Escueta
la info: Walt Disney Pictures y ImageMovers están planeando llevar al
gran pantallón una historia de ciencia ficción titulada ‘The Magic Catalogue’.
El guionista de ‘Ice Age: Continental Drift’ Jason Fuchs proporcionará
el script del proyecto inicial, basado en una idea de Chris Appelhan.
La película sigue a un joven que, por accidente, consigue una serie de armas de ciencia ficción.
Robert Zemeckis, cuyo último filme como director ‘Flight’ llega a los
cines USA el 2 de noviembre, producirá el filme junto a sus socios Jack
Rapke y Steve Starkey. ¿Y lo dirigirá?. Quién sabe.
Pues nada, que al final tendremos trilogía del papi Bryan Mills. A pesar de que ‘Taken 2′ (’Venganza: Conexión a Estambul’) no ha calado entre los críticos, su trayectoria en taquilla es otra historia.
La susodicha secuela consiguió unos 50 millones de dólares en su
primer fin de semana en USA, duplicando los primeros ingresos que tuvo
la película original en su fin de semana de arranque.
Así que el guionista Robert Mark Kamen ha contado oportunamente a Hollywood.com que a raíz de este éxito taquillero las negociaciones ya han comenzado para hacer una tercera entrega, ‘Taken 3′:
No empezamos a hablar de una nueva secuela hasta que
vimos los números. Pero luego dijimos, ‘Oh, qué bien. Creo que
deberíamos hacer una tercera película’. Y Fox quiere que la hagamos.
Pero, claro, es cierto que encontrar una manera de continuar la
historia es el primer obstáculo, porque repetir el esquema sería ya
cansino. Y en eso ha señalado Kamen que ‘Taken 3′ seguirá otra dirección distinta.
A ver cuál es.
Lo de la adaptación al cine de ‘Gears of War’ es como el cuento del lobo. Se lleva hablando de ella desde 2007 y no llega.
Lo último que se sabía de ella se remonta al 2010 cuando se anunció que la
New Line/Warner Bros. habían decidido parar el proyecto para acometer
dos actuaciones drásticas de tijeretazo: hacer la historia de la cinta
más sencilla, y recortar el presupuesto.
Y es que al parecer el scripter Chris Morgan se había crecido y
había escrito un guión del copón, ayudado por Billy Ray en el
desarrollo de algunos personajes, convirtiendo ‘Gears of War’ en un
filme épico de padre y señor mío, un largometraje multi-generacional de
grandes proporciones.
Eso era como decir que la NW y la WB se tendría que gastar un pastonazo para trasladar a la gran pantalla lo escrito por Morgan.
A Chris le dieron el finiquito y empezaron a buscar nuevo guionista para los recortes bueno, bonito y barato.
Ahora cuenta Variety que Epic
Games se está reuniendo con productores para encontrar otro Estudio con
el fin de desarrollar esta adaptación granpantallera. Veremos a ver cuánto tiempo pasa hasta que volvamos a hablar de ella.
Anecdótico lo de Beyoncé y ‘A Star is Born’, la cuarta adaptación de
este musical en la Historia de Hollywood, ahora con Clint Eastwood como
dire.
Y es que la producción de este filme ya sufrió un sensible retraso a partir del momento en que Beyoncé, la confirmada
star femenina, enseñó tripita allá por agosto de 2011 en la alfombra
roja de los MTV Video Music Awards, anunciando así que esperaba su
primer retoñín con su marido, el rapero y productor musical Jay Z.
La Warner Bros. no tuvo más remedio que decidir ese retraso ante el preñao.
Así que hubo un plegado ante la estrella para no perderla, y sin embargo ahora se anuncia que está fuera. Y sobre los motivos, ni mú.
Ahora buscan un reemplazo, y se rumorea que están considerando a Esperanza Spaulding, aunque también están a la caza del protagonista masculino.
El caso es que según contó Eastwood recientemente, el proyecto de ‘A
Star is Born’ todavía tendrá que esperar unos 6 meses para que arranque
en serio. Está costando.
La taquilla vuelve a dar otra decepción más y ya van unas cuantas.
Los poco menos 6 millones recaudados esta semana – y con cuatro estrenos
mayores – dejan una muy mala sensación y no ayudan a ser nada
optimistas, ni con la llegada de algo tan grande como Lo imposible.
Han habido algunas pocas buenas noticias, por lo que habrá que
conformarse con esas. Durante el fin de semana se han vendido apenas
810.000 entradas, lo que siguen siendo datos mínimos en una época del
año como esta, con estos productos y para un mercado como España. El
precio medio de la entrada esta semana se situaba en los 7,28€, apenas
un 1,6% menos que Alemania, uno de los mercados más caros en Europa. Aquí la tabla completa del top10. Resident Evil: Venganza,
la quinta película de la saga, decepciona en su primer fin de semana
con un dato de apertura de 1,09 millones de € desde 529 salas, lo que
deja una mediocre media por sala de 2.060€ y una venta de 143.000
entradas. No son datos muy positivos valorando que el anterior film
estrenó hace dos años en estas mismas fechas con 2,6 millones. El
descenso entre los dos capítulos has sido del 60%, muy lejos de visto en
Estados Unidos, y muy lejos del ritmo general de la película a nivel
internacional, que presenta una caída del 32% pero con aún algo de
trayectoria por delante – el film lleva 159,7 millones de $ recaudados
fuera del mercado norteamericano, donde ha acumulado 41 millones de $.
En España la cifra es inferior a la vista por Desafío total,
1,3 millones de €, y lejos de otros productos similares tanto por la
empresa como el argumento. Se repite la tónica que se va observando
desde hace tiempo y que se ha agudizado sustancialmente desde la subida
del precio de las entradas: el sector joven desaparece de las salas. No
hay motivación ante este tipo de producto de ocio puro y duro que no
alarga su satisfacción más allá de las salas o deja positivos recuerdos.
Tampoco hay opción para Resident de remontar en exceso con el largo fin de semana que viene ya que la llegada de Lo imposible la dejará KO. De momento las expectativas se colocan en la línea de lo que el anterior film recaudó en un solo fin de semana.
Los otros dos estrenos fuertes de la semana, Venganza 2 y El fraude, si logran decentes datos, en ambos casos apelando a una audiencia principal muy diferente a la de Resident Evil, que aún soporta el precio – con resignación eso sí – a cambio de un producto que a priori creen que debería satisfacer. Venganza empieza con 952.000€ en 320 pantallas, lo
que le deja una media de 2.977€, cifra más que decente para un producto
de dimensiones no exageradas y que ya en todo el mundo ha sido un enorme
éxito. La cifra española no es la mejor, pero es digna comparada con
otros estrenos. Su boca oreja no es de esperar que sea como el del
primer film, pero el alcanzar un dato cercanos a los 2,7-2,8 millones ya
será lo esperado. El Fraude en cambio sí se la puede considerar un
éxito y un acierto por parte de Tripictures, no solo por como la han
medido sino por el acertado bombo de prestigio, relevancia y casting.
Era una película con audiencia, que algo se podía ver afectada por Venganza 2,
pero que con 840.000€ en 235 cines le deja la mejor media de la
cartelera: 3.560€ y 480 espectadores por pantalla. Pese a que tendrá
algo de piedras en el camino, si el boca-oreja hace acto de presencia,
podría llegar a los 3 millones de €, cifra excelente comparando que es
un producto que solo ha costado 15 millones de €.
Con todo, pese a los buenos datos el enemigo la semana que viene de Lo Imposible es suficientemente duro como para comerse a ambas películas.
A nivel de mantenimientos, las caídas de esta semana han sido muy
agudas, consecuencia que el fin de semana pasado tuvo a su favor las
lluvias que atraían a los espectadores a las salas. Los descensos
generales han estado entre el 45% y más allá del 60% en la mayoría de
casos. Tadeo Jones presenta su mayor descenso en toda su
carrera, cae un 45% hasta los 762.000€ pero sin ser esto una gran
tragedia ya que la semana que viene con los tres días de vacaciones
debería recuperar parte del terreno perdido. Suma ya un excelente total
de 13,75 millones de €, debería en breve cruzar los 14 millones y los 15
pasado el puente. Sigue con muchos puntos para superar a Ice Age 4 lo que sería un enorme triunfo.
La otra cinta de animación del momento, Brave,
alcanza los 14 millones esta semana presentando un descenso de 57% y es
que en todos estos casos la perdida de copias, en especial en 3D ha sido
clave.
El sector de productos adultos – mayoría en estos momentos en el
top10 – esta semana se ven afectados por los estrenos y pese a sus
decentes comentarios no presentan grandes cifras. Las comedias Si de verdad quieres (Aurum)y A Roma con amor (Alta) caen un 54 y un 51% respectivamente, siendo caídas muy fuertes para el tipo de cine que son. Salvajes y Mátalos suavemente lo hacen de forma mucho peor con un descenso del 66-67% en ambos casos.
La comedia de Aurum suma en 10 días 1,21 millones de €, recaudando
esta semana unos pobres 318.000€ por lo que los 2 millones se perfilan
como un horizonte ya algo difícil de lograr con este ritmo y con el
enemigo que se avecina. Woody Allen también se encuentra en la misma
situación, con la película solo acumulando 2,25 millones de €, afectada
por pocos comentarios emocionantes y mucha competencia. Los 3 millones
serían un dato que la dejaría muy lejos de recientes títulos del
director en nuestro país.
Los productos más de acción como Salvajes y Mátalos suavemente solo generan esta semana 280.000€ y 124.000€ respectivamente, consecuencia clara de la llegada tanto de Venganza como de El Fraude, así como ninguna de las dos estaba generando un ruido extraordinario. Sus totales son ahora 1,3 millones para Salvajes y 1,5 millones para Mátalos.
Alta esta semana fracasa con el film de Steven Soderberg Magic Mike,
que pese a su tamaño – 231 copias – solo recauda 169.000€ dejando una
mala media de 733€ por cine. No ha interesado pese a muchos elementos a
su favor. Quedaba demasiado taponada por el resto de competidores sin el
suficiente nombre de prestigio ni una línea argumental que la
levantara. Viendo el enorme éxito en Estados Unidos, este es un caso de
claro descuento cultural.
Filmax estrenaba esta semana a medio camino de un gran estreno el drama Bel Ami. Historia de un seductor,
otro producto algo perdido y con importante retraso que estrenaba en
111 cines pero para un pobre dato de 74.000€, es decir, solo 630€ por
sala. No logra el mismo interés que Shanghai hace unas semanas.
En esta línea, destaca como esta semana Blancanieves
presenta el menor descenso y se cuela en el top10 con 123.000€ desde 86
salas. Se ampliado un poco su camino, y su media se sitúa ahora en los
1.432€, algo ajustada, pero con la ventaja del nombre que le dio el ser
la candidata de España por los Oscar. Pese a ese extra de atención no se
acaba de entender muy bien la ampliación de salas siendo el producto
que es. Lleva acumulado 357.000€ y sigue con un horizonte importante a
poco que pueda seguir generando buenos comentarios y curiosidad a partes
iguales.
El film de Trueba, El artista y la modelo, por su cuenta cae un 36%, que es el segundo mejor descenso del top20 y suma 62.000€ a un total de 205.000€.
Al fin podemos echar un vistazo al primer tráiler de ‘Los últimos días’, el nuevo trabajo de Álex y David Pastor tras debutar con ‘Infectados’ (‘Carriers’, 2009). Hace un año, antes de que comenzara el rodaje, pudimos ver un teaser
que nos adelantaba el escenario y el aspecto visual; en el tráiler ya
podemos hacernos una idea más aproximada de cómo será el film. Y como
dijo alguien en este blog: pinta muy bien, la verdad.
5 millones de euros ha costado ‘Los últimos días’,
una historia post-apocalíptica ambientada en Barcelona. millones de
euros. La trama parte de que inexplicablemente toda la población del
planeta queda atrapada en edificios y espacios cerrados, incapaz de
salir al exterior. Se inicia así una batalla por la supervivencia de
consecuencias imprevisibles para el futuro de la humanidad. Pero Marc
tiene por delante su propia odisea: encontrar a su novia, Julia. Quim Gutiérrez, José Coronado, Marta Etura y Leticia Dolera
encabezan el reparto de este inusual thriller —para ser una producción
española—, que se estrenará en cines la próxima primavera. El avance me
ha gustado —excepto los efectos visuales, algo toscos— e ‘Infectados’ me
pareció muy entretenida, por lo que estoy deseando ver la segunda película de los hermanos Pastor. ¿Y vosotros?
Ahora que Cronenberg va en limusina, llega el momento de fijarse en
otros apologetas de la pérdida voluntaria o forzosa de extremidades
corporales. Por DANIEL DE PARTEARROYO
Resaltar de forma gráfica la fragilidad del cuerpo humano
es una de las labores características del cine de terror, donde reinan
los apuñalamientos, decapitaciones y, en general, distintas violaciones
de la integridad de nuestras capas de protección ante el frío mundo
exterior. En un ámbito más extremo aparecen los filmes consagrados a la
nueva carne, la materialización orgánica de los bajos instintos y
pulsiones sexuales. Ese es el campo de exploración de David Cronenberg, que con la magnífica Cosmópolis sigue
ofreciendo nuevas mutaciones mientras niega la explicitud
francotiradora que una vez lo caracterizó y apuesta por una apariencia
más lavada pero igual de corrosiva. La adaptación de la novela de Don DeLillo pilla
con el paso torcido tanto a los seguidores del Cronenberg carnal y
viscoso (que, sin embargo, ha firmado su película más radical del último
decenio) como a las hormonas adolescentes que puedan acudir al llamado
de su protagonista, Robert Pattinson. No se engañen: es
una obra maestra y de las más importantes del canadiense, cuya
filmografía entra a partir de ahora en un espacio abierto y libre donde
todo, todavía más, es posible.
Como en su día ocurriera con El almuerzo desnudo, Crash o Spider, Cosmópolis es
una adaptación modélica de un material muy literario que encuentra un
gran complemento en la pureza del dispositivo cinematográfico. Cronenberg dijo en Cannes que para él la esencia del cine era "un rostro hablando", y
eso es, tal cual, lo que encuentra Pattinson en el desfile de
colaboradores que entran en su limusina mientras él busca un corte de
pelo en pleno fin del mundo financiero. Los punzantes y
peculiares diálogos de DeLillo están trasladados con efectividad
quirúrgica (atención sobre todo a la declamación de Samantha Morton) en
medio de una puesta en escena rígida y enrarecida. El maestro
de la nueva carne sigue fiel a sí mismo infiltrándose en nuestro
torrente sanguíneo sigiloso, como esa cámara que recorre todas las
esquinas de la limusina-acuario donde transcurre el 80% del metraje, y
vírico, pues algunas imágenes de Cosmópolis se replicarán en nuestra mente hasta el final del festival.
En cambio, si la escasa mutilación física de Cosmópolis te
sabe a poco, toma nota de un buen número de películas que, en días
anteriores, nos han regalado las mejores vulneraciones de la integridad
del cuerpo humano. Antes de que llegue Brandon con su Antiviral,hemos encontrado otros posibles retoños cronenbergianos en las también canadienses Jen y Sylvia Soska. En American Mary las
dos hermanas gemelas ofrecen una visión fascinada e inquietante del
mundo de la manipulación corporal a través de operaciones quirúrgicas con la historia de Mary Mason (Katharine Isabelle, con
quien me encantaría emborracharme a base de chupitos de tequila en la
cafetería de un tanatorio), una estudiante de cirugía que decide
solventar sus problemas financieros accediendo a practicar operaciones
ilegales. Pronto, las modificaciones y mutilaciones voluntarias
coincidirán con las que no lo son tanto. Las Soska, aparte de tener un
cameo fantástico, miman mucho a su personaje desde el guión y, aunque la
película pierde fuerza cuando cae en convenciones policiales en vez de
centrarse en su particular rape and revenge de quirófano, es una de esas que piden a gritos haber tenido protagonismo en la Sección Oficial en vez de quedar relegada a una paralela. Queremos más como esta en Sitges.
Lo mismo sucede con Girls Against Boys, de Austin Chick, que
si no llega a ser por el inevitable reclamo de su título nos habríamos
perdido. Estableciendo paralelismos, podemos decir que si Adam Wingard hizo un torture porn con textura indie (a lo Sofia Coppola, vamos) en A Horrible Way to Die, la operación de Chick en Girls Against Boys es como si las protagonistas de Girls dirigieran una película rape and revenge. Las fantásticas Danielle Panabaker y Nicole LaLibertie protagonizan un exploit de
diseño (demasiado elegante para los fans del desbarre, claro) como dos
camareras en una cruzada por aniquilar al género masculino. Algunas
propuestas visuales, sus planos secuencia y la contundencia de una
violencia no siempre fuera de plano la elevan muy por encima de otros
filmes con más renombre y promoción que sí consiguen salas llenas en el
certamen. Una pena que muy poca gente viera las que seguramente sean las
mejores escenas de discoteca del año.
A Girls Against Boys no le falta su dosis de mutilación, aunque, para eso, la referencia debería ser la divertidísima Excision, de Richard Bates Jr., que además de competir con The Lords of Salem por la mejor colección de cameos del festival (John Waters, Malcolm McDowell, Traci Lords, Ray Wise) tiene un genial talento para cambiar de registro en un microsegundo (de teen movie cómica con ensoñaciones gore a una heladora otra-cosa) para conseguir un efecto brutal. Igual que Mary Mason, la joven Pauline de Excision quiere
ser cirujana, por lo que su único interés en el instituto, aparte de
perder la virginidad, pasa por entrar en contacto con los aspectos más
sórdidos y grotescos de la biología humana. Combinando el camino de
aprendizaje de su protagonista con secuencias de atrocidades deudoras
del vídeo-arte de gente como Matthew Barney, lo mejor es cómo el director y la actriz AnnaLynne McCord le dan humanidad y cercanía a todo el conjunto. ¿Que están haciendo el remake de Carrie?Yo me quedo con Excision.
El cine se contagia de la tendencia del arte y fenómenos literarios
como '50 sombras de Grey' por mostrarlo todo, todo, todo. Por IVÁN
REGUERA
El sexo explícito regresa como una tendencia en todo tipo de disciplinas artísticas. Recientemente los organizadores de la exposición Ausencia de vergüenza, de la galería de arte Kunstcentrum (Dinamarca), decidieron poner en vivo a dos actores porno follando delante de los visitantes. La novela 50 sombras de Grey, de E. L. James, lleva más de cuatro meses en el primer puesto de la lista de libros más vendidos de The New York Times
y ya lleva despachados más de 800.000 ejemplares en castellano. Es una
novela pseudo porno sobre el sobado mito de Pigmalión, una historia rosa
y con gotitas de falso sadomasoquismo. El cine explícito, el que no resuelve el sexo mediante elipsis, se apunta también a esta tendencia.
Bien es cierto que el sexo en films artísticos (no meramente pornográficos) no es nuevo en la historia del cine. Luis Buñuel
planeó, con Marcel Duchamp y Fernand Léger, una película porno rodada
en una azotea de Nueva York, pero el riego era demasiado alto: diez años
de cárcel. Stanley Kubrick, obsesionado por engrandecer los géneros cinematográficos, se planteó hacer Blue Movie,
la primera película “pornográfica artística”. Nunca se atrevió.
Ejemplos de directores y actores que sí han jugado con el porno en
películas no pornográficas hay unos cuantos: Dulce película (1974), El imperio de los sentidos (1976), Los frutos de la pasión (1981), El diablo en el cuerpo (1986), Los idiotas (1998), Romance X (1999), Fóllame (2000), Intimidad (2001) o las ya recordadas en CINEMANÍAKen Park (2002), The Brown Bunny (2003), 9 canciones (2004), Shortbus (2006), Destricted (2006), All about Anna (2005) y Anticristo (2009).
Los próximos que se apuntan a lo explícito y a una buena ración de
publicidad gratuita son Travis Mathews, un realizador de cine porno gay,
y James Franco, que intentará emular a Al Pacino en un remake de A la caza(William Friedkin, 1980). Además, Shia LaBeouf, protagonista de Transformers, va a rodar porno a las órdenes deun reincidente: Lars von Trier. La Ninfómana, que también cuenta en su reparto con Charlotte Gainsbourg y Christian Slater, narra la actividad sexual de una mujer desde su juventud hasta la cincuentena.
El peligro de los amigos de lo explícito (que en definitiva piden a
sus actores que follen sin interpretar, que es su trabajo) es que se
supone que la jodienda aporta realismo al film, pero en realidad nos
saca de la película porque no vemos a dos PERSONAJES follando, vemos a
dos ACTORES follando. En definitiva: el sexo explícito hace que
una ficción cinematográfica se convierta en una película casera de dos
actores practicando algo demasiado íntimo.
Hay una conocida anécdota del rodaje de Marathon Man. En una de las secuencias, Lawrence Olivier tortura a un sudoroso y destrozado Dustin Hoffman.
Para preparar su personaje Hoffman corrió por algunas manzanas de Nueva
York para llegar totalmente roto al rodaje. Cuando Olivier lo vio tan
machacado, se acercó a él y le dijo: “Joven, ¿no podría limitarse a actuar?”. Pues eso.
Antes de conocer a Johnny Depp y Winona Ryder, el director del
'pelazo' ya hacía películas. Ahora que 'Frankenweenie' rehace en largo
uno de sus primeros trabajos, es el momento de revisarlas. Por YAGO
GARCÍA
Podría ser un ajuste de cuentas, y si lo fuera estaría bien merecido. Tras haber sido expulsado de Disney con cajas destempladas a cuenta de un corto llamado Frankenweenie, Tim Burton estrena esta semana un nuevo largometraje de animación, titulado precisamente Frankenweeniey distribuído por... Disney. ¿Es una paradoja temporal? Pues no: con la millonada recaudada por Alicia en el País de las maravillas, y aunque Sombras tenebrosasno
nos haya hecho precisamente dar botes en el asiento, hoy en día Burton
es un director lo bastante poderoso como para permitirse cualquier
capricho. Y la idea de remakear su corto de 1984, esta vez en forma de stop motion, es algo que venía acariciando desde 2005.
A nosotros, el regreso del perrito no-muerto con tornillos en el
collar nos ha gustado bastante. Y, además, nos permite recordar que
antes de ser un director estimado mundialmente, Tim Burton fue un
prolífico cortometrajista. Salvo unos pocos trabajos de juventud, de los
que te hablaremos en su momento, todos sus trabajos primigenios han
sido reeditados en dvd como complemento a sus títulos largos, como Pesadilla antes de navidad, y también pueden verse en YouTube.
The Island of Doctor Agor (1973)
Con trece añitos (en la foto puedes ver el jeto que
gastaba por entonces), Tim Burton se estrenó en las labores de dirigir
cine mediante este corto, rodado con una cámara de Super 8, un grupo de
amigos como actores y los animales del zoo de Los Ángeles (sin salir de
sus jaulas, claro) ejerciendo de monstruos. Por supuesto, el trabajo no
se conserva, y durante mucho tiempo se creyó que era un mero mito, hasta
que el director reconoció haberlo rodado durante una entrevista para el
libro Tim Burton por Tim Burton (2006). ¿Se atreverá a exhibirlo algún día, o le avergonzarán sus pecadillos de juventud?
Stalk of the Celery Monster (1979)
Convertido ya en alumno de CalArts, y atemorizado por la posibilidad
de perder su beca, Burton realizó en solitario esta joyita a lápiz. Stalk of the Celery Monster (juego
de palabras intraducible con el verbo "acosar" y lo que aquí
denominamos un tallo de apio) se consideró perdida hasta 2006, y su
metraje superviviente ha llegado hasta nosotros en condiciones carente
casi por completo de su colorido y su banda sonora. Aun así, es fácil
entender por qué un tal John Lasseter se quedó pasmado al verlo, recomendando a Burton para un trabajo en Disney.
Doctor of Doom (1979)
Antes de rodar Ed Wood, Burton se permitió
un homenaje al 'peor director de todos los tiempos' en este corto. El
cual, avisamos, no tiene nada que ver con cierto personaje Marvel que lleva máscara y odia a los Cuatro Fantásticos, sino
con esos científicos chiflados que tanto abundaban en las producciones
de serie B, y a cuyos monstruos idolatraba el Tim adolescente. Por
cierto, uno de los actores de The Doctor of Doom es nada menos que Brad Bird, acentuando la conexión de nuestro hombre con los chicos del aula a113.
Hansel and Gretel (1982)
Al igual que Steven Spielberg, Burton tuvo su
primera oportunidad profesional en el medio televisivo. Sólo que, a
diferencia del hombre de la gorra, nuestro hombre no debutó currando en
una serie, sino rodando una versión muy peculiar del cuento de los Grimm
que convertía a los niños del título en aprendices de kung-fu. Junto
con The Island of Doctor Agor, Hansel and Gretel es el Santo Grial de la prehistoria burtoniana: el Disney Channel sólo
lo emitió una vez, y en horario de madrugada, durante la noche de
Halloween de 1983. Desde entonces sólo ha podido verse en el MOMA de Nueva York, donde se exhibió en 2009 como parte de una exposición.
Luau (1982)
En Hawai, un "luau" es una fiesta playera, de esas con collares de flores, estatuas tiki y bailes hula. Es
decir, el marco perfecto para que Burton plasmara su relación de amor y
odio con el lado más pasteloso de la cultura pop de EE UU. Codirigido
con su amigo Jerry Rees (Ella siempre dice sí) y
con el propio Tim en el papel de una criatura primigenia, este corto
plantea una historia disparatada y terrorífica a partes iguales, con un
guateque surfero invadido por monstruos y fantasmas. Podría ser un
ensayo general para Bitelchús.
Vincent (1982)
Como es bien sabido, la estancia de Tim Burton en Disney no fue nada
feliz. Pero, pese a todo, tuvo sus momentos: interesadas por el talento
de su joven empleado, algunas de las cabezas pensantes del estudio le
facilitaron a fondo perdido algo más de 100.000 euros (ajustados) para que adaptase uno de sus poemas en forma de corto. Lo cual permitió al cineasta reclutar a los animadores Rick Heinrichs y Stephen Chiodo (Team America) para dar sus primeros pasos en el mundo stop motion, y cumplir uno de los sueños de su vida contando con Vincent Price como narrador del cuento. "Ha sido mejor que recibir una estrella en el Paseo de la Fama", dijo el veterano actor, quien volvería a trabajar con Burton (poco antes de morir) en Eduardo Manostijeras. Mitomanías aparte, Vincent es un pequeño placer a redescubrir.
Frankenweenie (1984)
Hartos ya de ese chaval con pelucón, que sólo les daba sustos y que
insistía en dibujar engendros de las tinieblas, los mandamases de Disney
despidieron a Burton cuando este les presentó el copión de Frankenweenie. Según el estudio, Tim había malgastado un presupuesto considerable (1,6 millones de euros, ajustados) rodando una cosa rarísima, cuando ellos le habían encargado un corto que sirviese de aperitivo a la reposición de Pinocho en pantalla grande. Frankenweenie acabó exhibiéndose sólo en sesiones de madrugada en el Reino Unido, como prólogo a Baby, el secreto de la leyenda perdida. Y eso nos da una idea de lo malo que es precipitarse: mientras que dicho filme (una producción de la filial Touchstone sobre
un bebé dinosaurio en la Amazonia) ha caído en el olvido, el corto de
Burton ganó con los años un estatus de culto, reeditándose en VHS en
1994.
Stainboy - El chico mancha (2000)
Convertido ya en faro y guía para góticos y chicos raros de todo el
mundo, Burton no tenía que excusarse ante nadie cuando decidió convertir
su libro La melancólica muerte de Chico Ostra en
una colección de cortos animados. La serie sólo generó seis episodios, y
tampoco nos extraña, porque la animación en Flash resultaba tosca aún
para la época, la estructura de los capítulos se repetía más que el ajo y
la idea de convertir a sus existencialistas y mustios personajes en
protagonistas de historias policíacas (el chico titular es un
superhéroe, nada menos) tampoco funcionaba demasiado. Aun así, la serie
le dio a Burton la posibilidad de colocar como actriz de voz a su novia
de entonces, la modelo Lisa Marie: seguramente la recordarás como la alien maciza de Mars Attacks!.
Escueta
la info: Walt Disney Pictures y ImageMovers están planeando llevar al
gran pantallón una historia de ciencia ficción titulada ‘The Magic Catalogue’.
El guionista de ‘Ice Age: Continental Drift’ Jason Fuchs proporcionará
el script del proyecto inicial, basado en una idea de Chris Appelhan.
![[cronica sitges 2012] pequeno manual de mutilacion casera](https://lh3.googleusercontent.com/blogger_img_proxy/AEn0k_ucbSZKmowvWQlpcOWC5zEZoTTYyhnmTZlv0Hj8JY21WxgnUqnACgpY4KuIfFn75PtzX3FTCggIAQqY0iH7K1olfXrM0bXkJaREtxV0KognYXGVw6wqJuE9AjRkev5ZGXdG3JPdy_NpaENn6tWFU5Sa5yu2hO2Puqn121hrYGG2=s0-d)
Con trece añitos (en la foto puedes ver el jeto que
gastaba por entonces), Tim Burton se estrenó en las labores de dirigir
cine mediante este corto, rodado con una cámara de Super 8, un grupo de
amigos como actores y los animales del zoo de Los Ángeles (sin salir de
sus jaulas, claro) ejerciendo de monstruos. Por supuesto, el trabajo no
se conserva, y durante mucho tiempo se creyó que era un mero mito, hasta
que el director reconoció haberlo rodado durante una entrevista para el
libro Tim Burton por Tim Burton (2006). ¿Se atreverá a exhibirlo algún día, o le avergonzarán sus pecadillos de juventud?