Mama y el cine con nominaciones a los Oscar domina la taquilla americana

El fin de semana largo de Martin Luther King se ha saldado con unos buenos 163 millones de $, exactamente la misma cifra que hace un año. La singularidad es que por segundo año consecutivo Universal se coloca como la vencedora, este año con Mamá y el pasado con Contraband. El sabor de boca en general ha sido más que positivo aunque con la diferencia que más allá de la película de terror, los otros dos estrenos se han presentado resultados muy pobres. El producto oscarizable ha sido el otro gran protagonista, con excelentes mantenimientos y algunos “revivals” como los de Argo y La vida de Pi.
La coproducción entre España y Canadá, Mamá, logra un cómodo primer puesto este fin de semana con unos espectaculares 33 millones de $ – 28,5 de los cuales entre viernes y domingo. La película supera de mucho unas previsiones que se colocaban más en la línea de los 20-22 millones en los cuatro días. Ante esto, la modesta cinta de terror de 15 millones de $ apadrinada por Guillermo del Toro termina con una media por cine de 12.467$ y triplicando los datos del siguiente mejor estreno, Broken City.
A nivel analítico, Mamá ha sido triunfado con un claro apoyo joven, especialmente femenino. Según Universal el 61% de la audiencia eran chicas y más de la mitad de estas menores de 25 años. Esto coloca a este producto apto para mayores de 13 años en el clásico “caramelo” de terror para estos espectadores. La gran mayoría de terror estrenado en los pasados años tiene calificación R que limita a los mayores de 17 – y menores de hasta 15 años que vayan acompañados de adultos. Ante esta ventaja, Universal cargó la campaña en este sector, sin darle demasiada fuerza a la masa más madura sabiendo que los films de los Oscar ya copaban a estos espectadores. Han jugado una buena carta, han apoyado en sectores latino, y en estos momentos, pese a que los comentarios han dado una calificación B-, según CinemaScope, la cosa apunta a un dato final de 60-65 millones.
Comparando con estrenos recientes, Mamá cuadriplica las cifras del estreno del anterior film apadrinado por del Toro, No tengas miedo a la oscuridad. También comparando con estrenos recientes, las cifras de este estreno son espectaculares ante los 18 millones de Sinister, los 17,7 de The Possession, los 20,8 de La mujer de negro o los 13,2 millones de Insidious.
Pasando a los otros dos estrenos en ambos casos la cosa ha ido bastante mal. Broken City logra solo 9,5 millones de $ en los cuatro días mientras que la cinta de acción de Lionsgate, The Last Stand se queda en los pésimos 7,19 millones de $.
El thriller policiaco-criminal Broken City no logra repetir el éxito de hace un año de Contraband, en ambos films con Mark Wahlberg a la cabeza. Sus escasos 3.626$ por cine – 2.620 copias – no son grandes cifras, aunque en este caso estamos hablando de un deal de distribución para Fox que tampoco ha contado con una campaña desmedida. Es probable que los responsables hayan apostado más por las ventas internacionales y el potencial del film en el extranjero que no en el mercado local donde un empate con la inversión en promoción ya justifica el estreno. De llegar a los 25-30 millones la cinta habrá cumplido bien.
En este caso, Broken peleaba demasiado cerca de Gangster Squad, competencia muy directa y en ambos casos con un mal apoyo de la crítica lo que limitaba muchos elementos entre el sector maduro, especialmente con la películas de Oscar.
La película de Warner, Gangster, salva con bastante dignidad su segundo round al recaudar 10,3 millones de $ en los cuatro días y colocar el total en los 33,4 millones. De momento los 45 se pueden lograr y mantener la esperanza que el mercado internacional de el resto de ingresos necesarios para salir satisfechos. De momento su cifra internacional se mueve en los 20 millones de $ aún con muchos estrenos por delante.
El retorno de Arnold Schwarzenegger parece que será un “hola y adiós”. Las cifras de este Last Stand no solo hacen honor a su título sino que han sido peores que los últimos desastres del actor antes de encaminar su carrera política. El exgobernador de California recauda con su película unos tristes 6,2 millones de $ en casi 3.000 cines, dejando una mala medía de poco más de 2.000$. Es el peor estreno del actor, siendo peor que los 13 millones de El sexto día. No se espera ningún tipo de mantenimientos muy positivo, y todo podría quedarse en menos de 20 millones de $. Veremos como irá en el resto del mundo.
Lionsgate no acertó en el tono de su campaña, nunca daba la sensación que el estreno fuera a ir por otros caminos diferentes a los de Dredd.
Entrando en los mantenimientos, los films con nominaciones a los Oscar y ganadoras de Globos de Oro se han llevado la palma. Zero Dark Thirty (La noche más oscura) cae un modesto 35% en el fin de semana, pero suma 18,7 millones de $ en los cuatro días de fin de semana hasta un total de 57 millones.La cinta sigue con gran potencial incluso para esperar a llegar a los 100 millones de $.
La gran vencedora  a nivel de crecimiento de relevancia es Silver Linings Playbook, que aumenta en salas hasta los 2.523 cines, colocando su cifra en los 13 millones durante el fin de semana largo, y un total de 56,9 millones. Su peso en estos momentos en la carrera de los premios y el boca-oreja que ha levantado le da todas las de ganar en las próximas semanas como para aspirar a un mínimo entre los 80 y los 100 millones, dependiendo mucho de como termine la carrera de los Oscar – en la que muchos la colocan bien a la cabeza.
Las otras dos vencedoras son Los Miserables, que solo cae un 4% perdiendo 348 cines, y Django Desencadenado que lo lo hace un 16% perdiendo 500. Suman en el fin de semana 9,2 millones de $ cada una hasta totales respectivos de 131,8 y 139,3. Los Miserables tiene otros espectaculares 150 millones de $ en el resto del mundo, mientras que Django empezaba esta semana su carrera internacional y lo ha hecho a la cabeza con 48 millones de $ en 54 mercados.
En el puesto once queda Lincoln que sigue sumando grandes cifras. Esta semana – la onceava precisamente – aumentaba sus cifras en un 7,4% durante los cuatro días y ya llegaba a un total de casi 162 millones. Su techo crece semana a semana y ya toca pensar que estará en un punto entre los 180 y los 200 millones solo en Estados Unidos.
Otros mantenimientos destacados son los 9,7 millones que suma A Haunted House, que ya se coloca en los 31,3 millones – nada mal para un producto de estas dimensiones y que ya está a punto de superar el remake de La matanza de Texas – y por el otro El Hobbit añade otros decentes 7,7 millones, potenciada por el largo fin de semana. Su carrera se agota y sigue intentando llegar a los 300 millones totales.
Fuera del top10 toca mencionar como La vida de Pi llega a los 100 millones de $ y Lo Imposible a los 10,6 tras sumar casi 3 millones en los cuatro días de fin de semana. Argo, gracias a sus dos Globo de Oro y sus nominaciones vuelve a jugar fuerte esta semana con 135 salas más a exhibición, y sumando este fin de semana 2,7 millones. Su total supera los 115 millones, su techo ahora depende de los Oscar.

Via:Box office

Texto:Pau Brunet

Mark Wahlberg estará en 'Ted 2' y protagonizará una película con Justin Bieber

En una reciente entrevista, Mark Wahlberg ha confirmado dos de sus próximos proyectos. Además de protagonizar ‘Transformers 4’, la estrella estadounidense repetirá personaje en ‘Ted 2’ y acompañará a vuestro querido Justin Bieber en una película sobre baloncesto.

La segunda parte de ‘Ted’ fue anunciada el pasado mes de septiembre y desde entonces no había novedades. El debut como director de Seth MacFarlane —que presentará la próxima gala de los Oscar 2013— superó los 500 millones de dólares de recaudación en las taquillas de todo el mundo, por lo que era de esperar que se pusiera en marcha la secuela. Al menos una. De momento solo Wahlberg ha asegurado su presencia en el film pero es de suponer que Mila Kunis también volverá teniendo en cuenta el desenlace de la primera parte.
Sobre el otro proyecto, Mark Wahlberg ha dicho lo siguiente:

Estábamos en Paramount vendiendo otra película y pregunté: “¿Qué os parece una conmigo y Justin Bieber, como ‘El color del dinero’ [‘The Color of Money’, Martin Scorsese, 1986] pero con baloncesto, una de buscavidas callejero?”. La compraron ahí mismo, en cinco segundos. Así que desarrollamos el guion, el estudio lo ama, el grupo de Bieber lo ama. […] Yo soy el buscavidas y él es el chico al que de mala gana tengo que enseñar, porque es muy buen jugador de basket. La idea surgió al verle jugar en un partido benéfico. Yo también juego mucho así que pensamos que podría salir una película interesante.

Maravilloso cómo funcionan las cosas en Hollywood, ¿verdad? Mientras tanto, grandes autores necesitan años para poder poner en marcha sus proyectos, si es que alguna vez lo consiguen… pero tampoco vamos a pecar de ingenuos, es un negocio y por triste que resulte, Bieber moja a mueve millones. Wahlberg, al que este año veremos en ‘La trama’ (‘Broken City’, Allen Hughes, 2013) y ‘Pain & Gain’ (Michael Bay, 2013), reveló que probablemente el rodaje comenzará en 2014 porque tanto él como el mayor artista musical de nuestro tiempo están muy ocupados este año. Lástima, ¿verdad? Necesitamos urgentemente esta clase de películas para seguir creyendo que un mundo mejor es posible…
Vía | Worstpreviews

James Franco dirigirá y protagonizará 'Beautiful People'

James Franco es una de las personalidades más eclécticas que uno puede encontrar en Hollywood, no teniendo problemas en aceptar papeles totalmente contrapuestos. Es por ello que no debería sorprender a nadie que vaya a dirigir y protagonizar ‘Beautiful People‘, una película de corte biográfico centrada en la figura de Jay Sebring.

Imagino que muchos de vosotros no tendréis ni idea de quién es Sebring, por lo que procede señalar que se trata del más famoso estilista capilar – aquí podéis ver un vídeo suyo dando una lección en esa materia- de las estrellas de Hollywood durante los años 60, llegando a ser contratado para ‘Espartaco‘ (‘Spartacus’, Stanley Kubrick, 1960) por petición expresa del mismísimo Kirk Douglas. El propio Franco será el encargado de interpretarlo, quedando la duda de si en la película también veremos a otras personalidades de la época que tuvieron relación con Sebring.

Sin embargo, Sebring también es conocido por ser una de las víctimas de la masacre llevada a cabo por el clan Manson en 1969, aludiéndose con asiduidad a Sharon Tate como la persona más célebre que perdió la vida en ese trágico día. Sebring fue pareja de Tate entre finales de 1964 y comienzos de 1966, que fue cuando ella conoció a Roman Polanski durante el rodaje de ‘El baile de los vampiros‘ (‘Dance of the Vampires’, 1967), comenzando entonces una relación con él. Sebring no sólo no reaccionó con despecho, sino que también trabó amistad con el director de ‘Chinatown‘ (1974), siendo esto lo que permitió que estuviera en la casa de Polanski cuando perdió la vida.
Vía | Deadline

'Los ojos de Julia', 'El cuerpo' y 'El habitante incierto' tendrán remake

La productora Rodar y rodar parece que no se conforma con realizar películas de corte más comercial que sean bien recibidas en nuestro país, ya que también quiere conquistar el mercado internacional. Ya hace unos años se habló de una nueva versión de ‘El orfanato‘ (Juan Antonio Bayona, 2007), el primer gran éxito de Rodar y rodar, pero es ahora cuando la compañía va a apostar con fuerza por los remakes, ya que no sólo ha confirmado el de la película de Juan Antonio Bayona, sino que también se ha puesto manos a la obra para adaptar en inglés ‘El habitante incierto‘ (Guillem Morales, 2005), ‘Los ojos de Julia‘ (Guillem Morales, 2010) y ‘El cuerpo‘ (Oriol Paulo, 2012).

Lo especialmente sorprendente de este caso es que va a ser la propia productora la que financia estos remakes, contando para ello con un presupuesto aproximado de 15 millones de dólares. Aún no se sabe nada sobre si alguno de los directores de la cinta original repetirán al frente de esta nueva versión, pero lo que sí doy por sentado es que Bayona no lo hará tras el enorme éxito de ‘Lo Imposible‘ (2012), siendo bastante más plausible que dé el salto a Hollywood con alguna superproducción.

Me sorprende que se hayan anunciado todos de una tacada, ya que lo más normal sería probar primero suerte con un título concreto e ir sacando más en función de su rentabilidad económica. Yo he tenido la ocasión de ver los cuatro títulos originales y el más conseguido – y único que fracasó comercialmente- me parece de largo ‘El habitante incierto’, mientras que no me dudó la mano en incluir a ‘El cuerpo’ entre las peores películas del año pasado, ya que es, con diferencia, la menos lograda pese a su buena factura técnica. Personalmente, no tengo especial interés en ninguno de estos remakes, pero no deja de ser una buena noticia para los que quieren que se siga apostando por un cine más en la línea con los gustos del público que con las discutibles inquietudes artísticas de su realizador.

Vía | Dread Central

Clip de 'Lovelace': Amanda Seyfried es la estrella de 'Garganta profunda'

El biopic de Linda Lovelace se verá en el Festival de Sundance. En esta escena, la actriz de la película porno más famosa del mundo explica cómo aprendió a disfrutar del sexo. Por CINEMANÍA

Pese a que fueron dos los proyectos que se pusieron en marcha sobre la vida de la actriz Linda Lovelace, famosa por su entrada en el cine X con la exitosa Garganta profunda, la película porno más exitosa de la Historia, de momento sólo se ha completado el que está protagonizado por Amanda Seyfried (el otro, del que salió Lindsay Lohan, y con Malin Akerman como protagonista, está en punto muerto). Con el escueto título de Lovelace, se proyectará por primera vez esta semana en el Festival de Sundance, y, aunque ya hemos podido ver algunas fotografías y un póster, ahora podemos ver el primer vídeo de la película dirigida por Rob Epstein y Jeffrey Friedman (Howl). En esta secuencia, Lovelace posa en una sesión de fotos de Larry Marchiano (que años después se convertiría en su segundo marido y en el filme está interpretado por Wes Bentley) mientras ella habla del personaje que interpretará en la película y cuenta cómo aprendió sobre sí misma y a disfrutar del sexo.

La maldición de 'Blade Runner'

La mayoría de las empresas se anunciaron en la película de Ridley Scott se fueron a pique poco después. Por JAVIER SÁNCHEZ NAGORE

No les pasa a todas las películas que nos hablan del futuro, pero si algo puede afirmarse de un clásico como Blade Runner es que ha sabido aguantar como pocas el paso del tiempo. Cuando han pasado más de tres décadas de su estreno, la obra maestra de Ridley Scott sigue tan fresca como el primer día; pero hay algo en ella que no parece haber resistido tan bien: Hablamos de las marcas anunciadas en los neones del Los Ángeles de 2019, donde transcurre la acción. A principios de la década de los ochenta eran empresas punteras, líderes en su sector, pero poco después del estreno de la cinta protagonizada por Harrison Ford pasaron por serias dificultades, o incluso en varios casos desaparecieron. Hay quien habla de una maldición...

Atari

A finales de los años 70, Atari era una de las empresas más pujantes en una revolución tecnológica que estaba empezando a tomar el mercado: los videojuegos. Las ventas del modelo 2600 arrasaban en Estados Unidos y Warner se hizo con el control de la firma tras un desembolso de 30 millones de dólares en 1976. Llegando a tener en plantilla a talentos como Steve Jobs o Steve Wozniak, Atari parecía ir a comerse el mundo en los primeros ochenta, llegando a generar un tercio de los ingresos de la Warner. Esa imagen transmite la publicidad insertada en Blade Runner, especialmente visible en la escena en la que Deckard retira a la replicante Zhora.

Poco después del estreno de Blade Runner, sin embargo, Atari comenzó a encadenar malas decisiones, lo cual, unido a la pujante aparición de Nintendo y su NES terminó por condenar a la compañía. Atari dejó de existir como marca ya entrados los 90 al no cuajar sus nuevas generaciones de consolas, como la Jaguar.

Pan Am


Otra empresa pionera en su terreno que mordió el polvo tras anunciarse en Blade Runner fue la Pan American World Airways, conocida popularmente como Pan Am. Fundada en los años 20, la compañía norteamericana dominó los cielos del mundo durante cerca de medio siglo. Sin embargo, la crisis del petróleo de los años 70 y la llegada de nuevas y pujantes compañías empezaron a hacer tambalear el gigante, que terminó por declararse en bancarrota en 1991. Aunque la marca trató de reflotarse unos años más tarde, dejó de existir definitivamente antes de final de siglo.

Sabemos ahora que la imagen más icónica de Blade Runner, con la chica oriental en la pantalla gigante y el cartel de Pan Am como telón de fondo, no la veremos en 2019, aunque tampoco esperamos ver Los Ángeles con ese aspecto, por fortuna.

Coca Cola

¿Qué hace Coca Cola en esta lista de empresas si ahora mismo me estoy tomando una? Vale, la empresa posiblemente más famosa del planeta no desapareció tras el estreno de Blade Runner, como todos sabemos, pero pasó por algunas dificultades pocos años después.

En 1985, la compañía norteamericana decidió que el sabor de su producto estrella se había conseguido mejorar con una nueva fórmula, y lanzó al mercado la New Coke, que se convirtió en un fracaso en cuestión de meses y terminó por ser condenada al ostracismo por la propia empresa. Coca Cola devolvió a los consumidores su producto original poco después y éste lo aceptó con gran entusiasmo, por lo que nunca quedó claro si el lanzamiento de la New Coke fue un fracaso estrepitoso o una meticulosa estrategia comercial para ganar la fidelidad del público hacia el producto de siempre en los tiempos en que Pepsi competía con más pujanza.
En Blade Runner, podemos ver el anuncio de Coca Cola en la misma pantalla de la chica oriental, aunque nosotros, por puro fetichismo, preferimos quedarnos con la joven tomando la pastilla.

Bell System

En todo el futuro más o menos apocalíptico (o al menos poco apetecible) que nos presenta la película de Ridley Scott echamos en falta un invento que empezaría a usarse una década más tarde: el teléfono móvil. Deckard se pone en contacto con su querida Rachael mediante una cabina con videoconferencia (un clásico en el cine futurista de la época), una tecnología que, según el logotipo que vemos debajo de la pantalla, estaría implementada por Bell Systems, otra compañía maldita por Blade Runner.

La firma fundada nada menos que en 1877 y que lleva en su nombre el apellido de Alexander Graham Bell fue desmantelada en 1984 (dos años después del estreno) por un mandato antimonopolio del gobierno estadounidense. A día de hoy, Deckard tendría que tirar de Skype.

RCA

En la oscuridad del apartamento de Deckard, vagamente iluminado por luces de las igualmente oscuras calles de Los Ángeles, podemos ver a través de la ventana un neón con publicidad de RCA.

La Radio Corporation of America lideró durante buena parte del Siglo XX el mercado de venta de dispositivos electrónicos (radios, televisiones y fonógrafos principalmente), amén de otros negocios relacionados, tras separarse en 1930 de General Electrics, por mandato, una vez más, de una sentencia del gobierno norteamericano para evitar prácticas monopolísticas. Su aparición en Blade Runner tampoco pareció sentarle demasiado bien a la compañía, ya que en 1985 fue de nuevo adquirida por su anterior casa madre, G.E., y desmantelada poco después.

 

Nueva foto de Tom Cruise en 'Oblivion'

La estrella de Hollywood que mejor corre delante de las cámaras sale en movimiento en la nueva imagen de la película postapocalíptica de Joseph Kosinski, donde Cruise es el último mecánico encargado de extraer recursos de una Tierra devastada. Por CINEMANÍA

Recuerda el tráiler de Oblivion.

Muere Michael Winner, director del cine justiciero de Charles Bronson

Director de cabecera de Charles Bronson, con quien colaboró en media docena de títulos, el realizador británico ha fallecido en Londres a los 77 años. Por CINEMANÍA

La carrera de Charles Bronson y su imagen de tipo duro a prueba de bombas no habría sido lo mismo sin el realizador Michael Winner (Londres, 1935). Trabajaron juntos en seis películas destinadas a definir el cine bronsoniano de acción justiciera de los 70 y principios de los 80: Chato el Apache (1972), Fríamente... sin motivos personales (1972), América violenta (1973), El justiciero de la ciudad (1974), Yo soy la justicia (1982) y El justiciero de la noche (1985), momento en el que pasó el testigo de la saga Death Wish a otros artesanos de la pólvora y la justicia callejera como J. Lee Thompson.
Aunque sus campos de especialización fueron la acción y los thrillers con traqueteo, Winner empezó su andadura en el cine británico picoteando en distintos géneros, desde el suspense criminal de Shoot to Kill (1960) y la comedia picantona Some Like It Cool (1962) hasta la ópera cómica de The Cool Mikado (1963). Su primera colaboración provechosa, que se mantendría durante 25 años, fue con el actor Oliver Reed en otra comedia picarona, The System (1964). Después volverían a colaborar en otros proyectos cómicos, como Georgina (1967), Atraco a la inglesa (1967), El último obstáculo (1969) y Parting Shots (1998), así como en su versión de El sueño eterno con Robert Mitchum: Detective privado (1978).
Fue El último obstáculo, una sátira de la Segunda Guerra Mundial con elefante incluido, la película que le abrió las puertas de Hollywood. Allí llegó para dirigir En nombre de la ley (1971), un western protagonizado por Burt Lancaster (volverían a reunirse en el título de espionaje Scorpio, 1973). Los últimos juegos prohibidos (1972), una precuela de Otra vuelta de tuerca, de Henry James, con Marlon Brando solamente retrasó un poco más el inicio de su fructífera y definitoria colaboración con Charles Bronson. Chato el Apache fue la toma de contacto, Fríamente... sin motivos personales (remakeada hace poco con Jason Statham como The Mechanic) el asentamiento y América violenta la llegada del productor Dino De Laurentiis a la ecuación, pero el gran pelotazo vino con El justiciero de la ciudad (un proyecto originalmente asignado a Sidney Lumet) y sus subsiguiente secuelas.

Los posteriores intentos de Winner por embarcarse en otros géneros fracasaron. Ni las comedias con animales (Won Ton Ton: The Dog Who Saved Hollywood, 1976), las cintas de terror (La centinela, 1977), el noir con firma de Raymond Chandler (Detective privado, 1978) o el vehículo para Sophia Loren (El poder del fuego, 1979) alcanzaron el mismo nivel de contundencia que era capaz de lograr con la saga Death Wish, a la que regresó en dos ocasiones ya bajo el paraguas exploit de la Cannon Films. Allí también levantaría otros proyectos más olvidables, como La dama perversa (1983) o la adaptación de Agatha Christie Cita con la muerte (1988). Tras la debacle de Cannon, Winner volvió a Reino Unido y firmó sus últimas películas: el musical Adorable seductor (1989), la comedia con Michael Caine y Roger Moore Atraco a falda armada (1990), Dirty Weekend (1993) y Parting Shots (1998), su último filme y reunión con Oliver Reed.

Nuevas fotos de Julie Delpy y Ethan Hawke en 'Before Midnight', de Richad Linklater

La continuación de 'Antes del atardecer' rodada en Grecia se ha estrenado en el Festival de Sundance y podemos ver nuevas imágenes de sus protagonistas. Por CINEMANÍA

Entre todas las películas que se están proyectando durante estos días en Park City, Utah, con motivo de la celebración del Festival de Sundance, es difícil que ninguna otra acarree tanta anticipación como Before Midnight, el tercer capítulo de la serie formada por Antes del amanecer y Antes del atardecer que Richard Linklater rodó en secreto el año pasado en Grecia junto a Julie Delpy y Ehtan Hawke. Conclusión de la emocionante y elíptica historia de amor entre Celine y Jesse, vuelve a juntar a la escurridiza pareja nueve años después de su anterior encuentro, con una ciudad y una franja horaria por delante en las que actualizar su relación. Nada más se sabe de la película hasta que las primeras críticas de Sundance empiecen a llegar a la Red, sólo que dentro de pocos días también podrá verse en el Festival de Berlín el mes que viene y que lo más probable es que abandone Utah con distribución cerrada, al menos en EE UU. Mientras esperamos noticias sobre cuándo podremos verla en España, aquí tienes un puñado de fotografías inéditas que han salido a la luz.

El código Hays o la autocensura de Hollywood

Durante más de treinta años, un férreo sistema de regulación del contenido cinematográfico puso a los profesionales del momento al límite de su ingenio con el fin de evitar que sus films fueran presa de la censura. A pesar de ser un indudable período de represión, esta necesidad de esquivar la tijera, hizo aflorar toda una serie de recursos, de dobles sentidos, de referencias veladas. En determinados casos y en géneros como la comedia, dio pie a la sugerente habilidad de no mostrar o no decir abiertamente aquéllo que resultaba obvio. El código Hays fue un conocido reglamento que estuvo vigente desde 1934 hasta 1968 y fue concebido por William H. Hays, miembro del partido republicano y el primer presidente de la Asociación de Productores y Distribuidores de Cine de América –MPPDA–.
El cine, como toda expresión artística, no tardó en generar polémica. En plena década de los años veinte, a los controvertidos argumentos que pudieran aparecer en pantalla, se sumaban los escándalos de actores y directores fuera de ella. La prensa sensacionalista de la época fue un hervidero con todas sus explosivas tribulaciones, plagadas de asesinatos, de drogas o de muerte. La meca del cine fue representada nada menos que como un escenario de depravación e inmoralidad. Entre los sucesos más sonados, encontramos el de la supuesta violación y posterior fallecimiento de la desconocida aspirante a actriz Virginia Rappe a manos del cómico Roscoe Arbuckle. También fue muy divulgado el divorcio de la entonces célebre Mary Pickford, de su primer marido Owen Moore, mientras mantenía un romance con Douglas Fairbanks.
Con el propósito de evitar la intervención gubernamental y favorecer la autoregulación, los jefes de los estudios cinematográficos decidieron crear en 1922 la MPPDA, posteriormente denominada MPAA –con la finalización de la Segunda Guerra Mundial– o Asociación Cinematográfica de Estados Unidos. William H. Hays fue nombrado su presidente y se le encomendó la misión de restablecer la buena imagen de Hollywood y, a la vez, dictaminar la moralidad de sus películas.
En 1929, con la ayuda del editor católico Martin Quigley y del sacerdote jesuita Daniel A. Lord, se elaboró el código de normas que, después de ser revisado por los dirigentes de los estudios, fue finalmente adoptado por la MPPDA en 1930. En primera instancia se le denominó The Production Code y más adelante fue nombrado para la posteridad como The Hays Code. Además de unos preceptos aleccionadores generales, enfocados en preservar la moral de las películas, se trazó una enorme lista de pautas de vigilancia que tenían en el punto de mira el sexo, especialmente, la violencia o la blasfemia.

La actriz Louise Brooks en el film ‘La caja de Pandora’.

De este modo, las escenas de pasión quedaron reducidas a la mínima expresión. Manifestaciones como besos y abrazos debían eliminar todo rasgo de lascivia y, por supuesto, cualquier escena explícita. En particular los besos se convirtieron en algo tan casto que incluso eran cronometrados, sólo podían durar unos pocos segundos. El matrimonio como institución también debía ser protegida, muestra del carácter moralizante de las normas. Los crímenes en pantalla debían mostrarse sin exhibir toda su brutalidad y el uso de las armas quedaba reducido al mínimo indispensable. El empleo irreverente del lenguaje, especialmente si era percibido como una ofensa a la religión, era eliminado. Estos son algunos ejemplos de las restricciones que marcaba el código y que obligaban a los cineastas a soslayar toda referencia evidente.
Otras normas además resultaban de lo más rocambolescas, sobretodo las más curiosas tienen que ver con el desnudo. En este sentido, la mujer, su vestimenta o la falta de ella; eran supervisados minuciosamente. Las transparencias o telas que destacaran en exceso sus formas no estaban permitidas y el ombligo no debía mostrarse bajo ningún concepto. Los hombres también eran motivo de censura, pues se consideraba lascivo mostrar el vello en el torso y no era aconsejable exponerlo. Estas observaciones tienen que ver con el carácter más inflexible de los censores pero aún siendo exageradas, dejaron una larga estela de puritanismo que todavía hoy en día conserva el cine estadounidense.

George Raft y Paul Muni en ‘Scarface, el terror del hampa’.

Durante sus primeros años de vigencia, se observó el código con cierta permisividad y ello favoreció a ciertas producciones que lograron esquivar sus directrices. En plena era de la Gran Depresión, los estudios no podían permitirse más pérdidas, por eso fueron reacios al principio a adoptar una serie de medidas que afectaban directamente a los géneros de moda, como las películas de gángsters o las comedias. Sin embargo, las amenazas de boicot por parte del sector católico de la sociedad americana y la retirada de fondos por parte algunos inversores influyentes, obligaron a los estudios a acatar el código en firme a partir de 1934. Estos años se denominaron como el Pre-Code Hollywood.
Algunas de las películas que sortearon de algún modo la censura en estos años fueron, entre otras, ‘El ángel azul‘ (‘Der blaue Engel, Josef Von Sternberg, 1930) con una sensual Marlene Dietrich. Otros ejemplos comprenden la película ‘Carita de ángel‘ (‘Baby face’, Alfred E. Green, 1933), con Barbara Stanwych usando abiertamente sus encantos para ascender socialmente; o ‘El signo de la cruz‘ (‘The Sign of the Cross’, Cecil B. DeMille, 1932), centrada en la época del emperador Nerón, interpretado por Charles Laughton, se muestran sus excesos de forma manifiesta.

Barbara Stanwyck en la película ‘Carita de ángel’.

Varios de estos films Pre-Code sufrieron la carga de la censura después de 1934. Un ejemplo es la película ‘Adiós a las armas‘ (‘A Farewell to Arms’, Frank Borzage, 1932), protagonizada por Gary Cooper y Helen Hayes, fue recortada a posteriori, de manera que sólo se conserva su versión censurada. Otros profesionales afectados por el código fueron los hermanos Marx –conocida es la audacia de sus diálogos– o algunas actrices, como Jean Harlow o Joan Blondell, sobretodo ésta última fue vetada en numerosas ocasiones.
Sin embargo, algunos creadores encontraron de algún modo en la severa vigilancia del código, un aliciente para retar su ingenio. Y es que, en muchas ocasiones, las dificultades son un estímulo para el que no se rinde ante ellas. Por eso maestros como Ernst Lubitsch o Alfred Hitchcock, supieron sortear la censura con su irrepetible talento y desarrollarlo de manera impecable. Sus fantásticos diálogos o las acciones detrás de una puerta cerrada, son dos de los hitos de la magia de Lubitsch. También es particularmente insuperable la célebre secuencia del largo beso interrumpido –recordemos que los besos sólo podían durar tres segundos–, en la que Cary Grant y Ingrid Bergman nos ofrecen una de las escenas más íntimas de la filmografía de Hitchcock en la maravillosa ‘Encadenados‘ (‘Notorious’, Alfred Hitchcock, 1946).

A la postre, la demanda de tramas más realistas y la evolución de la sociedad americana, dictaminó la desaparición del código Hays a finales de los años sesenta. Esta conclusión dio paso al sistema de clasificación por edades que se conserva hasta hoy en día. Además de observar esta etapa de la historia del cine como una época marcadamente restrictiva en muchos aspectos, creo que también debe apreciarse con admiración por el talento de tantos cineastas que convirtieron en irrepetibles sus maniobras de despiste. A pesar de que hoy en día se haya perdido bastante esta capacidad de sorprender al espectador y confiar en su intelecto –también los tiempos han cambiado–, yo les diría que lo que la tijera ha separado, que lo recupere el hombre.

Via:blog de cine