El canadiense Denis Villeneuve ('Incendies') debuta en EE UU con un
intenso thriller lleno de grandes intérpretes: Jackman, Jake Gyllenhaal,
Paul Dano, Melissa Leo... Por CINEMANÍA
Puede que ahora mismo todos pensemos en Hugh Jackman como Lobezno de cara al inminente estreno de Lobezno inmortal(¿ya le has visto enseñando las garras en nuestra portada de julio?),pero el actor australiano también tiene una sólida carrera dramática fuera del mundo blockbuster. Su otra gran película del año es Prisoners, el primer largometraje del cineasta canadiense Denis Villeneuve (Incendies) en EE UU, que recupera un guión de la Black Listobra de Aaron Guzikowski (Contraband) sobre
un hombre destrozado por el secuestro de su hija pequeña junto a una
amiga. Jackman es el protagonista, que intentará tomarse la justicia por
su mano (aunque esto no es una nueva secuela de Venganza, ojo), y el resto del reparto está plagado de intérpretes de altura: Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Melissa Leo, Maria Bello, Terrence Howard, Viola Davis... Al final, se trata de un elenco que bien puede llevar este thriller a la temporada de premios por la puerta grande. Sólo nos gustaría que, a juzgar por el poderoso aunque quizás demasiado revelador tráiler, sobre el desarrollo no pesara tanto el estigma de posible telefilme de lujo, pero confiemos en Villeneuve y sus actores.
La nueva película de la saga, en la que regresa Arnold
Schwarzenegger, no se relacionará con las anteriores y comenzará su
propia continuidad. Si todo sale bien, vaya. Por CINEMANÍA
Ya existe comunicado oficial de Paramount: el 26 de junio de 2015 tendremos una nueva película de Terminator con Arnold Schwarzenegger. En realidad, poco más se sabe. Sólo que confirma las palabras del propio Arniesin especificar el grado de protagonismo que tendrá el actor austríaco en el guión que están escribiendo Patrick Lussier (Furia ciega) y Laeta Kalogridis (Shutter Island, Avatar). La gran novedad de la nota oficial es afirmar que lo que hasta ahora conocíamos como Terminator 5 en realidad será un reboot de la franquicia en todos los sentidos, con sus propios planes para iniciar una trilogía independiente (recordemos que Terminator Salvation ya
lo pretendía en 2009 hasta que se pegó el batacazo), que, eso sí,
debería quedar completada antes de 2019, momento en el que los derechos
del T-800, Skynet y demás volverán a James Cameron. Pero al menos esos son los planes de Megan y David Ellison, los productores de moda en Hollywood (La noche más oscura, The Master, Misión Imposible - Protocolo fantasma, Star Trek: En la oscuridad, Guerra Mundial Z), que tampoco han dicho nada de ciertos rumores aparecidos la semana pasada sobre la posibilidad de que Dwayne Johnson se
incorporara al reparto. Una película con Schwarzenegger y The Rock
juntos bien valdría una apocalíptica rebelión de las máquinas, ¿no?
El director de 'El sexto sentido' estrena en España su décima
película en medio del desprestigio absoluto de crítica y público. ¿Qué
ha cambiado desde que se le consideraba como el sucesor de Steven
Spielberg? Por DANIEL DE PARTEARROYO
A día de hoy da un poco de vértigo reconocerlo, pero, hace poco más de una docena de años, M. Night Shyamalan era uno de los directores de cine más respetados y mejor valorados de Hollywood. Sí, el realizador de After Earth,cuyo
nombre hay que buscar con lupa en los carteles promocionales del filme y
cuya vinculación ha sido pasada por alto en beneficio de la presencia
de Will Smith y su hijo Jaden Smith, llegó a ser considerado como el sucesor natural de Steven Spielberg y hoy se dedica a filmar vehículos para el lucimiento de hijos de estrellas que, para más inri, son ridiculizados como propaganda cienciológica.¿Cómo
hemos llegado a esta situación? ¿Puede decirse que el propio Shyamalan
se lo ha buscado, o ha sido víctima de la circunstancias?
De entre los muertos
Vayamos atrás en el tiempo. El 6 de agosto de 1999 se estrenó en EE UU El sexto sentido, un modesto thriller fantástico que consiguió más de 26,5 millones de dólares en
su primer fin de semana y se colocó primero en taquilla, posición que
mantendría durante cinco semanas convirtiéndose en el gran sleeper del verano. Era la tercera película que dirigía y escribía Shyamalan, pero la primera en disfrutar de una distribución masiva (vía Buena Vista, es decir, Disney) que no habían obtenido sus anteriores (y ya a partir de entonces ignoradas) Praying with Anger (1992) y, con Miramax, Los primeros amigos (1998). Además de recordar a espectadores de todo el mundo que Bruce Willis podía ser un gran actor fuera del género de acción, El sexto sentido lanzó a la fama a su estrella infantil, Haley Joel Osment (quien lo mismo a día de hoy no está muy agradecido),y recuperó la moda del twist ending o final sorpresa a una escala mucho mayor de la abarcada por Sospechosos habituales unos años antes.
De repente, todo eran alabanzas hacia Shyamalan y su afinada visión
comercial no exenta de buen acabado visual y una intrigante historia
original. Aunque el estreno ese mismo año de El último escalón, la adaptación de David Koepp sobre una novela de Richard Matheson de
los años 50 con otro niño que "ve a los muertos", ya amenazó con abrir
una pequeña grieta en el triunfo del cineasta indio. En vano: las cifras
de El sexto sentido, estrenada antes, aplastaban por mayoría.
Irrompible
En el cambio de milenio, M. Night Shyamalan parecía imparable. Sobre su mesa se acumulaban propuestas como escribir Indiana Jones IV para su ídolo Spielberg o
dirigir la primera adaptación de esa saga literaria de una escritora
británica protagonizada por un mago con gafas que lo petaba entre el
público juvenil. Pero él escogió poner en pie su propio ambicioso
proyecto: una trilogía superheroica con Bruce Willis como
protagonista y, por supuesto, distinta a todo lo hecho anteriormente en
el género. Sólo llegó a terminar la historia de origen y creación del
héroe, El protegido (2000).
En este caso la incomprensión vino desde la taquilla: sus 248 millones de dólares quedaban muy lejos de los más de 672 millones amasados por El sexto sentido, un
filme que había costado casi la mitad. Sin embargo, la frescura de la
propuesta en un ecosistema todavía no saturado de superhéroes (o al
menos no tanto como el actual), las poderosas interpretaciones de Willis y Samuel L. Jackson, una partitura de James Newton Howard en estado de gracia o la poco sutil pero resultona reflexión sobre la naturaleza del héroe que enunciaba dieron a El protegido cierto aura de título de culto y contribuyeron a reforzar el estatus de Shyamalan entre los cinéfilos. En vez de venderse a Hollywood, había decidido arriesgarse siguiendo su propio camino.
Primeras señales
Señales (2003), además de ser el mayor éxito de su carrera sólo después de El sexto sentido, marcó un punto de inflexión definitivo en la dirección de la filmografía de Shyamalan y
también en cómo ésta era percibida por la crítica y el público. Su
invasión alienígena desde un punto de vista a pie de calle propició el
cénit en las comparaciones con Spielberg (el suspense minimalista de Tiburón) y Hitchcock (la amenaza silenciosa y la claustrofobia de Los pájaros), pero
también empezaron a verse las costuras en unos diálogos y una
estructura dramática instrumentales, orientados sólo a epatar al
espectador con efectismos carentes de lógica argumental como
claudicación a la necesidad de un final sorpresa. Por resumir, si "En ocasiones veo muertos" había entrado con fuerza en la cultura pop, "Batea fuerte" lo hizo directamente por la puerta de la chufla y la burla.
También se encendieron las alarmas ante lo que pasarían a ser dos
marcas de estilo: la narración alegórica como fin en sí mismo (toda la
película termina constreñida en una parábola reflexiva sobre la fe) y
una ampliación a personaje secundario de los antes cameos del director.
El fantasma del ego, ayudado por una actuación justita si somos
benévolos, empieza a asomar en las críticas.
La burbuja se desmorona
Muchos la consideran el punto de no retorno, pero todavía hay algunos motivos para tener aprecio a El bosque (2004).
Y no nos referimos precisamente a su pirueta argumental post-11S que
adolece de esa instrumentalización alegórica de la que hablábamos antes
(la credibilidad se suspende en pos de un mensaje final), sino a valores
potentes como la actuación de Bryce Dallas Howard o la fotografía atmosférica de Roger Deakins. Entre las causas de la mala fama de El bosque no hay que pasar por alto una campaña promocional por parte de Buena Vista (última
colaboración entre el cineasta y la distribuidora, que puso fin a una
relación de cinco años) que, sin ningún miramiento, publicitó el filme
como una película de terror y monstruos espinosos entre los árboles.
La época de mayor apogeo de los foros en internet, que empezaban a
dar paso a la hegemonía de los blogs, albergó encendidas polémicas con
detractores que se sentían estafados por el filme. Pero Shyamalan seguía
teniendo un indudable tirón en taquilla, por mucho que su demiúrgica
aparición final volviera a encender los ánimos de la crítica. Por poner
un ejemplo, el popular Roger Ebert la incluyó en su lista de películas más odiadas de todos los tiempos y le dedicó frases tan bonitas como: "Llamar a su final un anticlímax sería un insulto no sólo para los clímax, sino también para los prefijos". La radicalización
Shyamalan tuvo la oportunidad de filmar la adaptación de La vida de Pi, la novela de Yann Martel que le acabaría brindando un Oscar de Mejor dirección a Ang Lee, pero
desestimó el proyecto porque consideró que el final sorpresa del libro
terminaría por encasillar su carrera [risas aquí]. En cambio, decidió
utilizar el respaldo económico de los grandes estudios que aún tenía y
darlo todo en dos películas insólitas y radicalmente personales. Primero
vino La joven del agua (2006), un nuevo
cuento alegórico (y van...) sobre el arte de la narración o,
directamente, el cine, donde el propio Shyamalan es el héroe por encima
del protagonista y los desagradables e insoportables críticos son
humillados y devorados. Las sutilezas, si eso, para otro día.
Después llegó El incidente (2008), una de esas películas que creemos merecedoras de una segunda oportunidad,
aunque sea sólo por la determinación de su autor para nadar a
contracorriente de cualquier expectativa posible. Quizás más hermética y
autista incluso que La joven del agua, El incidente fue un misil autoral de terror minimalista (¡el viento!) y desnaturalizaciones actorales dignas de Bresson que, sin embargo, cristalizó como blanco de bromas a costa de Mark Wahlberg hablándole a una planta y poco más. Algo a lo que el propio actor se ha sumado: "Fue una película realmente horrible. Joder si lo fue. Los putos árboles, tío. Las plantas. Menuda mierda". El desvanecimiento
En 2010, Airbender, el último guerrero marcó la gran debacle crítica de Shyamalan o, como algunos empezaron a llamarlo, "El último maestro en la venta de aire". Adaptación personal de la serie de animación de Nickelodeon sobre
el enfrentamiento entre unas tribus que pueden manejar cada uno de los
cuatro elementos, la película terminó siendo un jaleo mitológico
demasiado infantilizado para el público adulto, demasiado caóticamente
verbalizado para el público infantil y, en definitiva, demasiado
incomprensible para cualquiera. La crítica no tuvo piedad con su chivo
expiatorio favorito y, cargada de razones ante el estrafalario y
fácilmente ridiculizable esperpento 3D que tenía delante, se cebó con
saña ("tan escandalosamente mala que es un milagro que llegara a rodarse"),aunque la taquilla internacional le salvó una vez más los muebles al director con casi 320 millones de dólares que, de todas formas, fueron una cifra de lo más decepcionante para un filme con pretensiones de franquicia.
¿Por qué películas con tanto atractivo taquillero como 'Star
Trek: En la oscuridad' llegan a nuestras pantallas con meses de retraso?
Por YAGO GARCÍA
No es nada demasiado nuevo. El año pasado, sin embargo, tuvimos una situación muy similar cuando Prometheusllegó
a nuestras pantallas tres largos meses después de estrenarse en Estados
Unidos. Tampoco es excesivamente grave, siempre que a uno le sobre la
paciencia y venza la tentación de pronunciar la palabra screener. Pero, en pleno verano de 2013, es un buen momento para llamar la atención sobre un hecho irritante: ¿por qué hay grandes producciones de Hollywood que llegan a España con tantas semanas de retraso?
Puestos a buscar un ejemplo histórico, podría decirse que En busca del Arca perdida se
estrenó en Madrid en octubre de 1981, cuando al otro lado del charco
había podido verse a comienzos del verano. Y eso sería muy cierto. Como
también lo es que, pese a mediar un abismo entre la distribución de cine
de entonces y la de ahora, Star Trek: En la oscuridadestará disponible aquí el próximo viernes 5 de julio (en
la mayor parte de Europa, incluyendo Reino Unido y Alemania, llegó a
las salas en mayo), y que tendremos que esperar hasta el 2 de agosto para ver Guerra Mundial Z, otro de los estrenos más interesantes que las majors nos pueden ofrecer actualmente. El cual, para mayor recochineo, habrá tenido ya por esas fechas su estreno comercial en más de 50 países. Si observamos las listas de fechas de esteno que
ofrece IMDb para ambos filmes, por otra parte, constatamos que, a
España, tanto Star Trek como Guerra Mundial Z van a
llegar con el carrito del helado, como dice la expresión popular: sus
lanzamientos en nuestro país están entre los últimos del calendario, con
las consecuencias negativas que ello implica. Una de ellas, bastante
anecdótica, es la inundación de spoilers en internet: a estas alturas del cuento, hace falta mucha fuerza de voluntad, o mucho desinterés, para no saber ya a quién da vida Benedict Cumberbatch en la película de J. J. Abrams. Amén
de la rabia que da encontrarse con multitud de comentarios e
informaciones destinadas a un público que ya ha podido ver la película.
La otra consecuencia en la que pensamos nosotros no es tan lesiva
para el público como puede serlo para las compañías. Porque, aunque
ningún cinéfilo que se respete acudirá de primeras a una grabación mal
hecha con una videocámara en un cine (o eso queremos creer aquí), la
tentación que despiertan las palabras "dvd rip" vistas
en un enlace puede ser mucho más poderosa. Claro, luego llegan los
lloros y quebrantos cuando cintas de gran interés se quedan sin pantalla
aquí, excusándose la industria en el socorrido argumento de "la piratería" para dejarlas inéditas. ¿O es que nadie recuerda el caso de La cabaña del bosque?
"La razón que dan las distribuidoras, y que yo me creo, es
que hay que hacer hueco para los estrenos: un mercado como el de EE UU,
con millones de espectadores potenciales, puede absorber una cantidad de
lanzamientos que desbordarían en España", nos comenta Luis Martínez, jefe de Cultura del diario El Mundo y ex director de CINEMANÍA. Posteriormente, Martínez apunta a otros motivos para esta situación, como que las mismas majors no quieran ver cómo sus propios filmes se hacen sombra entre ellos: no olvidemos que Star Trek: En la oscuridad y Guerra Mundial Z pertenecen a Paramount.
Todo esto, por no hablar de otro detalle importante: las distribuidoras cobran a los exhibidores en proporción al número de copias y al de entradas vendidas. España, un país con cifras de asistencia a veces catastróficas y en el que se están cerrando cines,
no es precisamente un mercado goloso a la hora de mantener beneficios.
Lo cual obliga a dosificar el número de estrenos a fin de implantar una
misma película en múltiples pantallas de una vez, controlando la demanda
y asegurando grandes cifras de taquilla. ¿Algo más? Pues sí: según Luis
Martínez, "la actitud de los exhibidores suele ser conservadora, y no les gusta hacerse la competencia unos a otros".
Ahora que nos hemos desahogado, es conveniente reconocer que el
panorama no es apocalíptico. Durante este verano veremos estrenos
simultáneos en España y EE UU (Lobezno inmortal) o casi simultáneos (Elysium).
Pero, como ya hemos visto, estas situaciones confirman el panorama de
un mercado debilitado, y situado cada vez más en la periferia de la gran
industria. Lo cual, como recuerda Luis Martínez, tiene consecuencias
menos llamativas, pero también perjudiciales: "Los blockbusters, en el fondo, siempre estarán a salvo. Pero a mí me preocupa más que películas con premio en Cannes como Laurence Anyways lleguen
con años de retraso. O que otros filmes que son tema de conversación en
el mundo civilizado aparezcan aquí tarde y mal, todo porque una
distribuidora no puede lanzarlos en condiciones o no sabe qué hacer con
ellos".
Agustí Villaronga nunca había sido un director cuyas
películas gozasen del calor del público pese a haber rodado cintas muy
estimables desde que diese el salto al largometraje en 1987 con la
notable ‘Tras el cristal‘. De hecho, tardó ocho años en sacar adelante una nueva película desde el estreno de la estimable ‘Aro Tolbukhin – En la mente del asesino‘ (2002), pero ‘Pa Negre‘ (2010) sí gozó de una acogida más cálida gracias sobre todo a los 9 Goyas que se llevó para casa. Ahora acaba de saberse que ‘Creta‘ será el siguiente trabajo tras las cámaras de Villaronga.
‘Creta’
nos narrará la historia de amor entre dos adolescentes de un colegio
francés —la película se rodará en dicho idioma—, sabiéndose ya que Vincent Cassel y su esposa Monica Bellucci
interpretarán a los progenitores de los dos adolescentes enamorados.
Está previsto que el rodaje tenga lugar durante el próximo otoño, por lo
que no debería tener problemas para llegar a nuestros cines a mediados o
finales de 2014.
Aquí os traemos un cartel y tráiler que aún no habíamos publicado. Se trata de la película ‘Paranoia’, dirigida por Robert Luketic —director de lindezas como ‘21: Blackjack’ (id, 2008) o ‘Killers’ (id, 2010)— y cuyo mayor atractivo está en la presencia en el reparto de Harrison Ford y Gary Oldman, que acompañan —y enseñan, imagino— a los jóvenes Liam Hemsworth y Amber Heard.
La historia versa sobre un joven prometedor que comete un grave error
en la empresa en la que trabaja y para evitar la cárcel acepta
convertirse en un espía corporativo. En su nuevo trabajo tendrá un gran
éxito a todos los niveles; el problema llegará cuando tenga que
traicionar a sus nuevos compañeros. No suena muy interesante, la verdad.
Cartel más bien soso y tráiler de esos que casi explican entera la
película. El 16 de agosto llega a los cines estadounidenses sin que se
conozca aún una fecha de estreno en nuestro país. Lo cierto es que la
película no tiene muy buena pinta, aunque el ver a Harrison Ford y Gary Oldman enfrentados puede tener su gracia. ¿No os parece un tanto extraña la carrera de Ford en los últimos años?
En los últimos días ha habido cambios importantes en la cúpula directa de Warner, habiéndose seleccionado a Greg Silverman
para liderar la compañía. Se ve que Silverman no quiere dormirse en los
laureles, ya que ha tardado bien poco en sacar adelante su primer
proyecto ambicioso: la adaptación cinematográfica de la novela aún no
publicada ‘Mean Business On North Ganson Street‘ de S. Craig Zahler con Leonardo DiCaprio y Jamie Foxx dando vida a los protagonistas de la función.
Todos recordaréis que hace bien poco que pudimos ver juntos a DiCaprio y Foxx en ‘Django desencadenado‘ (‘Django Unchained’, 2012), un notable éxito comercial —es la película más taquillera entre todas las dirigidas por Quentin Tarantino—
y también artístico, ya que se llevó dos estatuillas en la última
entrega de los Oscar. DiCaprio también ejercerá como productor de la
película, poniendo así punto final a sus ganas de tomarse un tiempo
sabático alejado del estrés del mundo del cine. Lo que aún se desconoce
es la identidad del director encargado de llevar ‘Mean Business On North
Ganson Street’ a buen puerto.
Por su parte, Zahler se encargará de adaptar su propia novela, donde
un rudo detective ha perdido su buena reputación por no cuidar las
formas con uno de sus clientes, por lo que es destinado a Victory, una
localidad de Missoury en la que el crimen con violencia abunda cada vez
más. Allí tendrá que formar equipo con otro detective muy cuestionado
tras haber atacado físicamente a un sospechoso. Sin embargo, ellos serán
la gran esperanza para resolver un caso en el que empiezan a apilarse
los cadáveres de agentes de policía. La premisa me gusta pese a no ser
demasiado original, que cuenten conmigo.
Éxito inesperado del verano de hace tres temporadas, ‘Gru, mi villano favorito‘ (‘Despicable me’, Pierre Coffin, Chris Renaud, Sergio Pablos, 2010), filme de animación producido por la Universal, reportó a las arcas de la major
la nada desdeñable cifra de 543 millones de dólares de recaudación
mundial, 251 de los cuales correspondieron a territorio norteamericano.
Nada mal para un filme con un presupuesto de 69 millones que, a priori, parecía que no iba a ofrecer nada nuevo.
Y no es que la historia de este villano carismático que pretende
robar la luna y termina haciéndose cargo de tres encantadoras huérfanas
fuera un alarde de originalidad, pero el tono ligero de la narración y,
sobre todo, los desopilantes minions —esos seres amarillos artificialmente creados por Gru que recuerdan, y mucho, a los lemmings de los videojuegos— hacían que los noventa y cinco minutos de metraje se pasaran volando con no pocas risas de por medio.
Estaba claro que, uniendo a la mastodóntica taquilla de la cinta el potencial de los citados minions y las ganas de Chris Renaud y Pierre Coffin,
dos de los tres directores del filme, de regresar al universo que
habían creado para la cinta, pocas dudas se podían albergar al respecto
de una inevitable secuela que llegará a las pantallas españolas el próximo 5 de julio, tan sólo dos días después de su estreno en Estados Unidos.
El argumento
Ahora que el incansable y emprendedor Gru ha dejado atrás una vida
dedicada a las fechorías para criar a Margo, Edith y Agnes, dispone de
mucho tiempo libre para disfrutarlo con ellas, el Dr. Nefario y los
minions. Pero, justo cuando empieza a adaptarse a su papel de hombre de
familia, una organización mundial ultrasecreta dedicada a la lucha
contra el mal llama a su puerta. Junto con su nueva compañera de
aventuras, Lucy Wilde, Gru tendrá que descubrir quién es el responsable
de un espectacular crimen y llevarlo ante la justicia. Y es que hace
falta echar mano del mayor ex-villano del mundo para atrapar a quien
aspira a ocupar ese lugar.
Los directores
Chris Renaud, una de las dos fuerzas motoras que dirige ‘Gru 2’
comenzó su labor como artista trabajando primero como diseñador gráfico y
después como dibujante de cómics para Marvel y DC antes de pasarse al
mundo de la animación de la mano del Disney Channel. Trabajando después para los estudios Blue Sky, donde se implicaría en el rodaje de ‘Robots‘ (id, Chris Wedge, 2005) o ‘Ice age 2: el deshielo‘ (‘Ice Age 2: the Meltdown’, Carlos Saldanha, 2006), Renaud terminaría calando en Illumination Studios,
la compañía con la que ha firmado para el desarrollo de cuatro filmes
de los que ya ha entregado las dos primeras entregas de ‘Gru’ y ‘Lórax. En busca de la trúfula perdida‘ (‘Dr. Seuss’ The Lorax’, 2012).
Por su parte, Pierre Coffin es un animador francés que tras colaborar
en aquella olvidada producción animada de Steven Spielberg que fue ‘Rex, un dinosaurio en Nueva York‘
(‘We’re Back! A Dinosaur’s Story’, Simon Wells, Phil Nibbelink, Dick
Zondag, Ralph Zondag, 1993) se estableció de forma independiente
trabajando como dibujante, supervisor de animación y finalmente
director, siendo la anterior entrega de ‘Gru’ su primer trabajo en un
largometraje de “dibujitos” en el que también puso voces a los minions.
El reparto
Con las voces en versión original de Steve Carell como Gru —el actor apareció caracterizado como su personaje hace poco en el programa de Ellen DeGeneres—, la humorista Kristen Wiig como la agente que reclutará al villano para convertirlo en héroe y Rusell Brand como el Dr. Nefario, ‘Gru 2’ vuelve a contar de cara al doblaje español con Florentino Fernández.
El presentador y actor ya es un asiduo al mundo del doblaje, y ha
puesto su voz para dar vida a personajes como Austin Powers o Po, el
panda de ‘Kung-fu panda‘ (id, Mark Osborne, 2008).
En lo que al doblaje de la protagonista femenina se refiere, mucho me
temo —por lo poco que se ha podido escuchar en los tráilers— que
tendremos que hacer de tripas corazón para poder aguantar a Patricia Conde como la agente Lucy Wilde, recordando esta decisión a aquella que hizo que Esther Arroyo participara en las labores de voz de ‘Los Increíbles‘ (‘The Incredibles’, Brad Bird, 2004).
Se estrena en Estados Unidos la última película de Roland Emmerich, 'Asalto al Poder' (3,222 salas), thriller de acción y suspense en el que, al igual que ocurría en la reciente 'Objetivo: La Casa Blanca',
un grupo terrorista pondrá en peligro la vida del mismísimo Presidente
de Estados Unidos, Jamie Foxx, quien encontrará en la figura de Channing
Tatum a su John McClane particular. Y de una película "para ellos" a
una película "para ellas", la comedia de acción 'Cuerpos especiales' (3,181 salas), nuevo trabajo del realizador Paul Feig ('La boda de mi mejor amiga')
en la que Sandra Bullock y Melissa McCarthy dan vida a dos antagónicas
agentes de policías unidas por las circunstancias en un mismo caso. Por
último destacar el estreno, de manera limitada, de la última película de
nuestro Pedro Almodóvar, 'Los amantes pasajeros'... la cual será
conocida por aquellas tierras como 'I'm So Excited'.
Título: Asalto al Poder Título original: White House Down País: USA Estreno en USA: 28/06/2013 Estreno en España: 06/09/2013 Productora: Columbia Pictures (Sony) Director:Roland Emmerich Guión: James Vanderbilt Reparto: Channing Tatum, Jamie
Foxx, Maggie Gyllenhaal, James Woods, Richard Jenkins, Jason Clarke,
Jake Weber, Lance Reddick y Joey King
Sinopsis:
Narra el asalto de la Casa Blanca por parte de un grupo de paramilitares.
Título: Cuerpos especiales Título original: The Heat País: USA Estreno en USA: 28/06/2013 Estreno en España: 11/10/2013 Productora: 20th Century Fox, Chernin Entertainment Director: Paul Feig Guión: Katie Dippold Reparto: Sandra Bullock, Melissa McCarthy, Thomas F. Wilson, Demian Bichir, Tony Hale, Taran Killam, Michael Rapaport
Sinopsis:
Gira en
torno a una irritable agente especial del FBI y una poco convencional
agente de policía de Boston que tienen que formar equipo para detener a
un gánster ruso que le ha dado por liarla parda en Estados Unidos.
Título: Los amantes pasajeros Título original: País: España Estreno en USA: 28/06/2013 Estreno en España: 08/03/2013 Lanzamiento en DVD (alquiler): 17/07/2013 Productora: El Deseo S.A. Director:Pedro Almodóvar Guión: Pedro Almodóvar Reparto: Javier Cámara, Cecilia
Roth, Lola Dueñas, Raúl Arévalo, Carlos Areces, José María Yazpik, Paz
Vega, Miguel Ángel Silvestre, Guillermo Toledo, Hugo Silva, Laya Martí,
Penélope Cruz, Antonio Banderas Calificación: No recomendada para menores de 16 años
Sinopsis:
Un grupo de personajes variopintos viven una situación de riesgo dentro de un avión que se dirige a México D.F.
La indefensión ante el peligro provoca una catarsis generalizada que
acaba convirtiéndose en el mejor modo de escapar a la idea de la muerte.
Esta catarsis, desarrollada en tono de comedia desaforada y moral,
llena el tiempo de confesiones imprevisibles que les ayudan a olvidar la
angustia del momento y a enfrentarse al mayor de los peligros, el que
cada uno lleva dentro de sí mismo.
Título original: Some Girl(s) País: USA Estreno en USA: 28/06/2013 Estreno en España: Productora: Director:Jennifer Getzinger Guión: Neil LaBute Reparto: Adam Brody, Kristen Bell, Emily Watson, Jennifer Morrison, Zoe Kazan, Mía Maestro
Sinopsis:
Su
carrera como escritor está floreciendo, y su bella y joven prometida
está a la espera de casarse y salir corriendo a Cancún a su lado, así
que: ¿cuál es su reacción natural? Bueno, si usted es un hombre, es
probable que se ponga nervioso y empiece a llamar a antiguas novias. Y
así comienza la odisea de un solo hombre a través de cuatro habitaciones
de hotel, mientras vuela por todo el país en busca de la mujer perfecta
(alguna de sus ex que ya ha roto con anteriormente él). Some Girl (s)
es la última obra de Neil Labute, gran provocador de teatro americano .
En las manos de LaBute, un relato serio resulta tremendamente divertido,
es hilarante ver cómo un típico joven estadounidense se pasea por la
oscuridad de su propio corazón.
Título original: Hummingbird País: UK Estreno en USA: 28/06/2013 Estreno en España: Estreno en Reino Unido: 17/05/2013 Productora: IM Global, Lionsgate Director:Steven Knight Guión: Steven Knight Reparto: Jason Statham, Agata Buzek
Sinopsis:
La
historia se centrará en un ex soldado de las fuerzas especiales del
ejército británico atrapado en el submundo criminal londinense.
Notas de producción:
- La película supondrá el debut en la dirección para Steven Knight, guionista de 'Eastern Promises' y 'Furia de Titanes 2'.
Título original: Detention of the Dead País: USA Estreno en USA: 28/06/2013 Estreno en España: Productora: Gala Films Director:Alex Craig Mann Guión: Alex Craig Mann Reparto: Jacob Zachar, Alexa
Nikolas, Christa B. Allen, Jayson Blair, Justin Chon, Max Adler, Joseph
Porter, Michele Messmer, Adam DeFilippi, Bernie Allemon
Sinopsis:
Un grupo
de excéntricos estudiantes de secundaria se encuentran atrapados en el
aula de castigo cuando sus compañeros se convierten en una horda de
zombis hambrientos.
No son pocos los casos en los que se anuncia el título de una
película para que éste acabe cambiando antes de su estreno. Eso es lo
que sucedió con ‘Escape Plan‘ (id, Mikael Håfström, 2013), anteriormente conocida como ‘The Tomb‘, aunque lo que más interesará a muchos es que estamos ante la película que vuelve a reunir a Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger, dos de los héroes de acción más queridos de todos los tiempos. Tras una larga espera, al fin podemos ver tanto su tráiler como su primer cartel.
Ya os habíamos hablado sobre ‘Escape Plan’ en varias ocasiones,
por lo que seguro que muchos recordaréis que su historia gira alrededor
de Ray Breslin —Stallone—, la máxima autoridad mundial en seguridad
estructural que ha sido encerrado en una de las prisiones que él mismo
diseñó por un crimen que no ha cometido. Una vez allí tendrá que hacer
todo lo que esté en su mano para conseguir la ayuda de Emil
—Schwarzenegger—, quizá el preso más influyente del lugar, para idear un
plan que les permita escapar de allí. Os recomiendo saltaros los
últimos 15-20 segundos del tráiler que encontraréis a continuación.
Los últimos trabajos por separado de Stallone y Schwarzenegger no han
conseguido el favor del público y no me extrañaría que ya lo viesen
venir antes de fichar por ‘Escape Plan’, ya que ésta lo tiene —casi—
todo a su favor para convertirse en un notable éxito comercial. Además,
no son los únicos rostros conocidos de su reparto, ya que en ‘Escape
Plan’ también podremos ver a Jim Caviezel, Vincent D’Onofrio, Vinnie Jones, Sam Neill, Amy Ryan y el rapero 50 cent.
Lo que más dudas me despierta sobre el resultado final es que tras las cámaras encontramos a Mikael Håfström, responsable de cintas no especialmente inspirada como ‘Sin control‘ (‘Derailed’, 2005) o ‘1408‘
(id, 2007), pero bueno, habrá que ver si aquí ha sabido estar a la
altura de las circunstancias. ‘Escape Plan’ se estrenará en Estados
Unidos el próximo 18 de octubre, mientras que en España tendremos que
esperar hasta el 3 de enero de 2014 para poder verla.
El gran estreno de la semana en España es sin duda 'After Earth',
la nueva película de un M. Night Shyamalan que como siempre no dejará
indiferente a nadie. Para este relato de aventuras y ciencia-ficción el
director de 'El sexto sentido' ha contado con el protagonismo
de los Smith, Will y Jaden, quienes en la ficción interpretan también a
un padre e hijo que, tras un accidente, deberán sobrevivir en el planeta
Tierra de dentro de mil años, un planeta abandonado a su suerte que ha
evolucionado de manera hostil para con el hombre. Mucho más ligera es
sin duda la propuesta de 'Los becarios', comedia de Shawn Levy que reúne de nuevo a los protagonistas de 'De boda en boda',
Vince Vaughn y Owen Wilson, como dos becarios que deberán demostrar que
"no están pasados de moda" en las oficinas de ese sitio donde todos
queremos trabajar, Google. Por último destacar el estreno de 'Antes del anochecer',
tercera entrega de la trilogía de Richard Linklater en la que nos
reencontraremos como Jesse (Ethan Hawke) y Celine (Julie Delpy), en esta
ocasión de vacaciones por Grecia.
After Earth
Película: After Earth. AKA: One thousand A.E. Dirección:M. Night Shyamalan. País:USA. Año: 2013. Duración: 100 min. Género: Ciencia-ficción. Interpretación: Will Smith (Cypher Raige), Jaden Smith (Kitai Raige), Sophie Okonedo (Faia Raige), Zoe Isabella Kravitz (Senshi Raige). Guion: M. Night Shyamalan y Gary Whitta; basado en un argumento de Will Smith. Producción: Caleeb Pinkett, Jada Pinkett Smith, Will Smith, James Lassiter y M. Night Shyamalan. Música: James Newton Howard. Fotografía: Peter Suschitzky. Montaje: Steven Rosenblum. Diseño de producción: Thomas E. Sanders. Vestuario: Amy Westcott. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Estreno en USA: 31 Mayo 2013. Estreno en España: 28 Junio 2013.
Sinopsis
En “After Earth”, un aterrizaje de emergencia deja al joven Kitai
Raige y a su padre Cypher atrapados en el planeta Tierra, 1.000 años
después de que una serie de catastróficos eventos obligaran a la
Humanidad a escapar de ella. Con Cypher herido de gravedad, Kitai deberá
embarcarse en un peligroso viaje con el objetivo de mandar una señal de
socorro, enfrentándose a un territorio desconocido, a nuevas especies
de animales que ahora rigen el planeta y a una imparable criatura
alienígena que se escapó durante el accidente. Padre e hijo tendrán que
aprender a trabajar juntos y confiar el uno en el otro si quieren tener
la oportunidad de regresar a casa.
Los becarios (The internship)
Película: Los becarios. Título original: The internship. AKA: Interns. Dirección:Shawn Levy. País:USA. Año: 2013. Duración: 119 min. Género:Comedia. Interpretación: Vince Vaughn (Billy), Owen Wilson (Nick), Rose Byrne (Dana), Max Minghella (Graham), Aasif Mandvi (Sr. Chetty), Josh Brener (Lyle), Josh Gad (Headphones), Dylan O’Brien (Stewart). Guion: Vince Vaughn y Jared Stern; basado en un argumento de Vince Vaughn. Producción: Vince Vaughn y Shawn Levy. Música: Christophe Beck. Fotografía: Jonathan Brown. Montaje: Dean Zimmerman. Diseño de producción: Tom Meyer. Vestuario: Leesa Evans. Distribuidora:Hispano Foxfilm. Estreno en USA: 7 Junio 2013. Estreno en España: 28 Junio 2013.
Sinopsis
Shawn Levy (“Acero puro“)
dirige “Los becarios (The internship)”, una comedia en la que dos
cuarentones a los que echan de su trabajo deciden presentarse a becarios
en Google y empezar de nuevo. La locura comienza cuando se ven
compitiendo para conseguir el puesto con jóvenes listillos de 22 años,
mucho más metidos en el mundo digital que ellos.
Película: Antes del anochecer. Título original: Before midnight. Dirección: Richard Linklater. País:USA. Año: 2013. Duración: 108 min. Género:Drama. Interpretación:Ethan Hawke (Jesse), Julie Delpy (Celine). Guion: Richard Linklater, Julie Delpy y Ethan Hawke; basado en los personajes creados por Richard Linklater y Kim Krizan. Producción: Richard Linklater, Sara Woodhatch y Christos V. Konstantakopoulos. Música: Graham Reynolds. Fotografía: Christos Voudouris. Montaje: Sandra Adair. Vestuario: Vasileia Rozana. Distribuidora:A Contracorriente Films. Estreno en USA: 24 Mayo 213. Estreno en España: 28 Junio 2013.
Sinopsis
Richard Linklater dirige “Antes del anochecer (Before midnight)”, en
ella de nuevo nos encontraremos con Jesse y Celine, esta vez en Grecia, y
descubriremos qué es lo que ha sucedido en sus vidas durante todos
estos años.
La bicicleta verde (Wadjda)
Película: La bicicleta verde. Título original: Wadjda. Dirección y guion: Haifaa Al-Mansour. Países: Arabia Saudita y Alemania. Año: 2012. Duración: 98 min. Género: Drama. Interpretación: Reem Abdullah (madre), Waad Mohammed (Wadjda), Abdullrahman Al Gohani (Addullah), Sultan Al Assaf (padre), Ahd (Hussa). Producción: Gerhard Meixner y Roman Paul. Música: Max Richter. Fotografía: Lutz Reitemeier. Montaje: Andreas Wodraschke. Diseño de producción: Thomas Molt. Vestuario: Peter Pohl. Distribuidora: Wanda Visión. Estreno en España: 28 Junio 2013.
Sinopsis
En “La bicicleta verde”, Wadjda es una chica de 10 años que vive en los suburbios de Riad, la capital de Arabia Saudita. Aunque vive en un mundo conservador, Wadjda es divertida, emprendedora y siempre llega al límite entre lo que puede hacer y lo prohibido. Tras una pelea con su amigo Abdullah, un vecino con el que no debería jugar, Wadjda ve una bonita bicicleta en venta. Quiere desesperadamente la bicicleta para poder ganar a Abdullah en una carrera. Sin embargo, la madre de Wadjda no se lo permite por temor a una sociedad que ve las bicicletas como un peligro para la dignidad de una chica.
Definitivamente,
pensar en positivo con la taquilla española es un lujo que no se puede
comprar. En especial en un rango de cifras general – del total del fin
de semana – ni de esperar cifras más propias de tiempos pasados – aquel
en el que había más interés en acudir a las salas de cine. A partir de
aquí cualquier comparativo no puede tener un reflejo con Estados Unidos,
un mercado muy diferente en estos aspectos tan claves como son la
situación económica y la percepción del negocio del audiovisual.
La taquilla de este fin de semana aún se mueve datos provisionales
proporcionados por Rentrak, pero había mucha expectativa ante la llegada
de dos pesos pesados como El hombre de acero y Monstruos University,
macro estrenos en un desierto total. Pero el resultado a tanto bombo
han sido dos cifras más bien correctas pero no espectaculares. Y con un
total general que apenas se queda algo por encima de los 6 millones de
€. Si se observan tiempos pasados en los que dos estrenos así han
coincidido (Inception vs Airbender, Thor y Fast & Furious, etc) la cosa siempre se fue más hacia los 10-11 millones.
Superman vuela al primer puesto alcanzando una cifra estimada en los 3-3,1 millones de € – 730 salas – mientras que Monstruos
se quedaría en los 2-2,1 millones – 710 pantallas. A nivel de
promedios, los datos son 3.800€ la primera, 2.750€ la segunda, lo que en
ninguno de los dos casos es una gran cifra aunque doblan el mejor
promedio de hace una semana – el incremento general de las recaudaciones
es del 126% pero el 82-84% de las cifras ha ido a parar estos dos
grandes estrenos.
El análisis de estos datos obliga a pensar que la masa atraída por
las salas de cine está limitada a un número de espectadores concreto
(que se movería en techos de 1,1 o 1,2 millones) y que la competencia es
más dura ante la evidente repartición de un espacio muy delimitado y
sin un aspecto a ampliarse pese a la potencia de los lanzamientos.
Para El hombre de acero había el claro techo de antecedentes recientes – Batman, Iron Man, Spider-Man, Thor o Vengadores pero con la clara contra que Monstruos le atacaba en el sector familiar y que la carencia de interés en España por los superhéroes se agudiza por el contexto. The Amazing Super-Man estrenó el pasado año con 3,2 millones de € mientras que El caballero oscuro: la leyenda renace lo hizo en los 3,56 millones. Iron Man alcanzó los 3,8 millones (techo que comparte con Thor).
A partir de aquí nada hacia pensar que Superman pudiera súper estos
datos. La expectativa era elevada pero en un sector concreto, sin la
película haber llegado a generar una marca similar a Batman o Iron Men. Por esta razón es de esperar que las próximas semanas sean duras para el film – sin ser el extremo de R3sacón – aspirando así a los 7-8 millones de €.
En el caso de Monstruos, el inicio pese a ser más
escaso sí tiene aspiraciones a remontar e incluso a dar una sorpresa.
Los estimados 2 millones son cifras un 25-27% menos que algunos estrenos
recientes de la casa y en general del cine de animación mainstream,
Pero sí algo se ha observado en mucho de este reciente cine animado (de Madagascar 3 a Los Croods pasando por Tadeo Jones, Campanilla o Brave) es que el mantenimiento no solo salva esta cierta distancia a tiempos mejores sino que les acaba dando excelentes resultados.
De momento Monsters no será una excepción, primero
por su marca (tanto de película como de empresas), pero luego también
por su visibilidad, aguda campaña llena de humor y simpática, la marca
de los monstruos y los óptimos comentarios. A partir de aquí el techo de
la cinta se movería sobre los 10-11 millones. El caso de Los Croods ha sido de un aumento de 5 veces sobre el dato de apertura muy similar a las cifras de Madagascar 3.
A partir de aquí lo que quedan son 1,1 millones de € a repartir, de
los cuales gran parte de estos se quedan entre los restantes films del
top20. De hecho para ilustrar esto toca ver como a partir del sexto
puesto, todos los films recaudaron menos de 100.000€ y el top20 se
cierra con una recaudación de 18.700€.
La tercera posición se la queda R3sacón con unos
estimados 220.000€, un 48% menos que la pasada semana, pero con una
media por sala de 835€, lo que lleva a un total de 4,72 millones de € y
apenas 700.000 espectadores. Lo que le queda a la película es alcanzar
los 5 millones, lo cual será solo dos veces el dato del fin de semana
inicial – es decir, un consumo rápido y sin efecto satisfactorio entre
los espectadores. Fast & Furious 6 se coloca ya en los 9,1
millones de € esta semana, descendiendo un agudo 54% pero para Universal
el dato es más que positivo no solo por la cifra en si sino por el
contexto y la competencia que le ha ido viniendo.
Fox ve como su thriller británico Trance, dirigido
por Danny Boyle, cae un 53% en segunda semana lo que invita a pensar que
la cinta no encuentra su audiencia y se desploma de forma aguda ya que a
priori invitaba a pensar que por estilo y temática iba a tener algo más
de oportunidades. Su total es de 550.000€ en una presencia elevada de
salas – 210. Alcanzará los 700.000€.
El sexto puesto es para la sorpresa de la semana, quizás la película más fácilmente calificable como éxito: Hannah Abrendt. El drama alemán que distribuye Surtsey entraba con solo 33 copias pero logra 86.000€ y 2.600€ de media por sala.
La cinta tenía una campaña claramente enfocada a las audiencias
adultas y cinéfilas pero la situación general ha hecho que un producto –
y cifra – más propia del puesto 11 o 12 haya ido bien arriba en el
ranking. Con esto no hay que quitarle mérito a unas cifras que siguen
demostrando el poder y atractivo del cine de circuitos limitados, un
terreno aún más solido y lógico respecto a tiempos pasados.
Ahora con este inicio parece haber opciones que siga los pasos de cine como La Caza o Barbara y se vaya a los 400.000-450.000€, un verdadero triunfo para esta pequeña distribuidora.
Toca en esta línea resaltar como el drama americano Un invierno en la playa
que DeA estrenaba en 65 salas la pasada semana cae solo un 34% hasta
los 66.000€ y 211.000€ en 10 días. No son grandes cifras, pero de todos
los títulos recientes no-mainstream es una de las que mejor ha aprovechado el momento.
Los otros dos estrenos limitados de la semana eran Mi encuentro con Marilou y Después de mayo.
La primera recauda 27.200€ en 30 salas para Golem, y la segunda 22.200€
en 35 cines para Vértigo. 940 y 635€ de media por sala.
Celebramos los 31 años de la epopeya replicante con un informe que
te hará soñar con unicornios (o con ovejas eléctricas). Por YAGO GARCÍA
En su momento, fue una producción ambiciosa con resultados
decepcionantes en taquilla. Después, se convirtió en un clásico de
culto. Y hoy, a falta de seis años para ese 2019 que tan terrible y distópico parecía en sus imágenes, quedan pocas dudas de que Blade Runner es
un clásico indiscutible del cine, en general, y del género de
ciencia-ficción en particular. De hecho, nosotros nunca nos cansamos de
verla, y como hoy se cumplen 31 años de su estreno en EE UU, hemos decidido celebrar la efeméride dedicándole un completo reportaje.
Armados con el imprescindible libro Blade Runner: Futuro en negro, de Paul M. Sammon, nuestro
equipo ha recorrido los rincones más turbios de internet en busca de
clones descarriados y unicornios de papel de plata. Si te gusta este
recorrido por el mundo de los replicantes, recuerda que en esta misma
web puedes ver joyas como los bocetos originales, los storyboards de la primera escena y las polaroids tomadas por Sean Young durante la producción, además de recordar esa maldición que (dicen) aquejó a las compañías que pusieron product placement en el filme. Y, finalmente, puedes repasar nuestras objeciones contra esa secuela (o precuela) que nunca acaba de llegar...
La larga transición a la pantalla
Muy lejos todavía de la fama que le llegaría de forma póstuma (gracias, por cierto, a las adaptaciones de su obra al cine), Philip K. Dick publicó su novelita ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? en
1968. El libro, que mezclaba las paranoias futuristas del autor con las
constantes de un relato policíaco, atrajo la atención de varias figuras
de Hollywood, algunas con tanto caché como Gregory Peck, quien se mostró muy interesado por su mensaje ecologista. Y también, todo hay que decirlo, la de un director novato llamado Martin Scorsese, quien
no pudo hacerse con los derechos por falta de fondos. Aun así, el
proyecto pasó por una larguísima travesía del desierto, que habría de
durar más de una década, y que sólo tuvo visos de terminar cuando, en
1977, el productor Michael Deely compró un libreto escrito por Hampton Fancher, guionista debutante que jamás volvería a firmar un trabajo de envergadura.
El tebeo que lo cambió todo
A Ridley Scott, un director inglés con mucha
reputación en el campo publicitario, la ciencia-ficción no le gustaba
demasiado. Pero si gozaba de crédito en Hollywood se debía a ella, y más
concretamente a la visión del género que había entregado en Alien, su segundo largometraje. Cuando le llamaron para dirigir Blade Runner, Scott acababa de salir con cajas destempladas de uno de tantos intentos por adaptar Dune al cine (ese que, con resultados de todos conocidos, retomaría David Lynch) y
su llegada a la producción obró como el proverbial elefante en la
cacharrería: además de exigir un incremento en el presupuesto y una
reescritura del guión de Fancher (el encargado de esta última sería David Peoples, futuro libretista de Sin perdón), el cineasta llevó consigo un libro de estilo en forma de cómic. Se trataba de The Long Tomorrow, una historieta firmada por sus colegas de Alien Moebius y Dan O'Bannon. Si quieres saber por qué The Long Tomorrow es considerado "el tebeo de 16 páginas más influyente de la historia del cine", échale un vistazo a este reportaje.
El escritor yonqui vende su título
Todos estamos de acuerdo en que ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? no
es, precisamente, el título más pegadizo de la historia. Por ello, el
proyecto para adaptar la novela al cine necesitaba ser rebautizado: tras
el primerizo Dangerous Days (que, finalmente, serviría para titular un making of de la película) se optó por comprar el nombre de un guión firmado por el mismísimo William S. Burroughs. Tan drogadicto como Dick (aunque sus sustancias de cabecera fuesen otras), el autor de El almuerzo desnudo había titulado así una historia de ciencia-ficción distópica basada en una novela de Alan E. Nourse. La
cual, todo hay que decirlo, no tiene nada que ver ni con los
replicantes, ni con los coches voladores, pero sí con la ingeniería
genética.
El laberinto del cásting
Para interpretar a Rick Deckard, cazador de clones
en crisis existencial, se barajaron los nombres de muchísimos
intépretes. Tantos, de hecho, que si nos dicen que les practicaron el
test de Voight-Kampf durante las audiciones, nos lo creemos. El que más cerca estuvo de hacerse con el papel fue Dustin Hoffman, pero también figuraron en la lista Robert Mitchum, Tommy Lee Jones, Christopher Walken, Gene Hackman, Jack Nicholson, Al Pacino, Sean Connery, Robert Duvall y un semidesconocido austríaco llamado Arnold Schwarzenegger. Eso por citar sólo a unos pocos de los más de 20 candidatos.
El terrorífico sombrero de Harrison Ford
Atendiendo a un consejo de Steven Spielberg, Scott se decidió finalmente por fichar a Harrison Ford: un actor de fama creciente, gracias a Star Wars, pero cuyo caché se mantenía (aún) en términos razonables. Eso sí, Ford acababa de rodar por entonces En busca del Arca perdida, y
eso se tradujo en una anécdota que puso en jaque al departamento de
vestuario. Dejemos que sea el propio Scott quien nos lo explique: "Harrison firmó su contrato [para rodar Blade Runner] en
1980, pero yo me lo encontré una noche después de un día de rodaje. Él
condujo hasta Londres, y todavía no se había quitado el maldito sombrero
que llevaba para hacer de Indiana Jones. Yo lo ví, y me dije '¡Oh,
mierda!', porque hasta entonces nos habíamos imaginado a Deckard con
sombrero, como los detectives de las películas de cine negro". La decisión de Scott tras ese chasco fue bastante pragmática: "Me dije, 'bueno, si no hay sombrero, habrá que cortarle el pelo'. Y así nació el peinado de Rick Deckard".
¿Cómo se viste un replicante?
Muy fan por entonces del trabajo de Paul Verhoeven (¡vaya, qué casualidad!), Scott tenía muy claro que su actor fetiche, Rutger Hauer, debía dar vida a Roy Batty, el
líder de los replicantes Después de firmar el contrato, Hauer decidió
gastarle una broma al director presentándose ante él con las ropas que, a
su juicio, debería vestir un esclavo clónico del año 2019: gafas de sol
verdes "como las de Elton John", pantalones de vinilo
rosa y una camiseta blanca que dejaba ver su ombligo. Como guinda final,
Hauer se dio un tinte de pelo rubio platino. Según el testimonio de una
de las ayudantes de producción, Scott casi se desmaya del susto al
verle de esa guisa.
'El infierno de Ridley'
Aliado con el experto en efectos especiales Douglas Trumbull y el diseñador de producción (o, en como prefiere él mismo, "futurista visual") Syd Mead, Scott
echó el resto en todo lo referente a la ambientación y los efectos
visuales. Además de un plató tan lleno de detalles que acabó siendo
apodado 'Ridleyville', las joyas de la corona de Blade Runner fueron dos maquetas: una de ellas era una vista aérea de la ciudad, empleada para las secuencias de despegue y aterrizaje del spinner, y en cuya construcción se utilizaron piezas de desecho tales que un modelo del Halcón Milenario. La
otra maqueta representaba el paisaje industrial en el que comienza la
película, y en ella se pusieron a prueba técnicas de todo tipo, desde
cables de fibra óptica (casi 10 kilómetros en
total) para iluminar las ventanas de los edificios a un aceite mineral
vaporizado que representaba la polución del aire. Tan ominoso resultó el
producto final, que los técnicos lo llamaban 'El Hades' y 'El infierno de Ridley'.
Harrison contra Ridley (y contra Sean Young)
Jornadas de rodaje extenuantes, un director perfeccionista hasta lo
maniático, un guión que no entendía casi nadie y constantes vaivenes en
el presupuesto: decididamente, el rodaje de Blade Runner estuvo
lleno de desgracias. Acentuadas, además, por un 'pequeño' detalle: al
actor principal, la película le parecía una soberana bazofia. Además de
Ridley Scott, quien estuvo peleándose con él desde el primer día de
rodaje hasta el último, la mayor víctima del descontento de Harrison
Ford fue Sean Young. Según varios testimonios, la intérprete de Rachael tuvo
que sufrir contínuos desplantes por parte de Harrison, algo que llegó a
su paroxismo durante la escena en la que el detective y la replicante
se enrrollan en el apartamento de Deckard. De hecho, el productor Michael Deeley suele referirse a ese momento como "la violación en el pasillo".
Daryl se maquilla, y Rutger improvisa
Mientras Harrison Ford, Sean Young y Ridley Scott libraban su guerra
personal, los actores que daban vida a los replicantes parecían tomarse
mucho más en serio la película. Además de sacarle partido a su
entrenamiento como gimnasta, Daryl Hannah se jugó los
ojos (literalmente) para la escena en la que su personaje se pinta la
cara usando un aerógrafo: a fin de que la sirena de 1,2,3... ¡Splash! no corriera (demasiado) peligro, el maquillador Marvin Westmore tuvo que tomarla del brazo y guiar sus movimientos "como si fuera una marioneta".
En cuanto a Rutger Hauer, llevó su contribución mucho más lejos: el
famoso soliloquio final de Batty fue parcialmente improvisado por él
frente a la cámara. Por ejemplo, las palabras "Todas esas cosas se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia" no estaban en el guión de David Peoples, y salieron del magín del actor.
La paloma que no quería volar
Otra de las ideas que Rutger Hauer aportó al final de Blade Runner fue
que Roy Batty tomase en sus manos a una paloma durante sus últimos
momentos de vida. Ahora bien, por muy emocionante que resulte en la
pantalla, eso no hizo más que añadir nuevas dificultades a la
postproducción. Porque, como Ridley Scott comprobó muy a su pesar, "las palomas no vuelan cuando tienen las plumas mojadas". "El
pajarraco agitó las alas un par de veces, y saltó a las rodillas de
Rutger, para de ahí bajar del suelo e irse caminando tranquilamente",
narró Scott años después, precisando que tuvo que remediar el chasco
durante la postproducción, con un truco de montaje que, a su vez,
provocó un fallo en el raccord de luz de la escena.
Edward James Olmos habla otras lenguas
Pese a que su papel de Gaff, el policía torvo y arribista, es más bien breve, Edward James Olmos se tomó su preparación con mucho rigor. De hecho, la interlingua (el
galimatías de idiomas en el que se expresa el personaje) tomó forma
tras unas cuantas visitas del actor a la academia de idiomas Berlitz de
Los Ángeles. "Hablarlo era una putada y media, pero aportaba algo al filme", comentó Olmos. Y, tras leer transcripciones tales que "Señor, adana kobishin angum bi-te" o "Capitán Bryant toka, meni-o mae-yo", donde se combinan palabras en español, francés, chino, alemán, húngaro y japonés, no resulta difícil creerlo.
¿Dónde está el quinto replicante?
"Tengo a cinco pellejudos sueltos en las calles", le decía el siempre desagradable capitán Bryant a
Rick Deckard. Pero, un momento... ¿Cinco replicantes? ¿Por qué dice
eso, si en el filme sólo salen cuatro? Pues se debe a la combinación de
los inevitables cambios de guión a última hora y de los ya comentados
apuros en el rodaje: además de un otro replicante (varón) que murió
durante la fuga ("Se abrasó en un campo de fuerza"), en el guión de Fancher y Peoples figuraba un clon, una mujer llamada Mary, que debería haber sido interpretada por la actriz Stacey Nelkin. En
plena producción, dicho personaje fue eliminado por problemas con el
presupuesto. Y, por la misma razón, el diálogo entre Bryant y Deckard no
volvió a rodarse. Lo cual provocó teorías conspirativas de todo tipo,
la mayoría relacionadas con cierto unicornio de papel de plata...
"¿Sí, jefe? ¡Mis cojones!"
Una de las anécdotas más delirantes en un rodaje tan desquiciado como el de Blade Runner fue la llamada 'Guerra de las camisetas'. Todo comenzó cuando, en una entrevista, Scott soltó que prefería trabajar con equipos de rodaje ingleses, "porque, cuando les dices algo, se limitan a decir 'Sí, jefe' y a obedecerte".
El personal de la película, que ya andaba bastante quemado por
entonces, replicó presentándose en el plató vistiendo camisetas
estampadas con la leyenda "Yes Guv'nor? My ass!",
cuya traducción aproximada al español sirve de título a este epígrafe.
Scott y los demás miembros británicos del equipo contestaron, a su vez,
con otras camisetas en las que se leía "La xenofobia apesta".
"Fluyan mis lágrimas", dijo Philip K. Dick
En medio de tanto cataclismo, Blade Runner tuvo una rara fortuna: recibir la bendición del autor del libro original, un sujeto cuyas espantadas eran legendarias entre el fandom. Tras haber manifestado su rechazo al guión de Hampton Fancher ("Era como 'Philip Marlowe contra Las mujeres perfectas", bromeó), y habiendo comentado previamente que Alien no
le gustaba un pelo, Dick fue invitado a visitar el rodaje por Ridley
Scott, quien además le proyectó veinticinco minutos de película. Viendo
los copiones, el escritor se emocionó hasta las lágrimas: "Era mi mundo interior: lo habían captado perfectamente", afirmó más tarde, para después elogiar . Además, pese a que ¿Sueñan los androides...? y
el argumento de la película se contradecían en muchos aspectos, Dick le
quitó hierro al tema sentenciando que ambos textos eran "complementarios".
Por desgracia, Philip K. Dick murió en marzo de 1982, meses antes del
estreno de la película, y no pudo beneficiarse de la fiebre dickiana que esta levantó.
Ridley contra Vangelis: la batalla de la banda sonora
Malas relaciones laborales, actores descontentos, palomas que se niegan a volar... ¿Es que no hubo ningún aspecto de Blade Runner que
se librara de las desgracias? Pues no: incluso la producción de la
banda sonora, y su posterior publicación, supusieron un calvario. El
teclista y compositor Vangelis se peleó con el director
por razones nunca desveladas del todo, y pese a haber sido nominada a
un BAFTA y un Globo de Oro, la música de la película permaneció inédita
durante años. Cuando por fin llegó al mercado discográfico fue en una
versión para orquesta de la que reniegan los fans. Los sonidos creados por Vangelis sólo pudieron escucharse en grabaciones piratas, primero, después en el recopilatorio Vangelis: Themes
y, a partir de 1992, en una edición remezclada. Para colmo, el
compositor griego lanzó en 2007 una edición especial en dos discos que
deja fuera momentos tan emblemáticos como el tema final. Lo más parecido
a una versión integral de la BSO de Blade Runner es la llamada Esper Edition, elaborada de forma pirata, y que abarca cerca de dos horas de música.
¿Quién ha escrito la voz en off?
En julio de 1981, los productores de Blade Runner despidieron a Ridley Scott por
haberse pasado con las fechas y con el presupuesto. La jugada no les
salió bien, y el director fue readmitido, pero los financieros se lo
cobraron con creces al año siguiente, durante la postproducción del
filme. Los pases previos, celebrados en Denver y en Dallas, demostraron
que la película era demasiado rara para ese público que se había quedado
ojiplático con El Imperio contraataca en 1981. Así que la compañía Tandem, convencida hasta el momento de que tenía un blockbuster entre manos, impuso cambios tales que la voz en off, algo
que ya estaba presente en el guión original pero que David Peoples y
Ridley Scott habían juzgado oportuno eliminar. Aunque corrió durante
muchos años la leyenda de que Harrison Ford había leído el texto con
desgana, para que así Tandem no tuviese más remedio que descartarlo, el
actor lo niega: "Yo hice lo que pude, el problema es que la narración era una mierda",
comentó. Finalmente, tanto Peoples como Hampton Fancher afirman que el
texto de la versión estrenada de la película no era el suyo, sino un
apaño redactado a toda prisa por algún secuaz de Tandem.
El falso final feliz
Además de la narración en off, la alteración de Blade Runner que más irrita a los fans y a Ridley Scott es ese final feliz cuya
condición de pegote añadido a última hora canta de lejos. Según leemos
en el libro de Paul M. Sammon, la génesis de dicha escena fue tan
atribulada como todo lo demás en la película: Ridley Scott sí que
contaba con que, tras la muerte de Batty, Deckard y Rachael abandonasen
Los Ángeles en coche. Sólo que la película debía mostrarles a ambos
internándose en un desierto, dejando claro que se dirigían allí para
morir en paz. Bien fuera porque Scott no se decidía, bien porque el
presupuesto no daba para más, dicho momento no se rodó nunca. Cuando los
productores impusieron una conclusión más optimista, el director no
tuvo más remedio que llamar a Stanley Kubrick para que este le cediera planos no usados en El resplandor, amén de llevarse a Harrison Ford y Sean Young a los bosques de Cedar Lake, cerca de Los Ángeles, para lo que el diseñador de efectos especiales Ivor Powell recordó como "el día más agradable del rodaje, porque sabíamos que todo iba a acabarse pronto".
¿Cuántos montajes hay?
Como nos revelan los comentarios de los productores, el montaje estrenado de Blade Runner no
satisfizo a nadie. Lo cual quedó confirmado, en apariencia, por las
malas críticas y unos resultados comerciales más bien mediocres. Con los
años, el filme se ganó su presente estatus de culto, con lo que dos
versiones previas (las denominadas "copia de trabajo" y "versión de San Diego") circularon de forma pirata. Más adelante, se realizaron nuevos remontajes, uno para la edición en laser disc de Criterion y otro, censurado, para las emisiones televisivas. En 1997, Ridley Scott dio su visto bueno a un presunto "montaje del director" (en el cual, realmente, no tuvo mucho que ver), para publicar en 2007 una "edición definitiva", con retoques digitales. A estos siete montajes, reunidos en un cofre de dvd, habría que sumar una versión de cuatro horas cuya existencia niegan casi todos los implicados, pero que se menciona en el documental Dangerous Days.
Cómics, videojuegos y novelas
En los 80, era habitual que las películas orientadas al público juvenil tuviesen su versión en forma de tebeo, y Blade Runner no fue una excepción: el cómic fue lanzado en forma de novela gráfica (primero) y miniserie (después) por Marvel. Como el guionista Archie Goodwin tuvo
acceso al guión original, en sus viñetas figuran diálogos eliminados o
reescritos durante el rodaje, así como una narración bastante superior a
la que se escuchó en el filme y un final algo diferente. Además, sus
lectores podrán descubrir qué pasó exactamente en las Puertas de Tannhauser. Las secuelas literarias del filme, obra del amigo de Dick K. W. Jetter, aparecieron
entre 1995 y 2000, y es poco probable que sirvan como punto de partida a
la secuela. Finalmente, ningún repaso al mundo de Blade Runner estaría
completo sin mencionar los videojuegos basados en el filme: el primero,
bastante poco aprovechable, apareció en 1985 para ordenadores de 8
bits, y por problemas legales afirmaba ser "una adaptación de la banda sonora de Vangelis". En 1997, eso sí, apareció otro videojuego titulado Blade Runner, obra de Westwood Studios y considerado como una de las mejores aventuras gráficas de la historia.
¿Es Deckard un replicante?
Lector, seguro que si has llegado hasta aquí te estás frotando las
manos: nos hallamos ante el tema más controvertido y polémico que rodea a
Blade Runner. Y, tras analizar todas las fuentes a nuestro alcance podemos decir que no tenemos ni idea, más que nada porque los responsables tampoco la tienen. Inicialmente,
tanto los guionistas como Ridley Scott partían de la base de que el
cazador de clones era humano, pero por lo visto el director se enamoró
de la idea durante la producción, incluyendo detalles como el famoso
unicornio de papel de plata. En 1982, el director se limitaba a decir
que era "una posibilidad interesante", y en 2000 confirmó que las sospechas de los fans eran
ciertas, y que el protagonista era el famoso quinto pellejudo. Harrison
Ford afirma que, durante el rodaje, el tema ni se mencionó, mientras
que Rutger Hauer aporta la que (para nosotros) es la visión más acertada
de la controversia: "¿A quién le importa que Deckard sea un replicante? Lo único que importa es que, en el fondo, se comporta como una máquina".
