall’ de los que han ido apareciendo online para ir promocionando el estreno de la película. Ni siquiera están todos, algo comprensible al seguir apareciendo, pero que convierte su inclusión en algo irrelevante.

Por último, ‘El Mundo de Bond‘ sí que merece un mayor respeto en cuanto a la cantidad de información que recopila en varias secciones, aunque su interés también resulta un tanto dudoso. La más extensa, y con mucha diferencia, es ‘Secuencia de Apertura’ (1:02:32), donde se recopilan todos los títulos de crédito de la saga para que así podamos ver su evolución, siendo ‘Goldeneye’ (Martin Campbell, 1995) en la que se nota el mayor salto tras la apuesta por la sensualidad que se hizo en ‘Desde Rusia por Amor’. El resto no van más allá de pequeñas featurettes centradas en lo que comentan sus respectivos títulos: ‘Los Artilugios’ (3:03), ‘Los Malos’ (2:02), ‘Las Chicas Bond’ (1:24), ‘Las Localizaciones’ (1:40) y ‘Bond en Movimiento’ (1:43). Todos ellos bastante intrascendentes, aunque se agradece que incluyan la opción de identificarnos lo que estamos viendo vía texto sobreimpresionado en el vídeo (en tal segundo estamos viendo tal cosa de tal película) o accesible por separado.
Es una pena que se haya dado tanto bombos a unos extras que no añaden nada relevante, pero también es cierto que cada película cuenta con multitud de contenidos adicionales propios la mar de interesantes (aunque ya vistos con anterioridad) para compensar este fallo.

PRESENTACIÓN DEL PACK

Es obvio que uno se fija también bastante en cómo es el pack cuando uno ha de soltar una gran cantidad de dinero de golpe (185 euros en este caso). Los hay que prefieren un diseño funcional que ocupe el menor espacio posible, pero no pocos quieren ver cómo el dinero invertido luce por el mero hecho de tener lo comprado en sus estanterías. El caso de ‘James Bond – Colección 50 aniversario’ es de los segundos, pero no sólo cuidando lo visual, ya que también han prestado especial atención a la durabilidad del mismo.
El pack divide las películas en dos secciones con forma de libro. La primera abarca desde ‘Agente 007 contra el Dr. No’ (Dr. No, Terence Young, 1962) hasta ‘Sólo Para sus Ojos’ (For your eyes only, John Glen, 1981), mientras que el segundo va desde ‘Octopussy’ (John Glen, 1983) hasta ‘Skyfall‘ (Sam Mendes, 2012). Y es que los editores lo han hecho muy bien a la hora de dejar un hueco reservado para la futura edición en blu-ray de la película número 23 de la franquicia. De hecho, yo abogaría por prescindir del disco con contenidos adicionales inéditos (y prescindibles), reservando su espacio para la próxima cinta de la franquicia.

Además, ambos libros están hechos con material muy resistente, siendo bastante improbable que acaben rompiéndose con el paso del tiempo. La elegancia ha sido la tónica a seguir para el interior del mismo, usando imágenes de las películas para ilustrar las páginas en las que no se incluyen los discos, los cuales van de dos en dos y con una imagen de la chica Bond de cada una a la izquierda del disco en cuestión. Sí es más discutible el sistema de sujeción de los blu-rays, ya que, pese a estar bien protegidos, es casi imposible sacarlos sin dejar marcas de nuestras huellas dactilares. Ese pequeño detalle puede acabar afeando un poco el pack, pero lavarse las manos antes de toquetearlo debería ser solución suficiente.
Por último, he de comentar que el pack español lleva un libro en exclusiva mundial bajo el título ‘James Bond: 50 years of movie posters’, una versión reducida de una obra a la venta en varios países extranjeros, pero un añadido bastante atractivo para poder echar una ojeada siempre que se quiera a todos los carteles de la franquicia Bond. Bueno, todos no, ya que no se incluye ninguno de ‘Skyfall’, algo que hubiera estado bien cuidar del mismo modo que el hueco dejado para la película. Con todo, no resulta molesto.

CONCLUSIONES

En definitiva, un pack inmejorable en lo audiovisual, con una presentación de lujo que encima cuida el detalle de dejar reservado un espacio para la inminente ‘Skyfall’. Además, el pack español añade un libro muy interesante sobre los carteles de la franquicia y el lunar del disco de extras exclusivos queda ampliamente subsanado por la multitud de contenidos adicionales que uno puede encontrar en cada película, apareciendo alguna de ellas por primera vez en blu-ray para este estupendo pack para todos los amantes de las aventuras del agente 007.

5 pelis de Sitges para no dejar pasar

Muy bien, blogdecineros, como sé que no hay crónica de lo que está sucediendo en el muy divertido festival de Sitges, aquí van cinco películas que-yo-no-me-pienso-perder-y-que-quiero-ver-cuanto-antes. Una de las grandes ventajas de Sitges, respecto a los otros y notables festivales patrios, es que combina una pasión ardiente por el género con un gusto por la rareza heterodoxa encontrada en Cannes por su flamante director, Ángel Sala. Así que aquí va mi selección.

1. Mi loco Erasmus (2012, Carlo Padial)
¿Conocéis la obra y el humor de Padial? ¿No habéis leído su desternillante libro “Erasmus, orgasmus y otros problemas“? Os estáis perdiendo a uno de los secretos mejor guardados de la cultura hispana más reciente.: ácido y paranoide sentido del humor, como si se trata de un escritor judío en la vena más delirante de un Philip Roth nacido en Barcelona y atemorizado de la muerte tras su primer descubrimiento con Kafka. Pero, además, un hombre crítico e inteligentísimo con esta cultura del erasmus neobohemia y sus daños colaterales en nuestro modo de entender el cosmopolitismo. Bien, esta es su primera película y, honestamente, todos los críticos indican que Padial es uno de esos raros que tantos añoramos en cualquier cinematografía. ¡Bienvenido sea!

2. Holy Motors (2012, Léos Cárax)
La sensación de Cannes es un placer que muy pocos van a poder degustar, pero eso ¿acaso importa? No todo el cine es para todos, solamente faltaría, ni todos los platos de comida para todos los gastrónomos ¡el mundo sigue! Cárax es un director fatalmente distribuido en este país, lo que dificulta para el espectador más curioso un debido seguimiento de todas sus películas. Pero, esperemos, que esta película siente un agradable precedente.: aquellos que saben, leyes ministeriales al margen, de la utilidad de Internet para completar filmografías ajenas puede que ya hayan gozado sus viscerales y sorprendentes poesías; yo, por otra parte, solamente puedo deciros que esta película no se parece a nada de lo que vayamos a ver este año. Caviaro la calificó de “estimulante rareza“.

3. Looper (2012, Rian Johnson)
Yo también me muero de ganas de ver la película-definitiva-de-viajes-en-el-tiempo (por supuesto, llevamos unas cuantas). Creo que esta es una de las consecuencias más felices del éxito de la ciencia-ficción modelo Nolan.: es decir, es una consecuencia industrial que no estética. Esto significa que los grandes estudios, a los que mueve ese poderoso caballero (¡Don Dinero!), se atreven con ideas mucho más radicales. Yo soy fan del director desde su estupenda ‘Brick’ (id, 2006) y creo firmemente en su sello visual y en su talento. ¡A ver qué nos ofrece esta odisea con Gordon-Levitt con barbilla, un recuperadísimo Jeff Daniels, Emily Blunt y Bruce Willis!

4. The Cabin in the Woods (2012, Drew Goddard)
Después de años en el limbo, rodada en 2009 nada menos, llega, al fin, el guión de Joss Whedon que dirigió (y coescribió) Drew Goddard. Yo ya he visto Cabin in the Woods (en algunos países, está ya en DVD y Blu: imaginad!) y os puedo decir que es todo eso que esperáis y más. Para mi, y como ya defenderé en su momento, la propuesta más filosófica, inteligente y hermosa que jamás se ha hecho: no os quiero revelar nada, pero si pensáis que la película es irónica o una vuelta de tuerca, os equivocáis. Va mucho más allá, y es alucinante. Por eso, esta no hay que dejarla pasar.


5. Antiviral (2012, Brandon Cronenberg)
El hijo de David Cronenberg ¡debuta con una historia con la que echa raíces (temáticas, culturales) con la primera (y añorada) etapa de su padre! Pues sí, podría haber escogido la magnética odisea de Cronenberg padre o el retorno a una producción no franquiciada de Rob Zombie al cine, pero este debut ha corrido entre la crítica más independiente de internet como el secreto mejor guardado de un cine de culto que, en teoría, ya no existe (o no de la misma manera que existía antes). Antiviral es una historia sobre fama y contagio, transcurre en un futuro donde un joven vende virus cultivado en la piel de celebridades. Esta película, de estética aséptica y mirada enrarecida, puede darnos una sorpresa y abrir el paso a un descendiente capaz de pedir sitio más allá de su apellido. ¿Qué pienso yo?
Pienso que tenemos que estar muy, muy atentos a esta propuesta. De hecho, Caviaro en Cannes la calificó de “prometedor debut“ con lo que, creo, deberíamos tenerla ya como uno de los platos más interesantes de este año.
En fin, estas son mis propuestas.: dejad las vuestras en los comentarios o vuestras impresiones de películas, como siempre hacéis.

Via:blog de cine

'Trust Me', la nueva comedia negra de Clark Gregg

Clark Gregg, conocido por el papel del Agente Coulson en varias producciones de Marvel, tiene ya en marcha su segundo trabajo como director. Cuatro años después de la divertida ‘Asfixia’ (‘Choke’), Gregg está filmando otra comedia negra titulada ‘Trust Me’.


Él firma el guion de ‘Trust Me’, cuya trama gira en torno a un lamentable agente de jóvenes actores que en su momento fue una estrella infantil. Su suerte parece cambiar el día que encuentra a una adolescente de gran talento, pero para poder representarla e intentar lanzarla al estrellato deberá lidiar con el problemático padre de la chica…
En cuanto al reparto, Gregg vuelve a contar con el protagonista de su ópera prima, Sam Rockwell, además de William H. Macy, Amanda Peet, Felicity Huffman, Molly Shannon, Allison Janney, Saxon Sharbino, Paul Sparks, Bob Jennings y Niecy Nash. El rodaje comenzó recientemente y todavía no hay fecha de estreno.

Vía | ComingSoon
Via:tu blog de cine

Kevin Costner protagonizará lo nuevo de McG

Luc Besson sigue empeñado en utilizar a conocidos intérpretes de Hollywood para sus intentos como productor de crear una industria basada en los thrilles y el cine de acción en Europa. El viernes llegó a los cines españoles la entretenida ‘Venganza: Conexión Estambul‘ (Taken 2, Olivier Megaton, 2012), donde el protagonismo estaba reservado para Liam Neeson, y ahora se ha sabido que va a estar detrás del próximo trabajo detrás de las cámaras del temible McG con Kevin Costner liderando el reparto. Es cierto que el protagonista de ‘Los Intocables de Eliot Ness‘ (The Untouchables, Brian De Palma, 1987) ya no es lo que era, pero su nombre aún sigue funcionando como reclamo comercial de perfil medio-bajo, algo en consonancia con los ajustados presupuestos de las producciones de Besson.

Besson ha escrito junto a Adi Hasak el guión de una película algo alejada de las coordenadas habituales de sus últimas producciones, y es que la historia girará alrededor de un antiguo agente del servicio secreto que padece una enfermedad mortal, por lo que decidió pasar sus últimos días junto a su familia. Sin embargo, sus antiguos empleadores le ofrecen la posibilidad de probar una droga experimental que podría curarlo a cambio de una última misión, algo que obligará al protagonista a balancear su vida personal y profesional con los alucinógenos efectos secundarios de la medicación. Lo cierto es que el argumento me recuerda un poco al de las dos cintas de John Carpenter protagonizadas por el personaje de Snake Plissken (Kurt Russell), pero alterando completamente su personalidad y motivaciones.

El otro gran miedo que tengo hacia el proyecto es el hecho de que sea McG el que se encargue de dirigirla, ya que historial no incita precisamente al optimismo por mucho que me encuentro dentro de la minoría que encuentra rescatable su ‘Terminator Salvation‘ (Terminator Salvation: The Future Begins, 2009). Sólo el tiempo dirá si McG vuelve a cometer un atentado contra el cine tipo ‘Esto es la guerra‘ (This Means War, 2012) o si los prejuicios vuelven a ser malos consejeros.
PD: No es el único proyecto que tiene entre manos Besson, ya que su próxima película tras las cámaras va a estar protagonizada por Robert De Niro y Michelle Pfeiffer

Vía | Collider

Venganza arrasa de nuevo en la taquilla norteamerciana

Fin de semana superpotente en el box office americano con un espectacular crecimiento del 53% respecto al mismo periodo de hace un año. La llegada de Vengaza 2 ha sido la clave de este aumento que ya va quitando el mal sabor de boca de pasadas semanas. El resto de los tres film que la siguen – estrenos dos la pasada semana – han presentado también buenas cifras.
Fox logra que Vengaza 2 arrasé con unos imponentes 49-50 millones de $, lo que supone el doble de las recaudaciones del film original estrenado hace tres años. Ha superado todas las expectativas, especialmente con su buen mantenimiento entre viernes y sábado, evidenciando que era un producto no solo con interés general, sino que ha disfrutado de una buena respuesta del sector adulto y maduro. Hay que ver que pasa con el mantenimiento y si puede llegar a los 147 millones de Venganza, pero está claro que el Estudio tiene un producto – comprado y no producido por ellos – que les producirá enormes beneficios.
Pese a que esta vez no había ni sorpresa ni efecto positivo de la crítica, el resultado ha sido excelente y ahora toca ver si se produce un mínimo de aguante. La semana que viene la competencia de Argo será importante y esto hay que tenerlo en cuenta. A nivel de evolución ha sido similar a la del primer Bourne al segundo, pero no es de esperar que los comentarios sean tan emocionantes. Es un thriller y no un producto de ultra acción solo apto para adolescentes y hombres, sino más abierto y seductor. Expendables 2 ha tenido un mantenimiento bueno de 2,9 veces el dato inicial (de los 28,6 a los 84,3 millones) pero en este caso Venganza ha tenido un boom enorme y eso debería pasarle factura – al igual que la falta de festivos – por lo que quizás se queda sobre los 130-140 millones en el caso de consumirse rápido, o los 150 si supera los baches que le puedan venir.
Sea como sea son cifras enormes para un producto de 45 millones de presupuesto y con gran poder de seducción internacional. Se convierte en el tercer mejor estreno de un mes de octubre después de los 52,5 millones de Paranormal Activity 3 y los 50,3 millones de Jackas 3D.
La cruz del fin de semana ha sido para Disney y el estreno de – la muy difícil – Frankienweenie, dirigida por Tim Burton y basada en su corto de mismo título. Pese a todo el esfuerzo del Estudio y el nombre de Burton esto no ha bastando para salir del fanbase de su director y convencer a otros, especialmente a los sectores familiares. Transylvania y su enorme éxito le han ido a la contra y es que Frankieweenie es un producto difícil por su estética y por su tono, lo que de bien seguro ha creado recelo a los padres como ya se vio en The Piratas!, de Sony. Aquella recaudaba la misma cifra pese a todo el esfuerzo del Estudio.
En casos pasados, ParaNorman superó los 14 millones, y La novia cadáver los 19 millones. Coraline se quedó en los 16 y estos son casos recientes de producciones muy similares. La púa es que tampoco se pueden esperar milagros ante el aumento de un 39% durante el sábado, lejos del 73% de Transylvania hace una semana. De momento es de esperar que Disney se tenga que conformar con menos de 39 millones que es la cifra de presupuesto.
Por su cuenta Transylvania cae un 38%, dato correcto valorando su fuerte impacto y algo de competencia con Frankieweenie. Suma 26,3 millones a un total de 66 millones, lo que ya la coloca en buena posición para superar en breve los 100 millones de $.
En tercer puesto se coloca Pitch Perfect, éxito la pasada semana en su estreno “limitado” en 335 cines, y que esta semana ya pasada a nivel nacional con 2.770 cines. Con ello sus cifras crecen hasta los 14,7 millones de $, por lo que con los “previos” la comedia de Universal lleva recaudados 21,6 millones de $, que ya es más de lo que ha costado y con no solo toda la carrera por delante sino con excelentes comentarios. Los 50 millones se prevén como una cifra más que posible de superar.
La presencia de Venganza 2 ha ido a la contra – aunque sin ser exagerada – de otros dos productos de similar interés por la audiencia: Looper y End of Watch. Caen un 41 y un 49% respectivamente. La primera suma 12,2 millones para un total de 40,3 en solo 10 días, por lo que de bien seguro podría llegar a los 60 millones sin grandes problemas. End por su parte suma 4 para un total de 32,8 millones, excelente si se tiene en cuenta que ha costado solo 7 y que Open Road ha adquirido los derechos – posiblemente por apenas 2-3 millones de $. Aún llegará a los 36-37 millones.
La presencia de Argo la semana que viene, también con un gran favor de la crítica, les irá de nuevo a la contra, en especial End of Watch. Pero también en ambos casos es claro que han vivido un gran éxito.
Los otros dos estrenos de hace tres semanas, Trouble with the curve y House at the End of the Street, caen de forma aguda sobretodo por ser dos films sin grandes alicientes y clara debilidad ante las novedades. La primera lo hace un 47% y la segunda un 48%, recaudando 3,8 y 3,7 millones respectivamente. En el caso de Trouble el total es de 29,7 y End of the Street 27,3 millones.
En el marco de películas con exhibición limitada destacan esta semana la ampliación de copias de The Perks of Being a Wallflower y los estrenos de The Oranges y The Paperboy.
Wallflower, de Summit Entertainment, ampliaba a 221 cines creciendo su recaudación en un 38% y ya 1,52 millones de $ que le permiten tener un promedio de 6.900$ y un total de 3,3 millones. Sigue con buen ritmo hacia los 10 millones, que bien seguro sería un cifra más que rentable para este modesto producto indie.
The Oranges se estrenaba con 110 copias pero poca atracción y presencia mediática, lo que solo le ha servido para alcanzar los 180.000$, 1.630$ por sala. Mal dato que no parece que vaya a cambiar en las próximas semanas.
Lo contrario para The Paperboy, que con solo 11 salas logra 110.000$, 10,000$ por sala, lo que es un más que buen resultado. Es una película con nombre, casting y atractivo, la marca del director de Precious así como una estética llamativa, la película logra el mejor dato de Millenium Entertainmnet desde Barnie. Su problema es la escasa crítica positiva que ha recibido, lo que la coloca en cierta debilidad ante otros títulos fuertes (The Master o Wallflower). Veremos que boca a oreja genera.
A todo esto, The Master, aún en el top10, cae un 31% hasta los 1,84 millones desde 864 cines, lo que deja una escasa media de 2.130$. Su total es de 12,3 millones y cada vez más está dejando un regusto de decepción a nivel comercial, sin en ningún momento empezar a despuntar ni crecer como hizo Moonrise Kindgom hace un par de meses. No parece que vaya a ir mucho más allá de los 16-17 millones si la cosa no cambia en breve.

Via:box office

Texto:Pau Brunet