Papeles por los pelos: 10 actores que casi rechazan las películas de sus vidas

Al igual que Jennifer Lawrence, que estuvo a punto de decir "no" a 'Los juegos del hambre', estos intérpretes tuvieron la suerte de pensárselo dos veces. Por CINEMANÍA

Como bien sabemos, los actores suelen pasar sus carreras a la busca de un papel que les cambie la vida, poniéndoles en boca de todos e impulsándoles a la fama. ¿Qué habría sido de Harrison Ford sin Han Solo, por ejemplo? Y, con lo trapacero que es el mundillo del cine, el peor miedo para muchos es rechazar esa oportunidad dorada que no les viene bien en el calendario, porque no tiene tan buena pinta a primera vista o por cuestión de principios. Sin ir más lejos, Jennifer Lawrence acaba de confesar que casi rechazó el rol de Katniss en Los juegos del hambre dado el reparo que le causaba firmar con un gran estudio... Hasta que su madre la llamó al orden, y le recordó que mientras la historia sea buena, lo demás importa poco.
Pues bien: ahora la Lawrence es una estrella internacional por derecho propio (aunque nosotros ya la teníamos fichada desde Winter's Bone y X-Men: Primera generación) y nadie puede deshacer eso. Y todos estos intérpretes también lo son o lo fueron, pese a haber estado a punto de decir "no" a esos papeles que les han garantizado un lugar en la historia. ¿Quieres saber quiénes fueron? Pues sigue leyendo...

Daniel Radcliffe y Harry Potter

Con 11 años recién cumplidos, el futuro intérprete del mago con gafas no tenía aún mucho control sobre su carrera, así que la idea de darle a Potter con la puerta en las narices fue desus padres. El señor y la señora Rowling Radcliffe, que trabajan en el mundo del cine, replicaron con un cortés "gracias pero no, gracias" a un Chris Columbus entusiasmado con Daniel tras verle en una versión televisiva de David Copperfield. "Cuando el plan era que las seis películas se rodaran seguidas, y en Los Ángeles, mi madre se negó en redondo", declaró Radcliffe años más tarde. "Después, cambió el plan: las películas se rodarían de dos en dos, y en Inglaterra. Entonces ella accedió". Menos mal...

Christian Bale y Batman

"Estaba entre bambalinas, me acababan de poner el traje y esperaba a que me llamasen para ir al plató. Entonces pensé: 'estoy agobiado, no puedo respirar, me duele la cabeza... Esto no va a salir bien". Así recuerda Bale el rodaje de Batman Begins, una película durante cuya producción lo pasó tan mal que estuvo a punto de despedirse para siempre del papel, de Christopher Nolan y de las azoteas de Gotham. Por fortuna, más que los ataques de pánico pesaron la sensatez y, sobre todo, el miedo a hacer el ridículo:"Para quitarme el traje hacían falta tres personas, y si me hubiese puesto a correr por ahí gritando y tratando de desnudarme yo sólo hubiese parecido un gilipollas", reconoció Christian.

Ian McKellen y Gandalf

Imagínate un duelo entre el mago más enrollado de la Tierra Media y el mismísimo Magneto: ¿quién ganaría? Pues, en nuestro universo, el Amo del Magnetismo estuvo a punto de llevarse el gato al agua. A sus años, y comprometido con la saga X-Men, el veterano Sir Ian no podía permitirse los viajes continuos entre Toronto y Nueva Zelanda que le hubiesen permitido compaginar los dos papeles. Por suerte, Peter Jackson sabía lo que se estaba jugando, y aceptó cambiar por completo el calendario de rodaje de El Señor de los anillos para que McKellen pudiese intervenir sin problemas. Algo que repitió para el rodaje de El Hobbit, y gracias a lo cual Martin Freeman pudo seguir actuando en la serie Sherlock.

Marlon Brando y Don Vito Corleone

Convencer a los directivos de Paramount de que Brando era el actor perfecto para El Padrino le costó muchos sudores a Francis Ford Coppola. Y quien pasó las de Caín para persuadir a Brando de que el 'Don' estaba escrito para él fue Alice Marchack, la secretaria del actor. Según ella, Marlon montó en cólera cuando leyó el guión, exclamando: "No pienso glorificar a la Mafia". ¿Cómo se las apañó Marchack para seducir al actor? Sencillo: soplándole que los productores barajaban el nombre de Laurence Olivier. "¡Ese tío no da el pego como un capo!", volvió a exclamar Brando, y acto seguido preparó ese maquillaje (bolas de algodón en las mejillas, pelo engominado, ojeras falsas) que le granjeó el papel.

Mia Farrow y Rosemary

La ex de Woody Allen no tuvo que enfrentarse a Satanás tras aceptar su personaje en La semilla del diablo, pero casi: quien se cerró en banda fue nada menos que su marido de entonces, Frank Sinatra. Ateniéndose a aquello de "la mujer, con la pata quebrada y en casa", 'La Voz' se enfureció cuando su señora se fue a rodar con Roman Polanski, propinándole (dicen) alguna paliza que otra y poniendo en marcha una demanda de divorcio en pleno rodaje. La estresada Farrow suplicó al productor Robert Evans que se buscase a otra, pero por suerte este la persuadió para continuar. La resistencia de Mia tuvo su recompensa, en forma de Globo de Oro.

Meryl Streep y Margaret Thatcher

Los fans de la Streep que consideren que La Dama de Hierro era demasiado indulgente con la ex primera ministro pueden estar tranquilos: la actriz piensa igual. Tan mal le cae la Thatcher a la actriz estadounidense que esta se negó a aceptar el papel, y tuvo que ser  Phyllida Lloyd (quien ya la había dirigido en Mamma Mia) quien la convenciera, con el argumento de que ese rechazo la ayudaría a darle al personaje su punto justo de mala leche. Antes de conseguir su ansiado tercer Oscar, y un Globo de Oro de propina, a Meryl le esperaba otra prueba de fuego: pasar tres meses estudiando el lenguaje corporal de 'Maggie' en vídeos y noticiarios.

Leonardo DiCaprio y Jack Dawson

Si hacemos caso a las malas lenguas, 'Leo' se convirtió en el galán ideal para varias generaciones gracias a cierta medida anatómica, situada debajo de su cintura. Porque el actor tenía que elegir entre participar en Titanic o en Boogie Nights, y el rumor de que Paul Thomas Anderson se decidió entre él y Mark Wahlberg mediante un concurso de longitud genitourinaria es demasiado jugoso como para no tenerlo en cuenta. Pero a DiCaprio aún le quedaban dudas, y no acabó de decidirse hasta que Kate Winslet aceptó el papel de Rose: al igual que la británica, Leonardo considera que padecer bajo las órdenes de James Cameron (y tirarse de la tabla, aunque había sitio para los dos) le sirvió para poder elegir sus papeles, y no sólo para eso: "Acompañar a mi madre y a mi abuela al estreno de la película en Londres fue uno de los mejores momentos de mi vida", dice.

Audrey Hepburn y Holly Golightly

Lo sentimos por las y los fans que llevan su rostro en la mochila y que la tienen como modelo existencial, pero tal y como la concibió Truman Capote la protagonista de Desayuno con diamantes no deja de ser lo que ahora llamaríamos "una chica de alto standing". Y la Hepburn, que de tonta no tenía un pelo, era consciente de ello cuando rechazó la oferta de encarnarla diciendo "yo no sé interpretar a una puta". En ello, por otra parte, tuvo mucho que ver su marido Mel Ferrer, que no quería ver a una Audrey embarazada pidiendo diez dólares para el tocador. Tras pensárselo mucho, la actriz aceptó el papel, pero con la condición de que fuese Blake Edwards quien dirigiera la película.

Tom Hanks y Forrest Gump

Recién salido del duro rodaje de Philadelphia, y temeroso del encasillamiento, Hanks le puso aRobert Zemeckis una condición aparentemente insoluble para aceptar el papel: que todas las andanzas del personaje siguieran la cronología de los hechos históricos. El actor confiaba así que el rol de Forrest fuese a parar a John Travolta o Bill Murray, los otros nombres barajados por Zemeckis, pero finalmente tuvo que dar su brazo a torcer.

Robert Pattinson y Edward Cullen

"No quería ser la estrella de una película para adolescentes" es el lamento que repite el actor inglés desde que, en 2008, un filme de serie B basado en un best seller se convirtió en fenómeno mundial. Pattinson acabó aceptando el rol de vampiro fosforito debido a sus ganas de trabajar con Kristen Stewart (y mira en qué ha acabado la cosa), y bromeó afirmando que sus dudas se debían a que "Edward tiene tableta en los abdominales" y él no. Pese a todo, una vez libre de la obra de Stephenie Meyer, no se lo ha pensado dos veces antes de arrojarse a los enfermizos brazos de David Cronenberg.

Píldoras animadas (I): los mejores cortometrajes de la semana

Iniciamos sección semanal en la que rebuscaremos en la red de redes, en caza y captura de los mejores trabajos de animación que hayan surgido en los últimos siete días. Por PABLO GONZÁLEZ TABOADA

   Un lienzo en blanco y un lápiz. Este es el material con el que se trabajaba en los albores de la animación. En plena era digital podríamos intercambiar el lienzo por un nuevo documento en un programa informático, o por un set recién montado si nos referimos a trabajos en stop-motion. La animación, un medio más que un género, es quizá la forma más libre de hacer cine al no depender en ningún momento de las limitaciones impuestas por la propia realidad. Cualquier trazo puede convertirse en un actor improvisado y las técnicas existentes son casi infinitas. En busca de las vanguardias de esta forma de narrar historias prometemos traeros desde la red, semana a semana, aquellos trabajos animados que encuentran en internet el campo de exhibición sustituyendo a las oscuras salas de cine. La sección que inaguramos hoy en CINEMANÍA tiene así por objetivo recopilar destacados proyectos de animación de distintos estilos y nacionalidades, pero merecedores de vuestra atención. Pincha en las imágenes para verlos.

1. It's Man's Man's Man's World
Francia, 2012. Director: Xavier Fauthoux

Iniciamos la recomendación de la semana con algo de música  del considerado "Padrino del funk", el gran James Brown, a quien los más cinéfilos recordarán por sus apariciones en películas de culto como Granujas a todo ritmo (John Landis, 1980) o el cortometraje  dirigido por el recientemente fallecido Tony Scott, Beat the Devil (2002) . Pero sus mayores logros se encontraron por supuesto en la música. Inspirado por un clásico indiscutible como el It's Man's Man's World el animador francés Xavier Fauthoux, fundador del estudio Shoot the Boss, cuenta desde los ojos de un joven afroamericano (el propio Brown) la historia de un país y de cómo el racismo ha afectado a su visión del mundo. La imagen es poseída por la voz de Brown al tiempo que se atreve a crear una narración de la que pueden extraerse múltiples pensamientos, yendo mucho más allá del videoclip per se, destinado a lucir a un artista, para indagar en su personalidad, dando lugar a una pieza indispensable. Este trabajo musical le valió a Xavier Fauthoux para ganar un concurso el pasado junio, obteniendo como premio 4.000$ dólares y la posibilidad de dirigir un vídeo profesional para celebrar el aniversario del músico. Premio merecido, ¿no os parece?

2. Exoids
Estados Unidos, 2012. Director: Aristomenis Tsirbas



Seguimos con el ritmo en el cuerpo pasando a Exoids, uno de esos cortometrajes de animación que sirven más bien como carta de presentación de cara a convertirse en largometrajes (recuérdese el caso de ROSA ) o como demos técnicas que terminarán por abrirle sus puertas a los animadores en busca de un puesto de trabajo en un gran estudio. Aristomenis Tsirbas, director del largometraje Objetivo: Terrum (2007) prueba ahora suerte manteniendo en su nuevo trabajo la ambientación futurista, llevándonos a un mundo postapocalíptico en el que tras una guerra nuclear sólo han sobrevivido las babosas y los robots. Las primeras se han vuelto inteligentes, creando sus propias armas, mientras que robots han sido convertidos en bestias metálicas sumamente agresivas. El cortometraje desarrolla esta situación presentando una larga secuencia de acción en la que se presenta a la 'fauna' de este universo al tiempo que demuestra que, técnicamente, los trabajos de animación de calidad no son coto privado de Pixar o Dreamworks. Si bien su guión es pobre, no pasando del esbozo, es justamente su acabado técnico el que hace que verlo mererezca la pena. Seis intensos y adrenaliticos minutos que, quien sabe, quizá terminen siendo el gérmen de una película o, no sería la primera vez, una serie de televisión.

3. Le ballet
Francia, 2012. Director: Louis Thomas

Pese a llevar varios años activa, GOBELINS, l'école de l'image adquirió cierta notoriedad cuando uno de los cortometrajes de sus estudiantes, Oktapodi, recibió una nominación a los Oscar en 2008. Pese a que no ganaron el premio (La maison en petits cubes, de Kunio Katô se llevó merecidamente el galardón) lo que consiguieron con aquella situacion fue ponerse en el mapa de cara a los menos dados a explorar la animación fuera de las grandes casas. Desde entonces han ofrecido al público la posibilidad de ver los trabajos de sus estudiantes a través de su canal de Youtube (los ocho de este año podéis verlos aquí). Hay piezas muy interesantes, pero desde luego la más destacable nos parece Le ballet, un cortometraje con estilo clasico en el que vemos una representación en un teatro en el que se encuentran docenas de grandes estrellas de la historia del cine. Así, la atención no sólo se centra en el estilizado trabajo de animación de Louis Thomas sino además, en detectar todos los cameos de actores, actrices o figuras del séptimo arte que aparecen en la pantalla. Tranquilo si no los reconoces, porque en los créditos tienes una chuleta con todos ellos. Un deleite visual y auditivo.

4. The Maker.
Australia, 2012. Director: Christopher Kezelos

Aunque probablemente el nombre de Christopher Kezelos no os diga nada, quizá si lo haga saber que se trata del director de uno de los éxitos virales de los últimos años, ganador de nuevos fans a cada nuevo visionado, Zero (2010)6. Si en aquel trabajo nos contaba la historia de un personaje nacido para estar fuera del sistema, en esta ocasión sigue explorando los límites de la creación con The Maker, un excelso trabajo en stop-motion (animación fotograma a fotograma, como Pesadilla Antes de Navidad o Coraline) en el que asistimos al intento de un personaje de dar vida a otro. Decir más sería estropear la sorpresa de un trabajo que destaca por su colosal trabajo artesanal y la notable composición musical que acompaña a la imagen, creando un ambiente enrarecido, de inquietante cuento de hadas. Kezelos demuestra dar un paso adelante, cierta madurez artística al prescindir de la blanda trampa de guión para poner cierre a los cinco minutos de deleite que supone el visionado de su nuevo trabajo.

5. RED
Francia, 2011. Varios directores.

El cine negro no pasa de moda, aunque es cierto que en la animación es un tema menos recurrente de lo que nos gustaría. Con RED, cuatro alumnos de la Supinfocom (la otra gran escuela del país galo) demuestran tener las cosas en su sitio para contar la historia de un asesino que se dedica a aniquilar mujeres con vestidos rojos de formas bastante violentas. La historia se narra desde el punto de vista de un fotógrafo de escenas de crímenes que llega a obsesionarse por el caso, debido a ecos de su pasado, aparantemente, si bien estos callejones oscuros (influenciados por el expresionismo alemán) bañados en colores cálidos, que arden perpetuamente, puede haber sorpresas. Alexandre Charleux, Amaury Brunet, Ning Zhang y Victoria Bruneel son sus responsables, con Pierre Caillet a cargo de la melodía. Desde Seven a Sin City, pasando por El tercer hombre. Son éstas las influencias de un trabajo que vuela alto y que demuestra que no son los medios los que determinan los límites de una obra, sino la imaginación e inventiva de quienes se involucran en ella.

Bonus - El clásico

More
Estados Unidos, 1998. Director: Mark Osborne

Premio al mejor corto en Sundance en 1998, y nominado al Oscar en la misma categoría aquel año, More de Mark Osborne es una de las mejores piezas de animación que se han realizado nunca. Afirmación rotunda y categórica que tiene una explicación tan sencilla como remitir a ver el vídeo para darse cuenta por uno mismo. En una sociedad gris, automatizada, un hombre aún se permite soñar. Cuando decide romper la rutina encuentra algo que no esperaba, sacrificando para conseguirlo lo que, sin saberlo, era su bien más preciado. Triste y demoledor, Mark Osborne consigue aún con todo abrir una puerta a la esperanza utilizando Elegy de New Order como único estímulo musical en una pieza de una perfección tan milimétrica como arrebatadora. Su trabajo de animación es excepcional, empleando la técnica claymation (derivado del stop-motion, usando plastilina como material) para conferir a su universo de un feismo buscado y perfecto para lo que se quiere transmitir. Osborne daría el salto a Hollywood diez años más tarde codirigiendo la fantástica Kung Fu Panda (2008), pero no cabe duda de que su trabajo más personal, valiente y poético sigue siendo este More, seis minutos que enriquecen y permanecen.

Via:Cinemania

¿Hablas en el cine? ¡Cuidado con los ninja!

Una sala de Londres encuentra la solución para que los espectadores guarden silencio: un grupo de voluntarios vestidos de señores de la noche. Por CINEMANÍA

Que los modales de algunos cuando están en una sala de cine son muy cuestionables es algo de lo que ya hablamos en esta web. Y de muchas maneras, además: que si la culpa la tienen los móviles y los smartphones, que qué medidas toman los locales al respecto, que si a lo mejor no está tan mal… Parece que en Londres esto también ocurre, de modo que el Prince Charles Cinema de Leicester Square ha adoptado una medida de peso para acabar con los espectadores molestos: una banda de guerreros ninja. Así como suena.
Pero, ojo: no es que los propietarios de este cine se hayan ido a Japón en busca de asesinos implacables, ni que los responsables de nuestro blog Bazinga! les estén echando una mano. Los ninjas en cuestión son voluntarios que, a cambio de una entrada gratis, se ponen un mono negro y acechan en las tinieblas del patio de butacas en busca de la gente que incordia. Una vez localizados los infractores, se acercan a ellos y les echan un rapapolvo. “Lo último que esperaba ver era a dos tíos vestidos de negro apareciendo de pronto junto a mi butaca y diciéndome que cerrase el pico”, confiesa un espectador cogido en falta (citado por Slashfilm). Y prosigue: “Al principio me llevé un susto enorme, pero después me pareció bastante divertido. Y no volví a hablar en toda la proyección”.
Para colmo, la iniciativa no partió de la propia sala, sino de Gregor Lawson, un cinéfilo que además fabrica trajes de elastano (o spandex) con su compañía Morphsuits, de Edimburgo. Harto de encontrarse con individuos que, en sus palabras, “no respetan el código de conducta de los espectadores en un cine”, Lawson tuvo una revelación leyendo un foro de internet en el cual “algunos clientes decían que los bodysuits que fabrico parecían uniformes ninja”. Por ahora, aparte de haber llamado la atención de la prensa, parece que la idea funciona con eficacia y sin incidentes. ¿Alguien se anima a importarla a España?

Carteles de las películas con su 'working title'

Cómo habrían sido los carteles de algunos de los éxitos de los últimos años si se hubiesen utilizado sus títulos provisionales. Por JAVIER SÁNCHEZ NAGORE

Estamos pensando en qué estrellas contratar, en quién se encargará de la dirección, en dónde rodaremos ese gran éxito que tenemos en mente. Eso sí, todavía nos falta concretar el título de la producción. Sí, tenemos una idea sobre de qué va la cosa y algunos nombres ingeniosos para el filme, pero hay que empezar a trabajar y todavía no tenemos el título definitivo, de modo que utilizaremos uno provisional para firmar los albaranes y para ponerlo en la silla del director. Luego ya lo pensaremos otra vez. O puede que simplemente no queramos llamar demasiado la atención de proveedores, periodistas y fans en general con reclamos como Star Wars: Episodio VII.
Básicamente esta es la esencia de lo que en cine se conoce como el working title, que podría traducirse como el título de trabajo; el nombre que la película recibe antes de recibir el definitivo. Pero, ¿qué habría pasado si el estreno se hubiera llevado a cabo con el working title? En algunos casos como High School Musical o Serpientes en el avión así fue, pero para otras películas tendremos que tirar de fantasía.
El retorno del Rey (Till Death, For Glory/Hasta la muerte, por la gloria)

Titanic (Ice Planet/Planeta hielo)

Alien (Star Beast/Bestia estelar)

Ocean´s 12 (Clowns Can't Sleep/Los payasos no pueden dormir)

Monstruoso (Cheese/Queso)

 

'A Late Quartet', con Philip Seymour Hoffman, Christopher Walken y Catherine Keener, tráiler y cartel

Ojo a esto. Aquí os dejo el tráiler y el cartel de ‘A Late Quartet’, un drama protagonizado por Philip Seymour Hoffman, Christopher Walken, Catherine Keener y Mark Ivanir. Se trata del primer largometraje de ficción de Yaron Zilberman y tiene una pinta excelente, al menos por el vídeo de avance; es un poco largo, tened cuidado, pero no os lo perdáis.

La historia de la película —inspirada por Beethoven— gira en torno a los miembros de un prestigioso cuarteto de cuerda cuyas vidas quedan profundamente alteradas cuando uno de ellos descubre que está enfermo de Parkinson y anuncia su inevitable retirada. Sentimientos reprimidos, pugna de egos y pasiones incontrolables amenazan con destruir años de amistad y colaboración, conforme se acerca el día de la última actuación del grupo. Además de Hoffman —ganador, junto a Joaquin Phoenix, del premio al mejor actor en Venecia con ‘The Master’ (P.T. Anderson, 2012)—, Walken, Keener e Ivanir, en el reparto encontramos a Imogen Poots, Wallace Shawn, Megan McQuillan, Liraz Charhi y Madhur Jaffrey, entre otros.

‘A Late Quartet’ fue presentada recientemente en el festival de Toronto y llegará a los cines de EE.UU. el 2 de noviembre. De momento, como podéis imaginar, todavía no hay fecha para el estreno en España. A ver si hay suerte, se lleva alguna nominación a los Globos de Oro o los Oscar, y podemos verla aquí en los primeros meses de 2013. Antes no parece probable.

Via:blog de cine

'Robocop', cartel inicial y primeras imágenes del nuevo traje

 Uno de los títulos más llamativos que llegarán a nuestras salas durante el verano de 2013 es la nueva versión de ‘Robocop‘ (Paul Verhoeven, 1987), un vigoroso cruce entre acción y ciencia ficción que cuenta con numerosos fans. La noticia hoy es que ya podemos ver el cartel y las primeras imágenes del nuevo traje del personaje protagonista de este remake. Lo cierto es que se nota en el cambio en la indumentaria del protagonista, pero este nuevo look casi me hace pensar más en Batman que en Robocop.

Como bien recordaréis, José Padilha, responsable de títulos como ‘Tropa de Élite‘ (2007) y su secuela, es el director encargado de hacernos olvidar al gran Paul Verhoeven, tarea harto complicada, y más si son reales los problemas que se comentaron hace unas semanas. Por lo pronto, la premisa sigue siendo la misma: En 2028, Alex Murphy es un trabajador policía que hace todo lo posible por luchar contra el crimen en Detroit. Un día recibe heridas mortales, pero OmniCorp, un centro especializado en tecnología robótica, usará sus conocimientos para salvar la vida de Alex. El problema es que eso se traducirá en una grave alteración de su fisiología, algo con lo que tendrá que lidiar mientras sigue luchando contra la chusma que puebla su ciudad.

Hace ya tiempo que se anunció que el encargado de sustituir a Peter Weller, el Robocop original, iba a ser Joel Kinnaman, joven promesa al que vimos recientemente en la discreta ‘El Invitado’ (Safe House, Daniel Espinosa, 2012). Sin embargo, es el resto el reparto el que hace a uno tener esperanza en un remake que muy poca gente demandaba, ya que en el mismo figuran nombres ilustres como los de Gary Oldman, Samuel L. Jackson, Michael Keaton (anda que no habrá gente con ganas de ver la película pensando en una lucha entre Robocop y Batman), Michael Kenneth Williams, Jennifer Ehle, Jay Baruchel y Abbie Cornish. Es cierto que ojalá el director hubiese conseguido que Michael Fassbender, su primera opción para el papel, interpretase a Robocop, pero lo que finalmente ha logrado tampoco esta nada mal.


Esta nueva versión de ‘Robocop’ llegará a los cines de Estados Unidos el 9 de agosto de 2013, mientras que su llegada a los cines españoles se producirá el 16 de agosto, apenas una semana después. Mi curiosidad ya la tienen, ¿y la vuestra?

Vía | Comic Book Movie y Coming Soon

'Ayer no termina nunca', lo nuevo de Isabel Coixet

Isabel Coixet tiene en marcha su nueva película. Miss Wasabi y A Contracorriente Films anunciaron que la directora catalana comenzará a rodar el próximo martes un guion titulado ‘Ayer no termina nunca’, con Javier Cámara y Candela Peña interpretando los papeles protagonistas.


Coixet —en la imagen con los dos Goya que ganó por ‘La vida secreta de las palabras’ (‘The Secret Life of Words’, 2005)— no ha querido desvelar nada de la trama de ‘Ayer no termina nunca’ o de los personajes que encarnarán Cámara y Peña —arriba en una escena de ‘Torremolinos 73’ (Pablo Berger, 2003)—, solo que la acción tiene lugar en el año 2017. Y que la música la va a componer Alfonso Vilallonga.

El motivo de este secretismo en torno a su nuevo trabajo es que la realizadora cree que el espectador actual recibe demasiada información, que hay una “saturación enfermiza de información”. Dice que va a intentar sorprender al público con algo inesperado, pero también quiso aclarar lo siguiente: “[…] es una especie de retorno al mundo de ‘Mi vida sin mí’ mezclado con aspectos del ahora y aquí de la situación que estamos viviendo como país“. Ya veremos de qué va todo cuando aparezca el primer tráiler.

Vía | LasHorasPerdidas
Via:blog de cine

'The 33', Patricia Riggen dirigirá la película sobre los mineros chilenos atrapados

Al fin se pone en marcha la adaptación cinematográfica del caso real de los 33 mineros chilenos que en 2010 quedaron atrapados durante 69 días en un yacimiento San José, en el desierto de Atacama. La película se titulará ‘The 33’, estará hablada en inglés aunque se filmará en Chile y la va a dirigir la realizadora mexicana Patricia Riggen.


‘The 33’ será el tercer trabajo para cine de Riggen, directora de ‘La misma luna’ (2007) y ‘Girl in Progress’ (2012). La mexicana llevará a la gran pantalla un guion de José Rivera —‘Diarios de motocicleta’ (2004), ‘On the Road’ (2012)— y Mikko Alanne. Los otros nombres vinculado al proyecto son los de los productores Mike Medavoy, Edward McGurn y Bernie Williams; de momento no hay nada oficial sobre actores, hace tiempo se habló de Brad Pitt pero todo quedó en un mero rumor. El rodaje comenzará en enero así que aún tienen bastante tiempo por delante para el casting.
Ya veremos en qué queda todo, pero teniendo en cuenta que los verdaderos protagonistas de la historia tienen que dar el visto bueno al film no creo que ‘The 33’ ofrezca un retrato crudo y honesto de lo ocurrido, supongo que se limitarán a ofrecer un entretenimiento convencional sobre el valor y la superación personal. ¿Qué opináis vosotros?

Vía | Variety

'Silver Linings Playbook' de David O. Russell triunfa en el Festival de Toronto

Solo una semana después de descubrir el palmarés del festival de Venecia ya han sido anunciados los títulos ganadores del cada vez más relevante certamen de Toronto. La película triunfadora de la 37ª edición ha sido ‘Silver Linings Playbook’, el nuevo trabajo de David O. Russell —‘Tres reyes’ (‘Three Kings’, 1999), ‘The Fighter’ (2010)—.

Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver y Chris Tucker encabezan el reparto de ‘Silver Linings Playbook’, la historia de un hombre (Cooper) que trata de recomponer su vida tras un tiempo recluido en un hospital psiquiátrico y un amargo divorcio; en su camino se cruza una problemática chica (Lawrence) y entre ambos intentarán encontrar la felicidad. Tras obtener el premio del público en Toronto —allí los galardones no los decide ningún jurado—, la película, que cuenta con el apoyo de The Weinstein Company, ya está considerada como una de las grandes favoritas para la próxima edición de los Oscar. Se estrena el 21 de noviembre en EE.UU., de momento no hay fecha para España.


Os dejo a continuación el palmarés completo de Toronto 2012:

• Mejor película: ‘Silver Linings Playbook’, de David O. Russell

• Mejor documental: ‘Artifact’, de Bartholomew Cubbins

• Premio del público en la sección “Midnight Madness”: ‘Seven Psychopaths’, de Martin McDonagh

• Mejor película canadiense: ‘Laurence Anyways’, de Xavier Dolan

• Mejor ópera prima canadiense: ‘Antiviral’, de Brandon Cronenberg, y ‘Blackbird’, de Jason Buxton

• Premio FIPRESCI de la crítica internacional en la sección “Special Presentations”: ‘In The House’, de François Ozon

• Premio FIPRESCI en la sección “Discovery”: ‘Call Girl’, de Mikael Marcimain

• Mejor película asiática: ‘The Land of Hope’, de Sion Sono

• Mejor cortometraje canadiense: ‘Keep a Modest Head’, de Deco Dawson

Cabe destacar que este año se han estrenado en el festival de Toronto películas tan esperadas como ‘Looper’ (Rian Johnson), ‘El atlas de las nubes’ (‘Cloud Atlas’, Wachowski Brothers y Tom Twyker), ‘Argo’ (Ben Affleck), ‘Anna Karenina’ (Joe Wright), ‘Great Expectations’ (Mike Newell), ‘Byzantium’ (Neil Jordan), ‘Capital’ (Costa-Gavras) o ‘Much Ado About Nothing’ (Joss Whedon), entre otras. También se pudo ver allí por primera vez dos interesantes producciones españolas, ‘Lo imposible’ (J.A. Bayona) y ‘Blancanieves’ (Pablo Berger).

Vía | Indiewire
Via:blog de cine

Resident Evil se come a Nemo en el box office norteamericano

La taquilla norteamericana no vuelve a tocar suelo pero tampoco se aleja de él todo lo que se esperaba o se deseaba. De momento la recaudación de este nuevo fin de semana de septiembre es de 84,2 millones de $, 17  millones más que la pasada semana pero 18 millones por debajo del mismo periodo de hace un año justo cuando Disney empezaba su oleada de reestrenos con El rey león. Los dos grandes estrenos se comportan como pueden en la cartelera, pero han sido los dos lanzamientos reducidos de la semana, Arbitrage y The Master, los que se han llevado la palma a nivel de salas llenas.  Por fortuna se han visto buenos mantenimientos de muchos de los títulos fuertes de pasadas semanas.

Resident Evil se coloca en lo más alto esta semana con un dato de 21 millones de $ en 3.012 cines, lo que le deja una media por sala de 7.005$. No es el mejor estreno de la saga pero no se aleja en exceso de los datos vistos por el segundo y tercer capítulo, que en ambos casos se movieron en los 23 millones de $. Supera los 17,7 millones del film original pero se queda un 20,6% por detrás de los 26 de la cuarta película estrenada hace dos años y con el extra del 3D. Con ello es de deducir que se produce una caída importante en la presencia de espectadores, pero no por ello nada alarmante para que la franquicia siga su camino.
La cinta concentra cerca del 40% de las cifras en su estreno el viernes – 8,4 millones de los cuales 0,66 venían de los pases de medianoche. Fanbase hay y ahora toca esperar que el día a día será similar a las anteriores películas, alcanzando los 50-55 millones de $. Como se apuntaban en las previsiones, el verdadero negocio de la franquicia de Screen Gems y Sony está en el mercado internacional.

El otro gran estreno de la semana era Buscando a Nemo, reestreno en 3D que llegaba con 2.904 copias y mucha presencia mediática y nada de competencia. Los 17,5 millones de $ recaudados por la cinta de Pixar – una de las más queridas de la casa – son una cierta decepción ya que se alejan mucho del rango de 25-30 millones que tanto Disney como casi todos los analistas esperaban de este reestreno. Nemo tenía más elementos a su favor que en contra: potencial, una enorme masa de audiencia sin nada por donde decantarse en estos momentos y el fanbase de Pixar. No es un fracaso, sobretodo por costes sino por expectativas.
De momento la cifra se coloca a la par con los 17,75 millones de $ del reestreno de La bella y la bestia en enero. Ahora toca esperar a ver si el mantenimiento incluso mejora el de aquel film, que llegó a los 47,6 millones. Los 50 millones podrían ser un dato más positivo a la espera de ver como la cinta reestrena en otros mercados fuertes. Comprando con El Rey León, aquella se estrenaba a estas alturas con 30,15 millones de $ para terminar su carrera en los 94,2 millones.

Mencionar el mal estreno de la película Last Ounce of Courage, estrenada por los mismos responsables que 2016 Obama’s America, a que pese al empujón que han dado en el mismo sector de audiencias no ha convencido. Solo recauda 1,7 millones de $ en 1.407 cines lo que deja una media ridícula de 1.214$. A todo esto el documental Obama’s America suma 2 millones y supera ya los 30 millones de $.
A partir de aquí toca ver los mantenimientos que por lo general han sido bastante positivos. La película de terror The Possession cae un excelente 37% hasta los 5,8 millones de $ que ya la colocan en los 41,1 millones y con serias posibilidades de superar los 50 millones. La carrera de la cinta es muy positiva para el tipo de género que es.

Lionsgate también puede sentirse orgullosa de superar los 80 millones de $ esta semana con The Expendables 2, con la que genera 3 millones en esta quinta semana. El film ya debería poder alcanzar los 85 millones.
En el medio los Weinstein suman otros 4,2 millones de $ con Lawless, que ya supera los 30,4 millones. Presenta uno buen descenso del 30%, muy en la línea general, y mantiene una media en torno a os 1.370$. De momento los 40 millones son una cifra a la que vuelve a aspirar y que debe considerarse como óptima por el tamaño de película que es.

La distribuidora era responsable esta semana del estreno de The Master, la nueva cinta de Paul Thomas Anderson que llegaba con enorme poder mediático. El nombre de su autor, las excelentes críticas ya despertadas en el Festival de Venecia y todas las expectativas que se habían creado alrededor de la película han sido suficientes como para darle el mejor promedio por sala de lo que llevamos de año: 146.000$ en cada uno de los 5 cines en los que ha estrenado. Supera las cifras de Moonrise Kingdom y estamos ante un estreno platform que irá ganado relevancia a medida que va empezando la carrera de los premios.
Volviendo a los mantenimientos muy positivos han sido los de ParaNorman, El legado de Bourne, The Odd Life of Timothy Green y The Campaign, que pese a perder muchas copias, solo descienden entre un 27 y un 31%. ParaNorman y Timothy Green ya se sitúan en los 49,3 y los 46,2 millones, mientras que Bourne roza los 108 millones. La comedia The Campaign está en los 83 millones.

El estreno de la pasada semana, The Words, cae un poco emocionante 39% hasta los 2,88 millones de $ que dejan el total en unos pobres 9,16 millones de $. La cinta no se salva y no presenta un descenso como el resto del films del top10. Su media es de poco más de 1.000$ por lo que ya la semana que viene es de esperar que pierda un alto número de copias. Su total podría quedarse en los 12 millones de $.

Mencionar el estreno reducido de Arbitrage, que con 200 copias de la mano de Roadside Attractions se coloca en los 2 millones de $, superando los 10.000$ por sala. El film, con Richard Gere y Susan Sarandon, partía con excelentes críticas y la distribuidora – filial de Lionsgate – se lanzaba como opción de prestigio y con un toque de suspense. Se ha optado a seguir los pasos de Margin Call, con una buena presencia entre medios adultos y cinéfilos y estrenando también en VOD. Con ello la cinta ya había generado ruido e interés ya que se colocó como el segundo film más visto en iTunes y en otras plataformas.

La ventaja clara es el tipo de película – suspense, drama y prestigio – que gracias a un casting y una relevancia está “andando” un camino antes de su estreno más que importante. Ya la pasada semana los Weinstein vieron algo similar, pero en muchos menos cines, con The Bachelorette.

Via:Bos office

Texto:Pau Brunet