Alfonso Cuarón desvela el final alternativo de 'Gravity'

En un chat abierto, el cineasta mexicano habla de su amistad con Guillermo Del Toro, su paso por la saga 'Harry Potter', el olor corporal de George Clooney y muchas cosas más. Por CINEMANÍA

A estas alturas, está clarísimo: para las grandes figuras del cine, los chats abiertos en la red social Reddit se han convertido en un valioso cauce de comunicación con el público. Y, en esta ocasión, además, nos dan la ocasión de contactar con un intelecto superior. Porque, tras haber recogido las palabras de bocachanclas como Bill Murray, George Clooney y Will Ferrell, es un placer traducir para vosotros este interrogatorio al que Alfonso Cuarón se sometió el jueves. En plena carrera hacia el Oscar, el autor de Gravity tuvo ocasión de charlar sobre el trabajo junto a su hijo Jonás Cuarón ("Si han de darnos un premio, que se lo den a él, que es el más sabio"), sobre su admiración por los hermanos Dardenne y sobre otras elevadas cuestiones de exquisita cinefilia que podéis encontrar a continuación. Incluyendo (¡uf!) un posible final alternativo para su aclamada odisea astronáutica. Aunque, la verdad, a nosotros nos entra la duda sobre si estas declaraciones van realmente en serio...

La mayoría de los directores de la saga Harry Potter hicieron dos películas, ¿por qué tú sólo dirigiste una? 
Fue una gran experiencia, y no quería forzar las cosas. También pensé que no podía aportar nada más a ese universo.

¿Cómo ves el futuro del cine en los próximos 10 o 20 años? 
Antes sólo había un paradigma: la experiencia de ir al cine. Más adelante, el paradigma se convirtió en dual: la gente podía ver las películas en pantalla grande, o en la TV. Después llegó el vídeo doméstico, y ahora tenemos todos estos formatos diferentes. (...) Lo que creo es que, debido a las nuevas formas de producción y distribución, van a aparecer múltiples paradigmas distintos. Y van a coexistir, evolucionando y cambiando de rumbo continuamente. Lo encuentro muy estimulante, porque va a poner a prueba nuestro concepto actual del cine.

¿Hubo algún incidente en tu infancia que te impulsara a hacer cine?
No creo en esas cosas freudianas, porque no siempre son penes. Quiero decir, reales.

¿Cuáles son tus placeres culpables en el cine?
El año pasado disfruté mucho con Sharknado. Estoy deseando ver la secuela.

¿Quién huele mejor, Clive Owen o George Clooney?
Los dos huelen estupendamente. Clive, a canela con toques de heno y limón. George huele a madera roja con vainilla y tequila.

Hola, Alfonso. 1) ¿Cuál crees que es la mejor película que has hecho? 2) ¿Cuál es tu película favorita? y 3) ¿Qué director te ha influido más?
Una vez que he terminado una película, no la vuelvo a ver jamás. A diferencia de otros amigos míos, que consideran a sus películas como sus hijos, yo las veo como a mis ex mujeres: las he querido mucho, me han querido mucho, les he dado mucho, me han dado mucho... pero ya hemos partido peras. Tengo buenos recuerdos de La princesita, eso sí. En cuanto a las películas y directores favoritos, no soy capaz de hacer listas. Cuando hago la lista de la compra, acabo llevándomelo todo, salvo lo que necesito.

A Guillermo Del Toro, González Iñárritu y a ti os llaman Los Tres Amigos del cine. ¿Cómo os conocísteis? ¿Os echáis manos mutuamente en vuestras películas?
Nos conocimos porque tocábamos en mariachis rivales. Ahora, nos incordiamos todo el rato cuando estamos trabajando.

Gravity es una película impactante, como poco. ¿Qué tienes que decirles a los científicos que la critican? Suerte en la carrera hacia el Oscar.
 Gracias. Estoy muy satisfecho de que los científicos se tomen tiempo para atacar o defender Gravity. Tratamos de mantener la plausibilidad dentro de los márgenes de la ficción, y trabajamos muy duro para recrear el movimiento de los cuerpos en microgravedad y ausencia de aire. Pero ya sabes: es una película, y Sandra Bullock no trabaja de astronauta en la vida real.

Si hubieras dirigido a Clooney en Batman y Robin, ¿habrías quitado los pezones del bat-traje?
No sólo le hubiese dejado los pezones: le hubiera obligado a hacerse las ingles brasileñas.

Por favor, haz una secuela de Gravity en la que Sandra Bullock tenga que escapar de una serie de submarinos. Lo digo en serio.
Ten cuidado con lo que dices, tío: la gente del estudio va a tomar nota...

Me encantó Gravity, tanto que fui a verla en 3D cuando la reestrenaron. SPOILERS: ¿Escribísteis un final en el que Ryan moría, o siempre pensásteis en que llegara con vida al final?
Teníamos un final alternativo en el que ella llegaba a la Tierra, se ponía en pie, se alejaba del lago... y el cadáver de Matt Kowalski [El personaje de George Clooney] caía del cielo y la aplastaba, matándola. Fundido a negro. Créditos en silencio.

¿Te ves a ti mismo dirigiendo una película de superhéroes?
Sí: una versión de Speedy Gonzales con Jackie Chan como el ratón. Al gato lo interpretaría Arnold Schwarzenegger. 

Todos l

Katherine Heigl quiere tu dinero (para un 'crowfunding')

La presunta actriz más odiada de Hollywood pide más de 100.000 euros a sus 'fans' a fin de acabar 'Jenny's Wedding', una película sobre la boda de una pareja de chicas. Por YAGO GARCÍA

Se la ha calificado de "actriz más odiada de Hollywood", su rostro parece asociado indefectiblemente a las chick filcks más pastelosas y el último tramo de su carrera (en el que hallamos flops como La cazarrecompensas) no ha arrojado beneficios espectaculares, que digamos. Así las cosas, parece que Katherine Heigl ha decidido ponerse las pilas mediante dos recursos que siempre dan juego a la hora de revitalizar carreras. El primero, interpretar a un personaje perteneciente a una minoría (sexual, en este caso). Y el segundo, apuntarse a la última moda para financiar películas: el crowfunding. Según informa Entertainment Weekly (vía Filmdrunk), la ex doctora modelo de Anatomía de Grey solicita a sus fans 150.000 dólares (109.578 euros) para acabar su película Jenny's Wedding. La cuestación, a través de la web Indiegogo, tiene como fecha límite el 28 de marzo, y la actriz ha grabado para promocionarla el simpático vídeo que puedes ver abajo.
Dirigida por Mary Agnes Donoghue (Un lugar llamado paraíso) y con Tom Wilkinson y Alexis Bledel en el reparto, Jenny's Wedding se presenta como una dramedia sobre la boda de una pareja de chicas. En vísperas de matrimoniar con su novia, la Jenny del título (Heigl, claro) tiene que comunicar el hecho a su muy conservadora familia, revelación que desencadena "un viaje en el que descubrirá partes de ella misma que han estado ocultas durante mucho tiempo". A fecha del 14 de febrero, el crowfunding ha recaudado más de 7.300 euros, y entre las recompensas de rigor para los inversores se hallan objetos de atrezo, las usuales camisetas, gorras y copias firmadas del libreto de la película y (atención) el vestido de novia lucido por Heigl en la boda de marras, reservado al donante que deposite 10.956 euros.
Todo parece muy bonito, pero hay un detalle en todo esto que los antifans de Heigl están señalando con fruición: a diferencia de Kickstarter (la web más usual para este tipo de iniciativas), Indiegogo permite a los emprendedores quedarse con los donativos recibidos aunque su proyecto no se haya hecho realidad. Lo cual quiere decir que Heigl, Donoghue y sus asociados podrían quedarse con un buen pellizco sin necesidad de que Jenny's Wedding llegara a estrenarse. Pero insistir en eso sería pecar de desconfiados, ¿verdad?


Via:cinemania

Palmarés de Berlín 2014: 'El gran hotel Budapest', Gran Premio del Jurado y Richard Linklater, Mejor Director

El filme chino 'Black Coal, Thin Ice' se alza con el Oso de Oro y el premio al mejor actor en esta edición del certamen. Por CINEMANÍA

Oso de Oro a la Mejor Película: Black Coal, Thin Ice (Dao Yian)
Oso de Plata (Gran Premio del Jurado): El gran hotel Budapest (Wes Anderson)
Oso de Plata al Mejor Director: Richard Linklater (Boyhood)
Oso de Plata al Mejor Actor: Liao Fan (Black Coal, Thin Ice)
Oso de Plata a la Mejor Actriz: Haru Kuroki (The Little House)
Oso de Plata al Mejor Guión: Dietrich y Anna Brüggemann (Station of the Cross)
Premio Alfred Bauer: Aimer, boire e chanter (Alain Resnais)
Mejor Ópera Prima: Gueros (Alonso Ruizpalacios)
Oso de Oro al Mejor Cortometraje: As Long As Shotguns Remain
Oso de Plata (Premio del Jurado): Laborat
SECCIÓN PANORAMA (LARGOMETRAJES DE FICCIÓN)
Primer Premio: Difret (Zeresenay Berhane Mehari, Etiopía)
Segundo Premio: Hoje eu quero voltar sozinho (Daniel Ribeiro, Brasil)
Tercer Premio: Patardzlebi (Brides) (Tinatin Kajrishvili, Georgia)
SECCIÓN PANORAMA (DOCUMENTALES)
Primer Premio: Der Kreis (Stefan Haupt, Suiza)
Segundo Premio: Finding Vivian Maier (J. Maloof, C. Siskel, EE UU)
Tercer Premio: Meine Mutter, ein Krieg und Ich (T. Trampe, J. Feindt, Alemania)
PREMIOS FIPRESCI
Mejor película de la sección oficial: Aimer, boire et chanter
Mejor película de la sección Panorama: Hoje eu quero voltar sozinho 

Mejor película Forum 2014: Forma (Ayumi Sakamoto)

Cuando la muerte no acaba con tu carrera

Philip Seymour Hoffman será recreado digitalmente en 'Sinsajo', igual que estos otros actores volvieron de entre los muertos para seguir haciendo películas. Por DANIEL DE PARTEARROYO

Aunque después de la muerte de Philip Seymour Hoffman el departamento de prensa de Lionsgate se apresuró a decir que su desaparición no afectaría a las dos partes de Los juegos del hambre: Sinsajo que todavía están en producción, dado que el actor ya había rodado casi todas sus escenas en los filmes que concluyen la saga, lo cierto es que todavía faltaba por filmarse una secuencia importante para el personaje de Hoffman. Según fuentes consultadas por The New York Post, la solución que el estudio y el director Francis Lawrence están barajando es recrear digitalmente a Plutarch Heavensbee para la escena en cuestión, pudiendo así utilizar el resto de la interpretación genuina del reputado intérprete en el resto del metraje, sin necesidad de tener que cambiar de actor para el personaje.
Aunque la decisión no ha sido confirmada oficialmente y será difícil que transcienda de qué escena se trata hasta el estreno de Los juegos del hambre: Sinsajo. Parte 2 en 2015 (más de año y medio después de la muerte de Hoffman), siempre que la solución final sea notoria, en The Hollywood Reporter quisieron saber si el proceso es algo fácil de realizar hoy en día. Le preguntaron al veterano supervisor de efectos especiales Rob Legato, quien afirmó que la tecnología actual lo hace muy posible. "No digo que puedas generar a Philip Seymour Hoffman con toda su habilidad interpretativa, pero desde luego que podrías replicarlo para un plano o dos", contestó el profesional. Lo cierto es que la historia de Hollywood está llena de intentos por traer a grandes estrellas de entre los muertos con toda clase de técnicas y artimañas visuales, ya sea para terminar películas que estaban haciendo antes de morir inesperadamente, como una especie de resurrección en forma de homenaje o simplemente para vender cosas en televisión. Veamos algunos casos en los que la muerte no ha significado el final de la filmografía de sus respectivos actores.
Laurence Olivier

Película: Sky Captain y el mundo del mañana (Kerry Conran, 2004)
Técnica: Manipulación digital de metraje antiguo.
Resultado: Aunque toda la peculiar apuesta de este filme al que muy poca gente le vio la gracia consiste en recrear un look de serial antiguo mediante efectos digitales y pantallas de croma (todo el metraje fue rodado en interiores delante de fondos verdes), la idea de resucitar a Laurence Olivier como villano final no parecía responder a nada más que simplemente la posibilidad de hacerlo. Demostrar que era posible. Dejando de lado la inexistente justificación narrativa, el hecho de que el personaje de Olivier fuera un holograma lleno de chasquidos e interrupciones de imagen ayudó mucho a disimular que, en realidad, su intérprete llevaba 15 años muertos en el momento del estreno.



Marlon Brando

Película: Superman Returns (Bryan Singer, 2006)
Técnica: Metraje antiguo + recreación CGI.

Resultado: Dentro del acercamiento necrófilo de Bryan Singer hacia el Superman cinematográfico de Richard Donner se incluía la presencia constante de Jor-El durante todo el filme. Ésta se concreta en varias apariciones como voz over guiando las aventuras de su hijo (gracias a grabaciones de 1978, algunas empleadas entonces y otras descartadas) e incluso presencia (cristalizada) en pantalla fruto de un complicado proceso de recreación digital y negociación legal con los herederos del actor en torno al uso comercial de su imagen. 


Bruce Lee

Película: Juego con la muerte (Robert Clouse, 1978).

Técnica: Metraje antiguo editado + dobles + ¡un recorte de cartón pegado a un espejo! (ver vídeo).

Resultado: Dentro de este delicado mundo de disimular la desaparición de actores, el recurso más socorrido siempre es la utilización de un doble de cuerpo, con mayor o menor fortuna y/o parecido físico con la persona a reemplazar. Lo hizo Ed Wood con Bela Lugosi (caso tratado abajo), lo hicieron Los Tres Chiflados cuando murió Shemp, lo hizo Douglas Trumbull para poder finalizar Proyecto Brainstorm sin Natalie Wood y se utilizó masivamente y con alarmante descaro en la última película de Bruce Lee para justificar la llegada hasta el enfrentamiento contra Kareem Abdul-Jabbar que sí filmó la gran estrella de las artes marciales. Para rematar la trágica ironía, años más tarde la muerte accidental de su hijo Brandon Lee durante el rodaje de El cuervo (Alex Proyas, 1994) hizo que se utilizara el mismo método en algunos planos del filme. Pero al menos ahí tuvieron la delicadeza de 1) - no enseñar el cadáver auténtico del actor como chiflada maniobra narrativa por la que el héroe finge su muerte y por eso aparece tan disfrazado durante el resto del metraje; 2) - no asumir que una foto de cartón recortada y pegada sobre un espejo puede suplir la presencia física de una persona. Ambas cosas suceden en Juego con la muerte.


Bela Lugosi

Película: Plan 9 from Outer Space (Ed Wood, 1959).

Técnica: Metraje antiguo + doble de cuerpo.

Resultado: Hablamos de una película de Ed Wood, quizás de la mayor cima inversa de su carrera, así que la calidad final probablemente no estuviera entre sus preocupaciones. Como muestra la película de Tim Burton de 1994, el metraje donde aparece Lugosi fue filmado bastante antes de que la película cobrara forma y encaja muy poco con el argumento, mientras que el encargado de reemplazar al actor húngaro (el quiropráctico de su mujer) era sensiblemente más alto y del todo distinto físicamente. Ve al minuto 1 del vídeo de arriba y te harás una idea de cómo quedó la cosa.


Peter Sellers

Película: Tras la pista de la pantera rosa (Blake Edwards, 1982).

Técnica: Metraje antiguo reutilizado.

Resultado: Como sólo habían hecho otras seis películas de la saga La pantera rosa, se entiende que Blake Edwards y MGM no se tomaran la muerte de Peter Sellers como un impedimento para seguir prolongando una franquicia tan joven y poco explotada. Aunque el brillante cómico británico había muerto más de un año antes del inicio de la producción, aquí aparece interpretando por última vez al torpe inspector Clouseau por obra y gracia del ensamblado de escenas eliminadas de películas anteriores, especialmente de La pantera rosa ataca de nuevo (1976). Partir de un material tan limitado complicó un poco la tarea de completar un largometraje de hora y media, pero también se usaron dobles para intentar arreglar el desaguisado de extraños saltos narrativos que quedó formado. Una chapuza digna del montaje que hizo Superlópez de la última película de Cecilio Bemille.



Oliver Reed

Película: Gladiator (Ridley Scott, 2000).

Técnica: Repetición de planos + dobles.

Resultado: Ya puedes estar al mando de una gran superproducción, que como se muera repentinamente uno de tus actores acabarás teniendo entre manos algo muy parecido a la película de Radioactivo Man tras la marcha de Milhouse. Es lo que le pasó a Ridley Scott con el infarto letal que sufrió Oliver Reed antes de completar sus escenas, dejando a Próximo en una serie de apariciones entre sombras o que bien no parecen pertenecer a la misma película que el resto de personajes.



John Candy

Película: Caravana al Este (Peter Markle, 1994).

Técnica: Reutilización de material.

Resultado: Un caso bastante más cantoso que el anterior fue el de la última película de la estrella cómica John Candy. Por mucho que los responsables del filme aseguraran, en una inane estrategia para salvar la apariencia de la película de cara a la galería, que el actor había competado todas sus escenas, lo cierto es que el personaje de Candy desaparece repentinamente de la narración sin que se tercie ni media explicación. Cuando regresa, es fácil darse cuenta que la mayoría de sus aportaciones consisten en planos de escucha, descartes e incluso secuencias del principio de la película reutilizadas cambiándoles el fondo, como el ejemplo de arriba.

Nancy Marchand

Película: Proshai, Livushka (2001), segundo episodio de la tercera temporada de Los Soprano.

Técnica: Metraje antiguo manipulado digitalmente.

Resultado: ¿Recuerdas algo raro sobre la última escena entre Tony Soprano y su madre? Probablemente sí, porque cuando fue rodada Nancy Marchand, la actriz que encarnaba a Livia Soprano, había muerto, por lo que su aparición está compuesta de tomas de audio desvinculadas entre sí y reorganizadas con una Livia CGI para dar respuesta a un diálogo con James Gandolfini que tiene bastante poco sentido. Aunque estaban obligados por las circunstancias a incorporar el fallecimiento de Marchand a la serie con la eliminación de su personaje, David Chase y el resto de responsables decidieron que necesitaban una escena emotiva más como despedida (aunque la muerte en sí tiene el buen gusto de suceder en elipsis) para alguien tan importante. Con todo, dudamos que el inquietante efecto conseguido indique que se trató de una buena idea.


EXTRA: Arnold Schwarzenegger o Jeff Bridges jóvenes


Película: Terminator Salvation (McG, 2009), TRON: Legacy (Joseph Kosinski, 2010).
Técnica: Inserción de rostros CGI.


Resultado: Por último, aunque estos dos actores se encuentren todavía entre nosotros (¡y por muchos años! —dedos cruzados—), era necesario terminar el reportaje con los dos ejemplos más recientes que mejor idea pueden darnos de lo que sería posible lograr en el caso de Philip Seymour Hoffman. Teniendo en cuenta que habrá pasado más o menos un lustro desde estas experiencias de inserción digital de rostros sobre otros cuerpos y la rápida capacidad de innovación tecnológica a la que asistimos cada año en el campo de los efectos especiales, es posible que la evidente artificialidad y el coqueteo con el valle inquietante de estos dos bigardos CGI hayan sido superados para entonces. No obstante, echándoles un vistazo es fácil temblar imaginando algo parecido aplicado a un actor tan físico y visceral como Hoffman.

Via:Cinemania

Galería: Los 'Lego-pósters' de las nominadas al Oscar 2014

Un año más, Alex Eylar y Old Red Jalopy vuelven a recrear las candidatas a Mejor Película a base de bloques de plástico. Por CINEMANÍA

Durante los primeros meses de 2014, los amantes del cine y de Lego (y del cine hecho con Lego) nos estamos poniendo las botas. Primero tuvimos la noticia de que Los Cazafantasmas se convertirían en un set del juego de construcción, después disfrutamos de La LEGO película... Y ahora resulta que el legoartista cinéfilo Alex Eylar y el equipo de diseñadores Old Red Jalopy han vuelto a unirse para recrear a base de figuras y bloques de plástico los pósters de las nominadas al Oscar 2014, por encargo de la web Yahoo! Movies.  Recordemos que esta misma alianza nos ofreció una colección similar hace tres años, pero la verdad es que esta edición de los Premios de la Academia le ha permitido lucirse a gusto. Compruébalo en la galería de abajo.

'Her', la película

‘Her’, la nueva película de Spike Jonze es, sin duda, una de las cintas más esperadas del año y puede que una de las más interesantes —al menos para una servidora y de las que no he visto, claro— de todas las que optan al Oscar a la Mejor Película este año. Aunque lo tiene díficil compitiendo con títulos como ‘Gravity’ (Alfonso Cuarón), ‘12 años de esclavitud’ (‘12 years a slave, Steve McQueen), ‘El lobo de Wall Street’ (‘The Wolf of Wall Street’, Martin Scorsese) o ‘American Hustle’ (David O’Russell), ‘Her’ ha sido una de las grandes películas en la temporada de premios este año. Una historia bizarra y muy personal, pero que promete unas interpretaciones memorables, una propuesta visual muy interesante y única, algo a lo que ya nos tiene acostumbrados su director.
Con un reparto de lujo encabezado por Joaquin Phoenix, al que le acompañan Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde y la voz de Scarlett Johansson, ‘Her’ opta a tres nominaciones a los Oscar —mejor película, mejor guión original y mejor canción— y aunque no parte como favorita, la cinta no ha dejado de sorprender y recibir buenas críticas por allí por donde ha pasado. Rodada entre Los Ángeles y Shanghai —los impresionantes rescacielos futuristas que se ven en el tráiler—, ‘Her’ se estrenó el pasado mes de Diciembre en Estados Unidos y ha recaudado hasta la fecha casi 23 millones de dólares en todo el mundo. Además, en la web Rotten Tomatoes, a un 85% de los usuarios les ha gustado la película, dándole una puntuación media de 8.5 sobre 10. No sé vosotros, pero a mí, sólo con el cartel y esa mirada de Joaquin Phoenix ya me tenían ganada.

La sinopsis

Vivimos en la era en la que los dispositivos electrónicos inteligentes son nuestros mejores amigos, y eso es precisamente lo que Spike Jonze quiere mostrarnos en ‘Her’. Se trata de una historia que mezcla ciencia-ficción y romance, explorando la naturaleza del amor y las formas en que la tecnología puede llegar a aislarnos y a conectarnos al mismo tiempo.
En ‘Her’, nos trasladamos a un futuro no muy lejando donde Theodore, un escritor solitario, adquiere un moderno sistema operativo diseñado para satisfacer todas las necesidades del usuario. Pronto, Theodore se sentirá atraído hacia dicho sistema operativo con voz de muer y comenzará una extraña relación sentimental con ella.

El director

Nacido en una pequeña localidad de Maryland (Estados Unidos) en 1969, Spike Jonze comenzó su carrera dirigiendo publicidad y vídeos musicales — creó junto a Michel Gondry, Directors Label, una compilación de DVDs dedicadas al vídeoclip — y co-creando esa gamberrada de programa de televisión que fue ‘Jackass’ en la MTV. Pero pronto sus inquietudes cinematográficas salieron a flote y con un estilo visual muy particular, dirigió su primer largometraje, la surrealista y fantástica ‘Cómo ser John Malkovich’ (‘Being John Malkovich’, 1999) a la que le siguió una cinta no menos interesante ‘Adaptation’ (id, 2002). Dos títulos que le encumbrarían como uno de los nuevos talentos del cine indi estadounidense, gracias a su surrealista mirada y a la sensibilidad que plasmaba en ambos trabajos, algo que parecía impensable dado su pasado como director de ‘Jackass’.
Su tercer largometraje se hizo esperar pero valió la pena. Sería en 2009 con ‘Where the Wild Things Are’, una poética adaptación del famoso libro para niños de Maurice Sendak publicado en 1963 y casi una eminencia entre los libros de culto infantiles. En la cinta, se nos presenta la amistad de un niño con una gigante criatura con el que descubre el valor de la amistad y la valentía. ‘Where the Wild Things Are’ se convirtió en un clásico instantáneo y una película de referencia para muchos. Ahora, vuelve a la carga con ‘Her’, una nueva historia que le está reportando —una vez más— reconocimiento internacional. Aunque esta vez se trate de una historia futurista, Spike Jonze vuelve a demostrar su pasión por las historias extrañas y surrealistas a las que sabe dotar como nadie de una sensibilidad visual y estética única que cuida al mínimo detalle todos los aspectos del film.

Los actores

Si la película recae en los hombros de alguien, ese es, sin duda, Joaquin Phoenix, que nos regala aquí —eso dicen— uno de los mejores papeles de su carrera. El actor estadounidense, comenzó muy pronto su carrera como actor siguiendo los pasos de su hermano River Phoenix —todos conocemos esta historia— y tras haber actuado en la calle con su familia hippy. A pesar de sus idas y venidas en el mundo del cine y tras participar en algunos títulos como ‘El secreto de los Abbott’ (‘Inventing the Abbotts’, Pat O’Connor, 1997) o ‘8mm’ (Joel Schumacher, 1999), la carrera de Phoenix despuntó del todo en el año 2000 gracias a su papel en ‘Gladiator’ de Ridley Scott, una interpretación poderosa por la que consiguió su primera nominación al Oscar como mejor actor secundario.
Después le llgaron más títulos remarcables como ‘Señales’ (‘Signs’,2002) y ‘El Bosque’ (‘The Village’, 2004) de M. Night Shyamalan fueron los títulos previos al segundo punto de inflexión de su carrera: la encarnación del músico Johnny Cash en ‘En la cuerda floja’ (‘Walk the line’, James Mangold, 2005), donde además de cantar, demostró su poder camaleónico como actor y sus perfectas aptitudes para los personajes atormentados. Su excelente trabajo le valió su segunda nominación al Oscar, aunque en esta ocasión como actor protagonista. Entre 2005 y 2010, Joaquin Phoenix trabajó muy poco —aunque en 2008 estrenó la fantástica ‘Two lovers’ de James Gray— y sus escasas apariciones públicas empezaron a dar a entender que el muchacho había perdido la cabeza: engordó, se dejó barba y confirmó que dejaba el cine para convertirse en rapero. Por suerte, todo fue una broma mediática que se documentó en la cinta ‘I’m still Here’, dirigida por Casey Affleck.
Dos años después llegaba esa obra maestra llamada ‘The Master’ de Paul Thomas Anderson, donde Phoenix daba réplica —y con éxito— al malogrado maestro Philip Seymour Hoffman y ofrecía su mejor trabajo hasta la fecha con, de nuevo, un personaje solitario, introvertido y con muchas capas que le encumbró como uno de los mejores actores de su generación, además de conseguir su tercera nominación al Oscar, segunda como mejor actor protagonista. En 2014 le veremos en la inminente ‘Her’, otra vez con un personaje solitario e introvertido y en la fallida ‘El Inmigrante’ (‘The Inmigrant’), su tercera colaboración con James Gray.
Pero en ‘Her‘, Joaquin Phoenix no está solo y es que está respaldado por un cuarteto de actrices espectaculares, empezando por Scarlett Johansson que da su voz al sistema operativo del que se enamora el personaje de Phoenix. Mientras muchos esperan impacientemente el estreno de ‘Captain America: The Winter Soldier’, otros esperamos con más ganas ‘Under the Skin’ de Jonathan Glazer, un thriller de ciencia ficción que no deja indiferente a nadie quien la ve.
Quienes sí dan la cara son Amy Adams, Olivia Wilde y Rooney Mara. Tres actrices de la misma generación que en los últimos años han despuntado y se han situado en lo más alto del pódium de Hollywood. Mientras que la primera es la gran favorita para alzarse con el Oscar a la mejor actriz por su papel en ‘La gran estafa americana’ (‘American Hustle’, David O’ Russell), la segunda, Olivia Wilde, se toma un tiempo de descanso durante su embarazo. Y la tercera, Rooney Mara, que desde que diera el campanazo con ‘The Girl with the Dragon Tattoo’ de David Fincher en 2011, no ha parado de trabajar ofreciendo siempre trabajos remarcables, incluyendo la nueva y misteriosa película sin título de Terrence Malick en la que trabaja junto a Ryan Gosling y Michael Fassbender.

Todos los vídeos de ‘Her’

Tráiler en español:

Tráiler en inglés:

Tráiler 1 en inglés subtitulado:

Clip ‘How do you share your life?’ en inglés:

Clip ‘What do you love about Samantha?’ en inglés:

Behind the Scenes:

‘The Moon Song’, canción de Karen O para la BSO de ‘Her’:

Tráiler de ‘Him’, una parodia de la película de Spike Jonze:

Via:blog de cine

Lasse Hallström dirigirá el biopic de John D. Rockefeller

Hubo una época en la que el hecho de que una película estuviera dirigida por Lasse Hallström era motivo más que suficiente para verla más temprano que tarde. Por desgracia, eso hace años que dejó de ser así y ahora está mucho más cerca de ser todo lo contrario por culpa de títulos como ‘Querido John‘ (‘Dear John’, 2010) o ‘Un lugar donde refugiarse‘ (‘Safe Haven’, 2013). Eso podría volver a cambiar en breve, pues se ha anunciado que va a dirigir el biopic de John D. Rockefeller.
Seguro que el apellido Rockefeller es más o menos conocido para todos los lectores, pero es el personaje real que nos ocupa el que realmente hizo famosa a su familia. De orígenes humildes, John D. Rockefeller consiguió una fortuna descomunal gracias a Standard Oil, su empresa petrolífera que llegó a monopolizar el sector durante varias décadas. También es bastante conocida su labor como filántropo, llegando a donar una parte muy importante de su fortuna para tal fin. Un personaje fascinante a la que espero que Hallström sepa extraer todo su jugo.
La película aún no tiene título y tengo mis dudas sobre que vayan a respetar ‘Titan: The Life Of John D. Rockefeller‘, el título del libro de Ron Chernow en el que se basará Craig Borten, nominado al Oscar por su trabajo en el guión de ‘Dallas Buyers Club‘ (Jean-Marc Vallée, 2013), para escribir este biopic. Eso sí, aún tardaremos en verla, porque este anuncio se ha producido en las etapas iniciales del proyecto, por lo que es probable que no se estrene hasta 2016 o 2017.

Vía | Collider

Los derechos de los personajes Marvel, la imagen de la semana

Después de tantos años, de tantas compras, ventas, reventas y cambios de manos, es muy normal que el aficionado medio —y, qué diantres, hasta el más avezado— se pierda a la hora de saber qué productora tiene los derechos de qué personajes de la Casa de las Ideas. Para aclararlo os traemos hoy un curioso esquema, elaborado a partir de dibujos muy simples pero la mar de identificables en el que The Geek Twins y Maurice Mitchell hacen un repaso completo a la situación actual de cara a sus potenciales adaptaciones de los superhéroes Marvel.


Resulta curioso, por ejemplo, observar que Universal sólo tiene la capacidad para poder llevar a la gran pantalla a Namor o que dos de los futuros Vengadores, la Bruja Escarlata y su hermano Mercurio, han sido “cedidos amablemente” por Fox —sólo los implicados saben cuánta pasta habrá tenido que desembolsar Marvel Studios para poder contar con los dos hijos de Magneto—, que posee todos los derechos sobre los mutantes, para su intervención en la esperadísima segunda entrega que Joss Whedon rueda de su mega-blockbuster de cara al próximo estreno en 2015. ¿Alguien ha dicho futuro cruce entre los mayores héroes del planeta y los hombres y mujeres X?

Via:blog de cine

'Monuments Men', la película

Aunque no sea muy amigo de las calificaciones que ofrecen algunas de las páginas web más conocidas de la red, no deja de ser sintomático del buen o mal estado de salud de una película el que IMDb, Rotten Tomatoes y Metacritic la puntúen a la alza o a la baja, dando muchas veces de forma anticipada al traste con las esperanzas de cualquiera que tenga puntual curiosidad sobre cómo está funcionando un filme en particular al otro lado del charco entre en una página u otra.
Y eso es lo que le ha pasado al que esto suscribe con ‘Monuments Men’ (‘The Monuments Men’, George Cloooney, 2014) uno de los diez títulos que incluí en mi selección de lo que más ganas tenía de ver durante este 2014 y que se ha llevado no pocos palos en territorio estadounidense: si bien en la IMDb los usuarios le otorgan un honroso 6,5 y en Metacritic la puntuación baja hasta un 52 sobre 100, es en Rotten Tomatoes donde la cinta bélica se lleva la peor parte, contando con sólo el favor de un 34% de los críticos y, en consecuencia, quedándose muy lejos del sello de fresco que otorga la web. Sea como sea, este viernes 21 los españoles podremos salir de dudas al respecto de lo que George Clooney y un reparto de aupa ha podido concretar en esta historia basada en hechos reales.

Sinopsis

A finales de la II Guerra Mundial (1939-1945), a un selecto grupo de historiadores, directores de museos y expertos en arte, tanto británicos como norteamericanos, se les encomienda la importante y peligrosa misión de recuperar las obras de arte robadas por los nazis durante la guerra. para devolvérselas a sus legítimos propietarios. Era una misión imposible: las obras estaban muy bien custodiadas y el ejército alemán tenía orden de destruirlas en cuanto el Reich cayera. Pero aquellos hombres, en una carrera contrarreloj, arriesgaron sus vidas para evitar la destrucción de miles de años de cultura de la humanidad.

El director

Quinto título de la filmografía de George Clooney como cineasta, ‘Monuments Men’ está precedido por un cuarteto en el que encontramos una interesante ópera prima, una magistral segunda producción, un tercer escalón entretenido y poco más y, por último, el inmediato precedente al filme bélico que hoy nos ocupa, una fascinante aproximación a los entresijos del poder político. Con ‘Confesiones de una mente peligrosa’ (‘Confessions of a Dangerous Mind’, 2002) Clooney se descubría como un narrador poseedor de un pulso espléndido, característica ésta que, unida a un fuerte carácter reivindicativo y una magnífica dirección de actores, hacía de ‘Buenas noches, y buena suerte’ (‘Good Night, and Good Luck’, 2005) toda una obra maestra del séptimo arte y, sin lugar a dudas, su mejor filme como director.
Quizás por contraposición, por las odiosas comparaciones o porque simplemente era una chorrada, ‘Ella es el partido’ (‘Leatherheads’, 2008) supuso un paso atrás en la determinación de Clooney como uno de los directores más interesantes del otro lado del charco, una clasificación a la que, afortunadamente, el antiguo “médico de Urgencias” volvía de manera rotunda con ‘Los idus de marzo’ (‘The Ides of March’, 2011) un filme en el que, junto al siempre interesante Ryan Gosling, demostraba estar en plena forma tanto delante como detrás del objetivo.

Los actores

Ni uno sólo de los siete intérpretes que conforman el reparto principal de ‘Monuments Men’ requeriría presentación más allá del enunciado de sus nombres y apellidos, pero ya que hay que llenar algo de espacio, vamos a hacer un muy somero repaso a lo más granado de las trayectorias recientes de cada uno de ellos. Dejando a Clooney a un lado, más que nada porque ya hemos hablado de él un poco más arriba, el primer miembro del reparto que comparte cartel con el director y actor es su amigo Matt Damon, un intérprete que el año pasado nos dejaba la insulsa y olvidable ‘Elysium’(id, Neill Blomkamp, 2013) y que este 2014 tiene todavía pendiente de estreno lo último de Terry Gilliam.
Junto a él, la terna de veteranos formada por John Goodman, Bill Murray y Bob Balaban. El primero nos dejó impresionados por su enérgico papel en ‘El vuelo’ (‘Flight’, Robert Zemeckis, 2012) y se ha dejado ver el pasado año por televisión. Del segundo tiene que llegarnos todavía ‘El gran hotel Budapest’ (‘The Grand Budapest Hotel’, Wes Anderson, 2014) mientras se confirma o no que se reunirá con sus viejos amigos para una tercera entrega de las aventuras de ‘Los cazafantasmas’ (‘Ghostbusters’, Ivan Reitman, 1984). Y al tercero, al que muchos recordamos por ser el inolvidable intérprete de Truffaut en ‘Encuentros en la 3ª fase’ (‘Close Encounters of the Third Kind’, Steven Spielberg, 1978) y otros por encarnar al aborrecible crítico de cine de ‘La joven del agua’ (‘Lady in the Water’, M. Night Shyamalan, 2006), también lo veremos en breve en lo último de Wes Anderson.
Terminando el recuento, nos quedarían Cate Blanchett y Jean Dujardin. La actriz, que se ha posicionado como firme candidata a hacerse con la estatuilla dorada gracias a su papel en ‘Blue Jasmine’ (id, Woody Allen, 2013), no para, y en lo que queda de año todavía estrenará dos cintas más. En lo que al actor francés respecta, ‘Monuments Men’ es su último proyecto hasta la fecha, y habrá que ver si se decide a dar el salto definitivo al mercado estadounidense o prefiere seguir rodando cintas en su país natal.

Todos los videos de ‘Monuments Men’

*Trailer 1

*Trailer Español

*Trailer 2

*Conferencia de prensa

*Premiere con George Clooney

*Premiere con Bob Balaban

*El reparto de ‘Monuments Men’ en el pograma de Jimmy Kimmel (partes 1 a 6)






*Detrás de las escenas (partes 1 y 2)


*Entrevista con George Clooney y Grant Heslov

Ver galeria completa » Todos los carteles de 'Monuments Men' (10 fotos)     

Disney: 'Fun and Fancy Free', de Ben Sharpsteen

Aún contando con las paradójicas limitaciones que el formato de relatos cortos ofrecía de cara a la valoración global de sus últimas propuestas, Walt Disney no cejaba en su empeño de seguir rodando producciones de menor coste para la compañía enhebradas a base de historias de duración reducida que aportaran un semblante de variedad del que sus primeras cintas carecían.
Pero, como ya hemos visto en entregas anteriores de este especial dedicado a las cintas animadas de la productora, de las intenciones a la realidad hay, en este caso, un salto de gigante y ninguno de los títulos ya revisados, ni éste al que hincamos el diente hoy, han conseguido dejar huella suficiente en la historia de la casa de Mickey como para ser consideradas algo más que meros pasatiempos con los que capear el temporal de la delicada situación económica que atravesaron los estudios durante los años cuarenta.

Cambiando por completo de tercio con respecto a ‘Música maestro’ (‘Make Mine Music’, VVDD, 1946), ‘Fun and Fancy Free’ (id, Ben Sharpsteen, 1947) queda hilvanada a través del endeble hilo que supone la presencia de Pepito Grillo (un claro intento éste de rescatar parte de la popularidad de la conciencia de cierto niño de madera para aupar las posibilidades económicas de la cinta), montándose sobre la base de dos mediometrajes de unos treinta minutos de duración cada uno cuyas notables diferencias hacen fuerte mella en la impresión que el espectador se lleva del visionado.
Así, para empezar, y tras un breve pero insulso prólogo de la mano del citado Pepito Grillo, la cinta nos introduce a través de la presentación del personaje en el primero de los dos cuentos que componen la función, el dedicado a Bongo, un oso circense que siente la llamada de la naturaleza y escapa de la vida de farándula para internarse en un bosque que, primero inhóspito, terminará por provocar que encuentre a una osezna con la que compartir su vida.

Extenso hasta decir basta, sin ni una línea de diálogo (toda la historia es narrada por la voz en off de Dinah Shore) y con un personaje principal carente de carisma más allá de los minutos iniciales, esta primera mitad de ‘Fun and Fancy Free’ es una dura prueba que pasar para poder acceder a la segunda mitad, y ni la música, ni las canciones ni la animación en términos generales (algo hay que se puede destacar de entre el nivel estándar que luce ésta) son lo suficientemente relevantes como para hacer de ellos algo digno de mención.
Afortunadamente, transitado este primer tramo, y salvado ese inane escollo que es la presentación del segundo cuento, que corre a cargo del ventrílocuo Edgar Bergen y dos de sus famosos muñecos, la cinta alcanza por fin el motivo principal (y único) que justifica su visionado, el clásico corto de ‘Mickey y las habichuelas mágicas’, un divertimento de primer orden protagonizado por el ratón, y sus amigos Donald y Goofy que atesora ciertos momentos de animación que son un auténtico prodigio.

Entre ellos, qué duda cabe, aquél en que las habichuelas comienzan a crecer generando el gigantesco árbol que eleva la casucha de los tres héroes hasta los cielos: tanto en ritmo de narración (endiablado) como en la combinación de ésta con la música la escena es espectacular, como también lo son los recursos de humor físico clásico que echan mano los animadores para provocar la risa, asomándonos mediante alguno de ellos al equivalente animado de las proezas equilibristas que Buster Keaton o Harold Lloyd llevaran a cabo en la época muda del cine.

Sin ser pues una total pérdida de tiempo gracias a esa espléndida media hora final, ‘Fun and Fancy Free’ supone, en su valoración global, y como apuntaba al comienzo de la entrada, una suerte de “producción suma y sigue” que poco añade a lo que ya le habíamos visto a la Disney por activa y pasiva en empresas anteriores. Afortunadamente, los cuarenta comienzan a tocar a su fin y ya nos queda muy poco para volver a arribar a las costas de los auténticos (y autodenominados) clásicos de la compañía.

Via:blog de cine