Definitivamente,
pensar en positivo con la taquilla española es un lujo que no se puede
comprar. En especial en un rango de cifras general – del total del fin
de semana – ni de esperar cifras más propias de tiempos pasados – aquel
en el que había más interés en acudir a las salas de cine. A partir de
aquí cualquier comparativo no puede tener un reflejo con Estados Unidos,
un mercado muy diferente en estos aspectos tan claves como son la
situación económica y la percepción del negocio del audiovisual.
La taquilla de este fin de semana aún se mueve datos provisionales
proporcionados por Rentrak, pero había mucha expectativa ante la llegada
de dos pesos pesados como El hombre de acero y Monstruos University,
macro estrenos en un desierto total. Pero el resultado a tanto bombo
han sido dos cifras más bien correctas pero no espectaculares. Y con un
total general que apenas se queda algo por encima de los 6 millones de
€. Si se observan tiempos pasados en los que dos estrenos así han
coincidido (Inception vs Airbender, Thor y Fast & Furious, etc) la cosa siempre se fue más hacia los 10-11 millones.
Superman vuela al primer puesto alcanzando una cifra estimada en los 3-3,1 millones de € – 730 salas – mientras que Monstruos
se quedaría en los 2-2,1 millones – 710 pantallas. A nivel de
promedios, los datos son 3.800€ la primera, 2.750€ la segunda, lo que en
ninguno de los dos casos es una gran cifra aunque doblan el mejor
promedio de hace una semana – el incremento general de las recaudaciones
es del 126% pero el 82-84% de las cifras ha ido a parar estos dos
grandes estrenos.
El análisis de estos datos obliga a pensar que la masa atraída por
las salas de cine está limitada a un número de espectadores concreto
(que se movería en techos de 1,1 o 1,2 millones) y que la competencia es
más dura ante la evidente repartición de un espacio muy delimitado y
sin un aspecto a ampliarse pese a la potencia de los lanzamientos.
Para El hombre de acero había el claro techo de antecedentes recientes – Batman, Iron Man, Spider-Man, Thor o Vengadores pero con la clara contra que Monstruos le atacaba en el sector familiar y que la carencia de interés en España por los superhéroes se agudiza por el contexto. The Amazing Super-Man estrenó el pasado año con 3,2 millones de € mientras que El caballero oscuro: la leyenda renace lo hizo en los 3,56 millones. Iron Man alcanzó los 3,8 millones (techo que comparte con Thor).
A partir de aquí nada hacia pensar que Superman pudiera súper estos
datos. La expectativa era elevada pero en un sector concreto, sin la
película haber llegado a generar una marca similar a Batman o Iron Men. Por esta razón es de esperar que las próximas semanas sean duras para el film – sin ser el extremo de R3sacón – aspirando así a los 7-8 millones de €.
En el caso de Monstruos, el inicio pese a ser más
escaso sí tiene aspiraciones a remontar e incluso a dar una sorpresa.
Los estimados 2 millones son cifras un 25-27% menos que algunos estrenos
recientes de la casa y en general del cine de animación mainstream,
Pero sí algo se ha observado en mucho de este reciente cine animado (de Madagascar 3 a Los Croods pasando por Tadeo Jones, Campanilla o Brave) es que el mantenimiento no solo salva esta cierta distancia a tiempos mejores sino que les acaba dando excelentes resultados.
De momento Monsters no será una excepción, primero
por su marca (tanto de película como de empresas), pero luego también
por su visibilidad, aguda campaña llena de humor y simpática, la marca
de los monstruos y los óptimos comentarios. A partir de aquí el techo de
la cinta se movería sobre los 10-11 millones. El caso de Los Croods ha sido de un aumento de 5 veces sobre el dato de apertura muy similar a las cifras de Madagascar 3.
A partir de aquí lo que quedan son 1,1 millones de € a repartir, de
los cuales gran parte de estos se quedan entre los restantes films del
top20. De hecho para ilustrar esto toca ver como a partir del sexto
puesto, todos los films recaudaron menos de 100.000€ y el top20 se
cierra con una recaudación de 18.700€.
La tercera posición se la queda R3sacón con unos
estimados 220.000€, un 48% menos que la pasada semana, pero con una
media por sala de 835€, lo que lleva a un total de 4,72 millones de € y
apenas 700.000 espectadores. Lo que le queda a la película es alcanzar
los 5 millones, lo cual será solo dos veces el dato del fin de semana
inicial – es decir, un consumo rápido y sin efecto satisfactorio entre
los espectadores. Fast & Furious 6 se coloca ya en los 9,1
millones de € esta semana, descendiendo un agudo 54% pero para Universal
el dato es más que positivo no solo por la cifra en si sino por el
contexto y la competencia que le ha ido viniendo.
Fox ve como su thriller británico Trance, dirigido
por Danny Boyle, cae un 53% en segunda semana lo que invita a pensar que
la cinta no encuentra su audiencia y se desploma de forma aguda ya que a
priori invitaba a pensar que por estilo y temática iba a tener algo más
de oportunidades. Su total es de 550.000€ en una presencia elevada de
salas – 210. Alcanzará los 700.000€.
El sexto puesto es para la sorpresa de la semana, quizás la película más fácilmente calificable como éxito: Hannah Abrendt. El drama alemán que distribuye Surtsey entraba con solo 33 copias pero logra 86.000€ y 2.600€ de media por sala.
La cinta tenía una campaña claramente enfocada a las audiencias
adultas y cinéfilas pero la situación general ha hecho que un producto –
y cifra – más propia del puesto 11 o 12 haya ido bien arriba en el
ranking. Con esto no hay que quitarle mérito a unas cifras que siguen
demostrando el poder y atractivo del cine de circuitos limitados, un
terreno aún más solido y lógico respecto a tiempos pasados.
Ahora con este inicio parece haber opciones que siga los pasos de cine como La Caza o Barbara y se vaya a los 400.000-450.000€, un verdadero triunfo para esta pequeña distribuidora.
Toca en esta línea resaltar como el drama americano Un invierno en la playa
que DeA estrenaba en 65 salas la pasada semana cae solo un 34% hasta
los 66.000€ y 211.000€ en 10 días. No son grandes cifras, pero de todos
los títulos recientes no-mainstream es una de las que mejor ha aprovechado el momento.
Los otros dos estrenos limitados de la semana eran Mi encuentro con Marilou y Después de mayo.
La primera recauda 27.200€ en 30 salas para Golem, y la segunda 22.200€
en 35 cines para Vértigo. 940 y 635€ de media por sala.
Celebramos los 31 años de la epopeya replicante con un informe que
te hará soñar con unicornios (o con ovejas eléctricas). Por YAGO GARCÍA
En su momento, fue una producción ambiciosa con resultados
decepcionantes en taquilla. Después, se convirtió en un clásico de
culto. Y hoy, a falta de seis años para ese 2019 que tan terrible y distópico parecía en sus imágenes, quedan pocas dudas de que Blade Runner es
un clásico indiscutible del cine, en general, y del género de
ciencia-ficción en particular. De hecho, nosotros nunca nos cansamos de
verla, y como hoy se cumplen 31 años de su estreno en EE UU, hemos decidido celebrar la efeméride dedicándole un completo reportaje.
Armados con el imprescindible libro Blade Runner: Futuro en negro, de Paul M. Sammon, nuestro
equipo ha recorrido los rincones más turbios de internet en busca de
clones descarriados y unicornios de papel de plata. Si te gusta este
recorrido por el mundo de los replicantes, recuerda que en esta misma
web puedes ver joyas como los bocetos originales, los storyboards de la primera escena y las polaroids tomadas por Sean Young durante la producción, además de recordar esa maldición que (dicen) aquejó a las compañías que pusieron product placement en el filme. Y, finalmente, puedes repasar nuestras objeciones contra esa secuela (o precuela) que nunca acaba de llegar...
La larga transición a la pantalla
Muy lejos todavía de la fama que le llegaría de forma póstuma (gracias, por cierto, a las adaptaciones de su obra al cine), Philip K. Dick publicó su novelita ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? en
1968. El libro, que mezclaba las paranoias futuristas del autor con las
constantes de un relato policíaco, atrajo la atención de varias figuras
de Hollywood, algunas con tanto caché como Gregory Peck, quien se mostró muy interesado por su mensaje ecologista. Y también, todo hay que decirlo, la de un director novato llamado Martin Scorsese, quien
no pudo hacerse con los derechos por falta de fondos. Aun así, el
proyecto pasó por una larguísima travesía del desierto, que habría de
durar más de una década, y que sólo tuvo visos de terminar cuando, en
1977, el productor Michael Deely compró un libreto escrito por Hampton Fancher, guionista debutante que jamás volvería a firmar un trabajo de envergadura.
El tebeo que lo cambió todo
A Ridley Scott, un director inglés con mucha
reputación en el campo publicitario, la ciencia-ficción no le gustaba
demasiado. Pero si gozaba de crédito en Hollywood se debía a ella, y más
concretamente a la visión del género que había entregado en Alien, su segundo largometraje. Cuando le llamaron para dirigir Blade Runner, Scott acababa de salir con cajas destempladas de uno de tantos intentos por adaptar Dune al cine (ese que, con resultados de todos conocidos, retomaría David Lynch) y
su llegada a la producción obró como el proverbial elefante en la
cacharrería: además de exigir un incremento en el presupuesto y una
reescritura del guión de Fancher (el encargado de esta última sería David Peoples, futuro libretista de Sin perdón), el cineasta llevó consigo un libro de estilo en forma de cómic. Se trataba de The Long Tomorrow, una historieta firmada por sus colegas de Alien Moebius y Dan O'Bannon. Si quieres saber por qué The Long Tomorrow es considerado "el tebeo de 16 páginas más influyente de la historia del cine", échale un vistazo a este reportaje.
El escritor yonqui vende su título
Todos estamos de acuerdo en que ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? no
es, precisamente, el título más pegadizo de la historia. Por ello, el
proyecto para adaptar la novela al cine necesitaba ser rebautizado: tras
el primerizo Dangerous Days (que, finalmente, serviría para titular un making of de la película) se optó por comprar el nombre de un guión firmado por el mismísimo William S. Burroughs. Tan drogadicto como Dick (aunque sus sustancias de cabecera fuesen otras), el autor de El almuerzo desnudo había titulado así una historia de ciencia-ficción distópica basada en una novela de Alan E. Nourse. La
cual, todo hay que decirlo, no tiene nada que ver ni con los
replicantes, ni con los coches voladores, pero sí con la ingeniería
genética.
El laberinto del cásting
Para interpretar a Rick Deckard, cazador de clones
en crisis existencial, se barajaron los nombres de muchísimos
intépretes. Tantos, de hecho, que si nos dicen que les practicaron el
test de Voight-Kampf durante las audiciones, nos lo creemos. El que más cerca estuvo de hacerse con el papel fue Dustin Hoffman, pero también figuraron en la lista Robert Mitchum, Tommy Lee Jones, Christopher Walken, Gene Hackman, Jack Nicholson, Al Pacino, Sean Connery, Robert Duvall y un semidesconocido austríaco llamado Arnold Schwarzenegger. Eso por citar sólo a unos pocos de los más de 20 candidatos.
El terrorífico sombrero de Harrison Ford
Atendiendo a un consejo de Steven Spielberg, Scott se decidió finalmente por fichar a Harrison Ford: un actor de fama creciente, gracias a Star Wars, pero cuyo caché se mantenía (aún) en términos razonables. Eso sí, Ford acababa de rodar por entonces En busca del Arca perdida, y
eso se tradujo en una anécdota que puso en jaque al departamento de
vestuario. Dejemos que sea el propio Scott quien nos lo explique: "Harrison firmó su contrato [para rodar Blade Runner] en
1980, pero yo me lo encontré una noche después de un día de rodaje. Él
condujo hasta Londres, y todavía no se había quitado el maldito sombrero
que llevaba para hacer de Indiana Jones. Yo lo ví, y me dije '¡Oh,
mierda!', porque hasta entonces nos habíamos imaginado a Deckard con
sombrero, como los detectives de las películas de cine negro". La decisión de Scott tras ese chasco fue bastante pragmática: "Me dije, 'bueno, si no hay sombrero, habrá que cortarle el pelo'. Y así nació el peinado de Rick Deckard".
¿Cómo se viste un replicante?
Muy fan por entonces del trabajo de Paul Verhoeven (¡vaya, qué casualidad!), Scott tenía muy claro que su actor fetiche, Rutger Hauer, debía dar vida a Roy Batty, el
líder de los replicantes Después de firmar el contrato, Hauer decidió
gastarle una broma al director presentándose ante él con las ropas que, a
su juicio, debería vestir un esclavo clónico del año 2019: gafas de sol
verdes "como las de Elton John", pantalones de vinilo
rosa y una camiseta blanca que dejaba ver su ombligo. Como guinda final,
Hauer se dio un tinte de pelo rubio platino. Según el testimonio de una
de las ayudantes de producción, Scott casi se desmaya del susto al
verle de esa guisa.
'El infierno de Ridley'
Aliado con el experto en efectos especiales Douglas Trumbull y el diseñador de producción (o, en como prefiere él mismo, "futurista visual") Syd Mead, Scott
echó el resto en todo lo referente a la ambientación y los efectos
visuales. Además de un plató tan lleno de detalles que acabó siendo
apodado 'Ridleyville', las joyas de la corona de Blade Runner fueron dos maquetas: una de ellas era una vista aérea de la ciudad, empleada para las secuencias de despegue y aterrizaje del spinner, y en cuya construcción se utilizaron piezas de desecho tales que un modelo del Halcón Milenario. La
otra maqueta representaba el paisaje industrial en el que comienza la
película, y en ella se pusieron a prueba técnicas de todo tipo, desde
cables de fibra óptica (casi 10 kilómetros en
total) para iluminar las ventanas de los edificios a un aceite mineral
vaporizado que representaba la polución del aire. Tan ominoso resultó el
producto final, que los técnicos lo llamaban 'El Hades' y 'El infierno de Ridley'.
Harrison contra Ridley (y contra Sean Young)
Jornadas de rodaje extenuantes, un director perfeccionista hasta lo
maniático, un guión que no entendía casi nadie y constantes vaivenes en
el presupuesto: decididamente, el rodaje de Blade Runner estuvo
lleno de desgracias. Acentuadas, además, por un 'pequeño' detalle: al
actor principal, la película le parecía una soberana bazofia. Además de
Ridley Scott, quien estuvo peleándose con él desde el primer día de
rodaje hasta el último, la mayor víctima del descontento de Harrison
Ford fue Sean Young. Según varios testimonios, la intérprete de Rachael tuvo
que sufrir contínuos desplantes por parte de Harrison, algo que llegó a
su paroxismo durante la escena en la que el detective y la replicante
se enrrollan en el apartamento de Deckard. De hecho, el productor Michael Deeley suele referirse a ese momento como "la violación en el pasillo".
Daryl se maquilla, y Rutger improvisa
Mientras Harrison Ford, Sean Young y Ridley Scott libraban su guerra
personal, los actores que daban vida a los replicantes parecían tomarse
mucho más en serio la película. Además de sacarle partido a su
entrenamiento como gimnasta, Daryl Hannah se jugó los
ojos (literalmente) para la escena en la que su personaje se pinta la
cara usando un aerógrafo: a fin de que la sirena de 1,2,3... ¡Splash! no corriera (demasiado) peligro, el maquillador Marvin Westmore tuvo que tomarla del brazo y guiar sus movimientos "como si fuera una marioneta".
En cuanto a Rutger Hauer, llevó su contribución mucho más lejos: el
famoso soliloquio final de Batty fue parcialmente improvisado por él
frente a la cámara. Por ejemplo, las palabras "Todas esas cosas se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia" no estaban en el guión de David Peoples, y salieron del magín del actor.
La paloma que no quería volar
Otra de las ideas que Rutger Hauer aportó al final de Blade Runner fue
que Roy Batty tomase en sus manos a una paloma durante sus últimos
momentos de vida. Ahora bien, por muy emocionante que resulte en la
pantalla, eso no hizo más que añadir nuevas dificultades a la
postproducción. Porque, como Ridley Scott comprobó muy a su pesar, "las palomas no vuelan cuando tienen las plumas mojadas". "El
pajarraco agitó las alas un par de veces, y saltó a las rodillas de
Rutger, para de ahí bajar del suelo e irse caminando tranquilamente",
narró Scott años después, precisando que tuvo que remediar el chasco
durante la postproducción, con un truco de montaje que, a su vez,
provocó un fallo en el raccord de luz de la escena.
Edward James Olmos habla otras lenguas
Pese a que su papel de Gaff, el policía torvo y arribista, es más bien breve, Edward James Olmos se tomó su preparación con mucho rigor. De hecho, la interlingua (el
galimatías de idiomas en el que se expresa el personaje) tomó forma
tras unas cuantas visitas del actor a la academia de idiomas Berlitz de
Los Ángeles. "Hablarlo era una putada y media, pero aportaba algo al filme", comentó Olmos. Y, tras leer transcripciones tales que "Señor, adana kobishin angum bi-te" o "Capitán Bryant toka, meni-o mae-yo", donde se combinan palabras en español, francés, chino, alemán, húngaro y japonés, no resulta difícil creerlo.
¿Dónde está el quinto replicante?
"Tengo a cinco pellejudos sueltos en las calles", le decía el siempre desagradable capitán Bryant a
Rick Deckard. Pero, un momento... ¿Cinco replicantes? ¿Por qué dice
eso, si en el filme sólo salen cuatro? Pues se debe a la combinación de
los inevitables cambios de guión a última hora y de los ya comentados
apuros en el rodaje: además de un otro replicante (varón) que murió
durante la fuga ("Se abrasó en un campo de fuerza"), en el guión de Fancher y Peoples figuraba un clon, una mujer llamada Mary, que debería haber sido interpretada por la actriz Stacey Nelkin. En
plena producción, dicho personaje fue eliminado por problemas con el
presupuesto. Y, por la misma razón, el diálogo entre Bryant y Deckard no
volvió a rodarse. Lo cual provocó teorías conspirativas de todo tipo,
la mayoría relacionadas con cierto unicornio de papel de plata...
"¿Sí, jefe? ¡Mis cojones!"
Una de las anécdotas más delirantes en un rodaje tan desquiciado como el de Blade Runner fue la llamada 'Guerra de las camisetas'. Todo comenzó cuando, en una entrevista, Scott soltó que prefería trabajar con equipos de rodaje ingleses, "porque, cuando les dices algo, se limitan a decir 'Sí, jefe' y a obedecerte".
El personal de la película, que ya andaba bastante quemado por
entonces, replicó presentándose en el plató vistiendo camisetas
estampadas con la leyenda "Yes Guv'nor? My ass!",
cuya traducción aproximada al español sirve de título a este epígrafe.
Scott y los demás miembros británicos del equipo contestaron, a su vez,
con otras camisetas en las que se leía "La xenofobia apesta".
"Fluyan mis lágrimas", dijo Philip K. Dick
En medio de tanto cataclismo, Blade Runner tuvo una rara fortuna: recibir la bendición del autor del libro original, un sujeto cuyas espantadas eran legendarias entre el fandom. Tras haber manifestado su rechazo al guión de Hampton Fancher ("Era como 'Philip Marlowe contra Las mujeres perfectas", bromeó), y habiendo comentado previamente que Alien no
le gustaba un pelo, Dick fue invitado a visitar el rodaje por Ridley
Scott, quien además le proyectó veinticinco minutos de película. Viendo
los copiones, el escritor se emocionó hasta las lágrimas: "Era mi mundo interior: lo habían captado perfectamente", afirmó más tarde, para después elogiar . Además, pese a que ¿Sueñan los androides...? y
el argumento de la película se contradecían en muchos aspectos, Dick le
quitó hierro al tema sentenciando que ambos textos eran "complementarios".
Por desgracia, Philip K. Dick murió en marzo de 1982, meses antes del
estreno de la película, y no pudo beneficiarse de la fiebre dickiana que esta levantó.
Ridley contra Vangelis: la batalla de la banda sonora
Malas relaciones laborales, actores descontentos, palomas que se niegan a volar... ¿Es que no hubo ningún aspecto de Blade Runner que
se librara de las desgracias? Pues no: incluso la producción de la
banda sonora, y su posterior publicación, supusieron un calvario. El
teclista y compositor Vangelis se peleó con el director
por razones nunca desveladas del todo, y pese a haber sido nominada a
un BAFTA y un Globo de Oro, la música de la película permaneció inédita
durante años. Cuando por fin llegó al mercado discográfico fue en una
versión para orquesta de la que reniegan los fans. Los sonidos creados por Vangelis sólo pudieron escucharse en grabaciones piratas, primero, después en el recopilatorio Vangelis: Themes
y, a partir de 1992, en una edición remezclada. Para colmo, el
compositor griego lanzó en 2007 una edición especial en dos discos que
deja fuera momentos tan emblemáticos como el tema final. Lo más parecido
a una versión integral de la BSO de Blade Runner es la llamada Esper Edition, elaborada de forma pirata, y que abarca cerca de dos horas de música.
¿Quién ha escrito la voz en off?
En julio de 1981, los productores de Blade Runner despidieron a Ridley Scott por
haberse pasado con las fechas y con el presupuesto. La jugada no les
salió bien, y el director fue readmitido, pero los financieros se lo
cobraron con creces al año siguiente, durante la postproducción del
filme. Los pases previos, celebrados en Denver y en Dallas, demostraron
que la película era demasiado rara para ese público que se había quedado
ojiplático con El Imperio contraataca en 1981. Así que la compañía Tandem, convencida hasta el momento de que tenía un blockbuster entre manos, impuso cambios tales que la voz en off, algo
que ya estaba presente en el guión original pero que David Peoples y
Ridley Scott habían juzgado oportuno eliminar. Aunque corrió durante
muchos años la leyenda de que Harrison Ford había leído el texto con
desgana, para que así Tandem no tuviese más remedio que descartarlo, el
actor lo niega: "Yo hice lo que pude, el problema es que la narración era una mierda",
comentó. Finalmente, tanto Peoples como Hampton Fancher afirman que el
texto de la versión estrenada de la película no era el suyo, sino un
apaño redactado a toda prisa por algún secuaz de Tandem.
El falso final feliz
Además de la narración en off, la alteración de Blade Runner que más irrita a los fans y a Ridley Scott es ese final feliz cuya
condición de pegote añadido a última hora canta de lejos. Según leemos
en el libro de Paul M. Sammon, la génesis de dicha escena fue tan
atribulada como todo lo demás en la película: Ridley Scott sí que
contaba con que, tras la muerte de Batty, Deckard y Rachael abandonasen
Los Ángeles en coche. Sólo que la película debía mostrarles a ambos
internándose en un desierto, dejando claro que se dirigían allí para
morir en paz. Bien fuera porque Scott no se decidía, bien porque el
presupuesto no daba para más, dicho momento no se rodó nunca. Cuando los
productores impusieron una conclusión más optimista, el director no
tuvo más remedio que llamar a Stanley Kubrick para que este le cediera planos no usados en El resplandor, amén de llevarse a Harrison Ford y Sean Young a los bosques de Cedar Lake, cerca de Los Ángeles, para lo que el diseñador de efectos especiales Ivor Powell recordó como "el día más agradable del rodaje, porque sabíamos que todo iba a acabarse pronto".
¿Cuántos montajes hay?
Como nos revelan los comentarios de los productores, el montaje estrenado de Blade Runner no
satisfizo a nadie. Lo cual quedó confirmado, en apariencia, por las
malas críticas y unos resultados comerciales más bien mediocres. Con los
años, el filme se ganó su presente estatus de culto, con lo que dos
versiones previas (las denominadas "copia de trabajo" y "versión de San Diego") circularon de forma pirata. Más adelante, se realizaron nuevos remontajes, uno para la edición en laser disc de Criterion y otro, censurado, para las emisiones televisivas. En 1997, Ridley Scott dio su visto bueno a un presunto "montaje del director" (en el cual, realmente, no tuvo mucho que ver), para publicar en 2007 una "edición definitiva", con retoques digitales. A estos siete montajes, reunidos en un cofre de dvd, habría que sumar una versión de cuatro horas cuya existencia niegan casi todos los implicados, pero que se menciona en el documental Dangerous Days.
Cómics, videojuegos y novelas
En los 80, era habitual que las películas orientadas al público juvenil tuviesen su versión en forma de tebeo, y Blade Runner no fue una excepción: el cómic fue lanzado en forma de novela gráfica (primero) y miniserie (después) por Marvel. Como el guionista Archie Goodwin tuvo
acceso al guión original, en sus viñetas figuran diálogos eliminados o
reescritos durante el rodaje, así como una narración bastante superior a
la que se escuchó en el filme y un final algo diferente. Además, sus
lectores podrán descubrir qué pasó exactamente en las Puertas de Tannhauser. Las secuelas literarias del filme, obra del amigo de Dick K. W. Jetter, aparecieron
entre 1995 y 2000, y es poco probable que sirvan como punto de partida a
la secuela. Finalmente, ningún repaso al mundo de Blade Runner estaría
completo sin mencionar los videojuegos basados en el filme: el primero,
bastante poco aprovechable, apareció en 1985 para ordenadores de 8
bits, y por problemas legales afirmaba ser "una adaptación de la banda sonora de Vangelis". En 1997, eso sí, apareció otro videojuego titulado Blade Runner, obra de Westwood Studios y considerado como una de las mejores aventuras gráficas de la historia.
¿Es Deckard un replicante?
Lector, seguro que si has llegado hasta aquí te estás frotando las
manos: nos hallamos ante el tema más controvertido y polémico que rodea a
Blade Runner. Y, tras analizar todas las fuentes a nuestro alcance podemos decir que no tenemos ni idea, más que nada porque los responsables tampoco la tienen. Inicialmente,
tanto los guionistas como Ridley Scott partían de la base de que el
cazador de clones era humano, pero por lo visto el director se enamoró
de la idea durante la producción, incluyendo detalles como el famoso
unicornio de papel de plata. En 1982, el director se limitaba a decir
que era "una posibilidad interesante", y en 2000 confirmó que las sospechas de los fans eran
ciertas, y que el protagonista era el famoso quinto pellejudo. Harrison
Ford afirma que, durante el rodaje, el tema ni se mencionó, mientras
que Rutger Hauer aporta la que (para nosotros) es la visión más acertada
de la controversia: "¿A quién le importa que Deckard sea un replicante? Lo único que importa es que, en el fondo, se comporta como una máquina".
La banda sonora de Hans Zimmer para la película de Zack Snyder es
prácticamente omnipresente durante las tribulaciones de Superman. Este
vídeo nos descubre sus secretos. Por CINEMANÍA
Si Hans Zimmer es uno de los compositores cinematográficos más importantes de nuestros días, su unión creativa con Christopher Nolan en películas como Batman Begins, El caballero oscuro, Origen y El caballero oscuro: La leyenda renace ha creado un referente muy reconocible de música de acción en el que se miran todos los blockbusters modernos (no olvidemos la fiebre por inceptionizar todos los tráilers, que aún palpita). Era de esperar que, con Nolan en la producción, el trabajo de Zimmer en El hombre de acerosiguiera ese mismo camino y el resultado ha sido una banda sonorade épica desbordada y presencia abrumadora en prácticamente todas las imágenes de Zack Snyder.
Igual que la nueva película del hombre de acero ha generado un debate con opiniones encontradas,la
música del compositor alemán no se ha librado de recibir su propia
dosis de puñetazos (aunque no de la misma magnitud que los que se
propinan Superman y Zod, afortunadamente).
Una de las pegas más repetidas es el excesivo y machacón uso de la
música, sin casi momentos de descanso durante el metraje y manteniendo
siempre el ritmo épico al borde de un ataque de ansiedad. No obstante,
no se trata de un efecto muy alejado de lo pretendido por Zimmer, que en el siguiente vídeo revela parte del proceso creativo y de grabación. Por ejemplo, cómo reunió 12 baterías diferentes grabando
en círculo la persistente percusión de su partitura, lo que resulta
bastante impresionante. Tanto si te gustó el resultado en el filme como
si no, no deberías perdértelo:
Pese a estar en pleno rodaje, Bryan Singer sigue sumando miembros a
su familia mutante. El prometedor actor australiano ('Animal Kingdom')
es la última incorporación. Por CINEMANÍA
Cualquiera diría que X-Men: Days of Future Past ya lleva varias semanas de rodaje, pues todavía siguen llegando noticias de incorporaciones al cásting y nuevos personajes que entran en el guión. Pasó con la inclusión de Mercurioen una maniobra de adelantamiento por la derecha a Los Vengadores 2 y ahora The Wrapdice que el actor australiano Josh Helman se
incorpora al reparto para interpretar un papel (secreto, por el
momento) que le tendrá varias semanas en el rodaje; es decir, que será
de cierta importancia.
Helman es uno de los intérpretes masculinos con más potencial de estrella gracias a su trabajo en la serie The Pacific y películas comoAnimal Kingdom, Jack Reacher o la próxima Mad Max: Fury Road.Su participación en la nueva X-Men le hará subir todavía más de estatus, pero con un reparto sobrepoblado que ya incluye a Michael
Fassbender, James McAvoy, Jennifer Lawrence, Hugh Jackman, Ellen Page,
Halle Berry, Ian McKellen, Patrick Stewart, Nicholas Hoult, Peterk
Dinklage, Omar Sy, Shawn Ashmore, Daniel Cudmore, Anna Paquin, Fan
Bingbing y Evan Peters, la pregunta necesaria es si Bryan Singer está haciendo una película de superhéroes o recreando su propio camarote de los hermanos Marx.
Los hermanos Weinstein contratan a Brad Copeland como guionista de
la película basada en la serie del coche imbatible protagonizada por
David Hasselhoff. Por CINEMANÍA
No es la primera vez que se habla de hacer una película de El coche fantástico, la serie protagonizada por David Hasselhoff en los 80 donde un detective playboy utilizaba
un coche de alta tecnología futurista con inteligencia artificial para
hacer todo el trabajo duro de luchar contra el crimen. La propia serie
original ya tuvo sus propios telefilmes durante los 90 e incluso un
desastroso remake para televisión en 2008, pero el creador Glen A. Larson parece empeñado en que las aventuras de Michael Knight y KITT lleguen a la gran pantalla. Estuvo a punto de suceder en 2004, con un guión en el que The Hoffretomaba su personaje para pasar el testigo a su propio hijo, interpretado por... Ben Affleck.
Ve recuperándote del escalofrío porque, según informa elLA Times,el proyecto, que desde 2006 pertenece a The Weinstein Company, ha
vuelto a ponerse en marcha una vez más y la intención parece ser bien
empezar de cero o darle un pulido consistente al guión previo. Brad Copeland, guionista curtido en televisión en series como Arrested Development, Me llamo Earl o el remake estadounidense de The Inbetweeners, además de ser uno de los guionistas de la película de El oso Yogi de hace un par de años, ha sido contratado por los Weinstein para escribir el nuevo libreto. Teniendo en cuenta el background cómico de Copeland, ¿estaremos ante una actualización desmitificadora de la serie original, en la línea de adaptaciones como Los ángeles de Charlie, Starsky & Hutch o Infiltrados en clase? Recemos para que así sea, porque un acercamiento de thriller serio a un coche que habla es algo para lo que dudamos estar preparados.
La Flota Internacional hace campaña de reclutamiento para detener la
temida tercera invasión en la adaptación de la novela de
ciencia-ficción de Orson Scott Card. Por CINEMANÍA
Como sabrás si has leído El juego de Ender, de Orson Scott Card, todo
gira en torno a cómo la Tierra se prepara para una lucha sin cuartel
contra una raza alienígena de seres similares a los insectos a los que
se conoce como "insectores". El protagonista, Ender Wiggin, es la gran esperanza de la Flota Internacional para convertirse en un portentoso militar que lleve a los humanos a la victoria. En la adaptación dirigida por Gavin Hoodes interpretado por Asa Butterfield, a quien acompañana en el reparto Harrison Ford, Ben Kingsley, Abigail Breslin, Viola Davis y Hailee Steinfeld. Aquí
tienes una serie de carteles de propaganda y reclutamiento de la Flota
Internacional para hacer frente a la invasión insectora, de momento
prevista para el próximo 8 de noviembre.
Atentos a los nombres que están implicados en ‘El consejero’ (‘The Counselor’, 2013): Ridley Scott dirige un guion de Cormac McCarthy que protagonizan Brad Pitt, Michael Fassbender, Penélope Cruz, Javier Bardem y Cameron Diaz. Arriba tenéis el primer tráiler. Sin duda, uno de los títulos imprescindibles del año.
Tras la decepción —ligera para algunos, rotunda para otros— que supuso ‘Prometheus’ (2012), Scott
regresa con un thriller criminal que gira en torno a un respetado
abogado que cree, ingenuamente, que puede entrar en el negocio del
narcotráfico sin ser arrastrado por la vorágine criminal… Natalie
Dormer, Bruno Ganz, Dean Norris, John Leguizamo, Rosie Perez y Rubén
Blades completan el reparto de ‘El consejero’. El
estreno en EE.UU. está previsto para el 25 de octubre, de momento no hay
fecha concreta para España pero se sabe que nos llegará en otoño.
Hoy se han dado a conocer buena parte de los títulos que se proyectarán en la próxima edición del festival de Sitges
—para mí un claro reto personal ya que intento ir a dicho festival
desde 1987, pero alguna fuerza maligna, nunca mejor dicho, se las
ingenia para impedirlo—. La edición de este 2013 será inaugurada con la proyección de ‘Grand Piano’, la nueva película de Eugenio Mirá, producida por Adrián Guerra y Rodrigo Cortés.
A partir de ahí habrá para todos los gustos, desde las nuevas obras de
directores asiáticos muy admirados hasta la reposición de ese gran
clásico que es ‘La semilla del diablo’ (‘Rosemary´s SisterBaby’, Roman Polanski, 1968).
Entre los títulos que el público podrá visionar en este certamen encontramos las dos últimas películas de Takashi Miike, director que a mí siempre se me atraganta, ‘Lesson os the evil’ (‘Aku no kyôten’, 2012) y ‘Shield of Straw’ (‘Wara no tate’, 2013). El realizador será uno de los invitados en el festival, al igual que Johnnie To, un realizador que daría lecciones a muchos de los directores de cine de acción actuales, y del que proyectarán ‘Drug War’ (‘Du zhan’, 2012) y ‘Blind Detective’ (‘Man Tam’, 2013), sin duda dos de los platos más apetitosos del festival.
‘Only God Forgives’ (Nicolas Winding Refn, 2013) es
uno de las películas más esperadas de este año y su incursión en Sitges,
estaba cantada, satisfará las ansias de muchos por ver el nuevo trabajo
del director de la magistral ‘Drive’ id, 2011). Roman Coppola nos traerá ‘A Glimpse Inside the Mind of Charles Swan III’ (2012). Robin Wright y Harvey Keitel son los protagonistas de ‘The Congress’, film que mezcla animación con ciencia-ficción. El siempre llamativo Alejandro Jodorowsky nos traerá su biografía imaginaria, y Neil Jordan vuelve al vampirismo con ‘Byzantium’. Shane Carruth, que vaciló al mundo con una memez sobre viajes en el tiempo, regresa con ‘Upstream Color’, y Peter Greenaway nos mostrará su lado más radical con ‘Goltzius & The Pelican Company’.
Los zombies, ahora más de moda que nunca, volverán a tener hambre en ‘The Battery’ de Jeremy Gardner, y Dolph Lundgren se verá en medio de una guerra entre zombies y robots en ‘Battle of the Damned’ (Christopher Hatton, 2013).
La figura de Jess Franco será homenajeada con dos trabajos inéditos del desaparecido director y codirigidos por Fata Morgana, ‘Monte de Venus’ (2006) y ‘Lascivia’ (2007). En Sitges tendrá también lugar la première mundial de ‘La última película de Jess Franco’, un documental sobre el mítico realizador dirigido por Pedro Temboury.
Todas esas películas, y muchas más, serán las que que llene un
festival que año tras año trae la fantasía, el terror, la
ciencia-ficción y demás mundos fuera de lo normal o cotidiano. El
certamen dirigido por Ángel Sala también se parará con
aquellas productoras que en estos tiempos de crisis se atreven y
arriesgan con modelos nuevos de negocio, algo que a muchos del sector no
les entra en la mollera todavía.
Del 11 al 20 de octubre hay una cita muy cinéfila en Cataluña. Si este año la maldición se rompe andaré por allí.
Más información | Sitges 2013
Hace pocas horas se daba a conocer el fallecimiento del escritor Richard Matheson
según un comunicado de su propia hija. La labor de Matheson en el campo
fantástico o de ciencia-ficción fue una de las más importantes e
influyentes del género. Tenía 88 años.
Casi todo el mundo le recordará por la novela ‘Soy leyenda’, que en cine conoció hasta tres adaptaciones, ‘The Last Man on Earth’ (Ubaldo Ragona, 1964), la más desconocida y sin embargo la más fiel al libro, ‘El último hombre… vivo’ (‘The Omega Man’, Boris Sagal, 1971), que es todo un clásico, y ‘Soy leyenda’
(‘I Am Legend’, Francis Lawrence, 2007), sin duda la más exitosa y
también la más apartada del libro. En televisión su aportación más
significativa y conocida es la realizada en la mítica serie ‘Dimensión desconocida’ (‘The Twilight Zone’), creada por Rod Serling y en la que Matheson escribió 16 episodios.
Si repasamos la faceta cinematográfica del escritor el primer título importante que encontramos es la inolvidable ‘El increíble hombre menguante’
(‘The Incredible Shrinking Man’, Jack Arnold, 1957); más tarde sus
trabajos, caracterizados por una mano envidiable para la síntesis, en la
etapa Poe del genial Roger Corman como por ejemplo ‘La caída de la casa Usher’ (‘House of Usher’, 1960) y en la pequeña pantalla dos películas hoy de culto: ‘El diablo sobre ruedas’ (‘Duel’, Steven Spielberg, 1971) y ‘The Night Stalker’ (id, John Llewellyn Moxey, 1972).
Por la productora británica Hammer se pasea de la mano de Terence Fisher en la excelente ‘La novia del diablo’ (‘The Devil Rides Out’, 1960). Uno de mis trabajos preferidos de Matheson fue el guión que escribió para ‘La leyenda de la mansión del infierno’
(‘The Legend of Hell House’, John Hough, 1973), una de las mejores
películas sobre casas encantadas. En los 80 destacan la extraña ‘En algún lugar del tiempo’ (‘Somewhere in Time’, Jeannot Szwarc, 1980), y cómo no, ‘En los límites de la realidad’ (‘Twilight Zone: The Movie’, John Landis, George Miller, Joe Dante, Steven Spielberg, 1983).
La última película que adaptó uno de sus relatos fue la intrascendente ‘Acero puro’ (‘Real Steel’, Shawn Levy, 2011).
El cine fantástico está de luto, ha perdido a uno de los grandes. Hasta siempre Richard.
Christopher McQuarrie debutó en la dirección de largometrajes hace trece años con la algo olvidada ‘Secuestro infernal‘
(‘The Way of the Gun’) y hasta el año pasado no consiguió volver a
ponerse detrás de las cámaras para liderar la reivindicable ‘Jack Reacher‘
(id, 2012). Una segunda entrega de esta última o la quinta misión
imposible de Ethan Hunt competían por ser su tercera película, pero en
un sorprendente giro de los acontecimientos, McQuarrie ya ha firmado el
contrato para dirigir ‘Unforgiven‘, que no es un remake de la famosa cinta de Clint Eastwood, sino una adaptación de una miniserie inglesa del mismo título.
La ‘Unforgiven’ televisiva se estrenó en el 2009 y consta de tres episodios
de unos 45 minutos de duración cada uno. La historia que nos cuenta
gira alrededor de Ruth Slater, una mujer que acaba de ser liberada tras
haber pasado quince años en la cárcel por haber matado a dos agentes de policía
que querían desahuciarla de la granja de su familia. Lo único que ahora
quiere Ruth es tener una vida apacible y reconciliarse con su hermana
menor, pero eso se complicará cuando sea el objetivo de una venganza por
parte de, entre otros, la familia de los policías que asesinó.
Lo
cierto es que McQuarrie ya fue contratado en el 2010 para escribir el
guión de la película —no conviene olvidar que tiene un Oscar en su casa
por el libreto de ‘Sospechosos habituales‘ (‘The Usual
Suspects’, Bryan Singer’ 1995)—, pero el proyecto parecía condenado a
acabar en nada hasta que él mismo ha aceptado dirigirla. Los productores
compraron los derechos de adaptación de la miniserie con la idea de que
fuese Angelina Jolie quien encabezase el reparto de ‘Unforgiven’, pero no está nada claro si esa sigue siendo su intención.
Definitivamente,
pensar en positivo con la taquilla española es un lujo que no se puede
comprar. En especial en un rango de cifras general – del total del fin
de semana – ni de esperar cifras más propias de tiempos pasados – aquel
en el que había más interés en acudir a las salas de cine. A partir de
aquí cualquier comparativo no puede tener un reflejo con Estados Unidos,
un mercado muy diferente en estos aspectos tan claves como son la
situación económica y la percepción del negocio del audiovisual.
